Brave: ¿Más Disney que Pixar?

La historia de la relación entre Disney y Pixar contiene algunos de los elementos más característicos de la novela rosa. Amores, desencuentros, discusiones, rupturas y reconciliaciones han estado presentes en los últimos años en esa difícil convivencia que implica tantos intereses artísticos y económicos. 

La factoría Disney ha sido siempre la referencia en lo que al cine infantil y de animación se refiere, ya desde los años 30 del siglo pasado. Por el contrario, Pixar nació en 1979 como una división de la megacompañía Lucasfilm, con el objetivo inicial de dedicarse a labores puramente técnicas. Sin embargo, aquellos cortometrajes de Pixar de finales de los 80 y principios de los 90 dejaron entrever que aquello podía ser más que una empresa de hardware gráfico. Disney, avispada como siempre, decidió unirse a la compañía del flexo en 1991, y como resultado de ese trabajo, algunos años después, vería la luz Toy Story (1995), el film que marcaría para siempre el inicio del reinado de la animación 3D por ordenador, por mucho que la animación clásica de Disney viniera de cosechar enormes éxitos con La bella y la bestia (1991), Aladdin (1993) o El rey león (1994).

Curiosamente, el principal ideólogo de Toy Story fue John Lasseter, antiguo trabajador de Disney que salió de la empresa por la puerta de atrás. Así, el empleado excéntrico, el de las inconfundibles camisas hawaianas, no tenía sitio en una casa tan tradicional como Disney. Pero en Pixar encontró el ambiente perfecto para concebir esa maravilla que es Toy Story y unir su talento con el de otros como Andrew Stanton, Pete Docter, Brad Bird o Lee Unkrich, de cuya mente fueron saliendo clásico tras clásico, como puede ser Bichos (1998), Monstruos, S.A. (2001), Buscando a Nemo (2003) o Los increíbles (2004). Para entonces, en ese 2004, Disney y Pixar habían roto relaciones, en el momento en que la animación tradicional languidecía y la hegemonía del 3D era incuestionable. Pero la factoría Disney, perro viejo, no quiso bajarse del tren que ellos habían puesto en marcha décadas atrás, y en una complicada operación financiera, el 24 de enero de 2006, compró los estudios Pixar por 7.400 millones de dólares, un acuerdo mediante el cual los directores creativos de la compañía del flexo se harían cargo del estudio de animación de Disney.

Todo esto viene al caso para hacer referencia a la unión definitiva entre Disney y Pixar, después de la cual siguieron llegando obras maestras como Ratatouille (2007) y, sobretodo, Wall·E (2008), Up (2009) y Toy Story 3 (2010), las cimas creativas de Pixar. Sin embargo, muchos apuntan al proceso de disneyzación de los estudios de Emeryville, presuntamente subyugados por la poderosa empresa matriz. Esto puede debatirse, claro está, pero algunos datos están ahí. Por ejemplo, la siguiente película de Pixar tras el enorme éxito de Toy Story 3 fue Cars 2 (2011), sin duda el peor título de la compañía tanto a nivel de crítica como de público. Otro dato: los próximos proyectos de Pixar son una precuela de Monstruos, S.A. llamada Monsters University (2013), y se especula con la segunda parte de Buscando a Nemo e incluso una cuarta entrega de la saga Toy Story. Por el contrario, Walt Disney Studios tiene preparada ¡Rompe Ralph! (2012), una historia original ambientada en el mundo de los personajes de videojuegos clásicos que tiene pinta de arrasar la taquilla cuando se estrene. En definitiva, ¿está "obligando" Disney a Pixar a estirar sus franquicias más reconocibles con el único objetivo de vender merchandising mientras se reserva las nuevas ideas para su propio estudio?. Y más, ¿es real esa supuesta influencia de la empresa de Mickey Mouse en el resultado artístico de las películas de la compañía del flexo? ¿Es esta una relación desequilibrada que beneficia a Disney y perjudica a Pixar?

Estas son preguntas que están ahora mismo en la calle (en el mundillo del cine, entendedme, todavía no se habla de esto en los bares ni en las tertulias), y que han sido alentadas en parte por el estreno de la última película de Pixar que ha llegado a nuestros cines. Me estoy refiriendo a Brave (2012), un film que, por lo que se puede leer, tiene dividida a la crítica entre partidarios y detractores, y que en definitiva sirve como ejemplo para volver a sacar a colación las preguntas anteriores.

En un proyecto que arranca desde hace ya algunos años y cuyo guión y dirección ha pasado por varias manos (al final está escrito por Mark Andrews, Steve Purcell, Irene Mecchi y Brenda Chapman, a partir de la idea original de esta última, y dirigido por Andrews, Chapman y Purcell), lo primero que cabe señalar (y que ha sido referido en muchas ocasiones) es el protagonismo absoluto de una chica, por primera vez en un film de Pixar. Esto, que podría resultar anecdótico, no lo es en absoluto, puesto que el tratamiento de la historia y de las situaciones que en ella ocurren desde un punto de vista femenino (que no feminista) sobrevuela toda la cinta dando un enfoque diferente al tradicional.

Otro tema es el impresionante despliegue visual que ofrece la película. Esto es algo en lo que Pixar tiene un dominio incuestionable, y a pesar de los encomiables esfuerzos de Dreamworks y otras compañías por igualarlo, parece impensable ahora mismo superar el apartado visual de los films de Pixar. Ya sea con los paisajes de las Highlands escocesas, con sus valles, ríos, montañas y bosques representados hasta el mínimo detalle y que te sumergen en la historia desde el principio, o bien con las expresiones y rasgos de los personajes, capaces de transmitir cualquier emoción y cualquier gesto por pequeño que sea, el disfrute para la vista es arrebatador. En este sentido, es impresionante la textura de la melena rizada y pelirroja de la protagonista, que consigue parecer casi un personaje más con entidad propia. Y si a todo esto le sumamos la acertada música de Patrick Doyle, estamos ante un goce sensorial difícil de superar.

Si nos fijamos ahora en el apartado del guión, ahí tampoco hay nada que reprochar. Brave funciona con la precisión de un mecanismo de relojería, combinando en sus 100 minutos de duración las dosis perfectas de humor (los gags más evidentes los protagonizan los hermanos de la protagonista, aunque ojo con la breve pero decisiva aparición de la bruja), aventura, suspense y drama familiar, en la medida justa de un alquimista. Nada parece faltar ni sobrar en esta historia de la rebelde princesa Merida, cuya madre la lleva preparando desde pequeña para casarse con el primogénito de uno de los clanes que componen el reino, pero a quien su espíritu independiente le lleva a desafiar las tradiciones aunque sea poniendo en peligro todo su mundo. El argumento consigue mantener el interés en todo momento, llevando al espectador a contemplar el desarrollo interior de los personajes, cuya experiencia durante el metraje les hará reflexionar sobre lo verdaderamente importante.

Así pues, si estamos ante una película con un apartado visual tan potente y un guión tan eficaz, ¿por qué ha levantado tantas suspicacias entre gran parte de la crítica?. La respuesta, en mi opinión, habría que buscarla en la comparación de Brave con los anteriores guiones originales de Pixar. Si descontamos Toy Story 3, que parte de una historia y unos personajes preexistentes, tanto Wall·E como Up tenían como principal virtud que su valoración trasciende los límites del encorsetado género de la animación y el cine infantil, pasando a jugar en la misma liga que cualquiera de las mejores películas de la historia. Aunque ambas están concebidas para un público menor de edad, también ofrecían una posibilidad de lectura mucho más adulta y madura. Es decir, eran cine con mayúsculas, y no sólo gran cine de animación.

Esto es lo que parece estar ausente en Brave, la posibilidad de ser considerada como obra maestra fuera de lo que es estrictamente el cine animado. Pese a ser una película casi perfecta en su envoltorio, sobrevuela en ella una sensación de intrascendencia, de mero objeto de disfrute temporal que no se instala permanentemente en el imaginario del espectador. Es difícil calibrar el grado de responsabilidad de Disney en este hecho, siendo como es siempre sospechoso de edulcoración de la realidad y de escapar de asuntos más controvertidos. Sea como fuere, estamos ante un film superior a la media, que sin duda hará las delicias de los más pequeños y que cubre de sobra el cupo de calidad exigible a una compañía como Pixar. Pero me atrevería a decir que, al contrario que sus maravillosas predecesoras, Brave no está llamada a convertirse en un clásico instantáneo.

The bigger, the better: Trailers de 'Cloud Atlas' y 'Life of Pi'

Una vez que el cine en tres dimensiones se ha instalado parece que definitivamente en nuestras salas comerciales, y también por el miedo a que la inminente subida de los precios de las entradas y el auge del video on demand doméstico reste espectadores a la taquilla, parece que las productoras se han empeñado en poner toda la carne en el asador para ofrecer productos espectaculares, que den lo mejor de sí en pantalla grande y que vuelvan a atraer en masa a los espectadores a las salas de cine.

Los trailers que vais a ver a continuación no son aptos para aquellos que gocen del cine minimalista y pegado a la realidad, con esas historias cotidianas que no levantan los pies del suelo y tienen como objetivo reflejar o denunciar una realidad. Más bien todo lo contrario, estas dos películas pretenden fundamentar su atractivo en un indudable poderío visual, en lo fantasioso de su argumento y en lo exagerado de su puesta en escena. Lo curioso es que ambas son adaptaciones de novelas de éxito, por lo que miles de espectadores las verán con una idea preconcebida en su cabeza. Ahí está el riesgo.

Empezamos con Life of Pi (2012), la versión fílmica del best seller de Yann Martel que David Magee (guionista de Descubriendo Nunca Jamás) se ha encargado de trasladar a la pantalla. La historia cuenta la aventura del joven Pi Patel (Suraj Sharma), el hijo del dueño de un zoológico que se traslada desde la India hasta Canadá. Por el camino, el barco sufre un naufragio y Pi queda aislado en un bote en medio del océano, con la única compañía de una hiena, una cebra, un orangután y un tigre de Bengala (que es el único que aparece en el trailer, por cierto). Así, el film es una historia de soledad, esperanza, supervivencia y búsqueda interior, que personalmente me ha recordado a El viejo y el mar, la maravillosa novela cubana de Ernest Hemingway. En la dirección de la película tenemos a Ang Lee, un director versátil que es capaz de hacer grandes trabajos independientemente del género del que se trate, y que en los últimos años ha firmado títulos tan interesantes como Brokeback Mountain (2005) o Deseo, peligro (2007). Life of Pi tiene previsto su estreno español el 21 de diciembre.

Aunque si hablamos de megalomanía, no os perdáis el trailer (de casi seis minutos nada menos) de Cloud Atlas (2012), adaptación de la novela de David Mitchell que han llevado a cabo, en armónica colaboración, Tom Tykwer y los hermanos Wachowski (desde hace unos años hermano y hermana). El director de Corre Lola, corre (1998) y El perfume (2006), y los responsables de la trilogía Matrix (1999-2003) han unido sus fuerzas para trasladar a la pantalla la obra magna de Mitchell, una tarea ardua y complicada dada la densidad de la novela, compuesta de seis relatos autoconclusivos aunque relacionados entre sí y donde se mezclan personajes, épocas y localizaciones. Así, la película reflexiona sobre la vida y la muerte, el efecto de nuestras acciones en el presente, el pasado y el futuro o la interconexión entre todos los habitantes del planeta. Para este proyecto gigantesco no podía faltar un reparto de lujo, encabezado por Tom Hanks, Halle Berry, Jim Broadbent, Ben Whishaw, Hugo Weaving, Hugh Grant y Susan Sarandon. Si os ha enganchado el trailer, lamento comunicar que la película aún no tiene fecha de estreno en España, pero sí en EE.UU. donde se podrá ver a partir del próximo 26 de octubre.

Donde viven los monstruos: esa prisión llamada infancia

Existe, por fortuna, una tendencia dentro de la literatura infantil que indaga en lo más profundo de la psique del ser humano en sus primeros años de vida. Frente a las historias de damiselas rescatadas por príncipes azules, de animales parlantes bienintencionados, de enemigos inofensivos y de aventuras inocuas se sitúa una línea narrativa bien diferente, donde la infancia no es un camino de rosas sino más bien un sendero angosto donde se agazapan los traumas, los miedos y las pesadillas.

El cine, con su inmensa capacidad de fagocitar todo tipo de tendencias y estilos literarios, ha plasmado muchas veces este tipo de obras infantiles "adultas". Desde Michael Ende a Roald Dahl, pasando por el autor que nos ocupa, un Maurice Sendak al que tenemos en el recuerdo después de su reciente fallecimiento (en mayo de 2012) y cuya obra magna representa a la perfección ese tipo de literatura infantil alejada de las buenas intenciones y que pretende poner el acento en el reverso tenebroso de esa etapa tan difícil.

En 1963, Sendak escribió e ilustró Where the Wild Things Are, traducida con poco acierto en España por Donde viven los monstruos. El libro es extremadamente sencillo y directo, y narra la historia de un niño que tras una trastada es castigado sin cenar. Encerrado en su habitación empieza a ver como crece un mundo de fantasía, habitado por "cosas salvajes" de las que pronto se convertirá en rey, conviviendo con ellas con alegría y felicidad hasta que decide volver a casa, donde encuentra su cena todavía caliente. Tras esta premisa, aparentemente sencilla y sin dobleces, se esconde una reflexión casi freudiana sobre la ira, la culpa, la identidad y la pertenencia a la sociedad, con el añadido de que se trata de un niño de corta edad, razón por la que lo simbólico cobra mayor protagonismo pero sin apartarse del camino de la indagación psicológica. 

El libro de Sendak tardó mucho tiempo en ser comprendido y asimilado por el público, que encontraba sus páginas demasiado duras y poco adecuadas para leerlas a los niños antes de dormir. Quizá eso explique que su adaptación al cine haya estado sobre la mesa en las dos últimas décadas, pero que no haya llegado a buen puerto hasta 2009, y después de muchos avatares. La factoría Disney quiso adaptar el libro haciendo una película de animación tradicional, pero el proyecto quedó en nada. Fue en 2005 cuando apareció Spike Jonze, que ya se había labrado un nombre como director de videoclips de artistas de primera fila y también como realizador a seguir gracias a dos films extraños pero sumamente evocadores como son Cómo ser John Malkovich (1999) y El ladrón de orquídeas (2002). En aquel entonces, el proyecto de Where the Wild Things Are estaba en la mesa de Universal, pero después pasó a manos de Warner Brothers, que finalmente daría luz verde a la película con actores enfundados en los trajes de los monstruos y no generados por ordenador, a petición de Jonze. Así, más de cuatro años después veía la luz Donde viven los monstruos (2009), cuyo resultado final tampoco terminó de convencer a Warner, preocupada por que su película no conectara con el público más pequeño.

Y es que Donde viven los monstruos no es una película fácil, ni siquiera para el público adulto. Desde una perspectiva simplista se puede ver el film como una película de aventuras en la que el niño Max (Max Records) escapa a un mundo fantástico habitado por monstruos, de los que se hace amigo hasta que vuelve a casa con su madre (Catherine Keener). Pero desde un punto de vista más profundo existen matices que dificultan la digestión de la historia. En primer lugar, resulta complicado empatizar con el niño protagonista. En las primeras secuencias le vemos enfadado porque los amigos de su hermana han destrozado su guarida de nieve, y ella no ha hecho nada para impedirlo. Este berrinche se traslada a su madre (no sabemos si viuda o divorciada, pero en todo caso la figura del padre no está presente), agobiada por el trabajo y tratando de rehacer su vida sentimental con un nuevo amigo (Mark Ruffalo). Una discusión absurda sobre la comida genera la pelea entre madre e hijo, tras la cual el niño huye hacia ese mundo fantástico, lo que no es más que un viaje interior hacia un lugar más seguro y donde será él, y no los adultos, quien dicte las normas.

Con todo esto, el incipiente síndrome del "niño emperador" se manifiesta de nuevo en el mundo de fantasía, ya que Max intentará ejercer una especie de dominación sobre los monstruos que lo habitan, convirtiéndose en su rey. Resulta significativa también la situación en la que se encuentran los monstruos antes de la llegada de Max, divididos por la marcha de uno de ellos y contemplando como otro, Carol (con la voz de James Gandolfini), está destrozando sus cabañas en un acceso de rabia. Por eso, la aparición del niño disfrazado de lobo es interpretada como una señal positiva para que vuelva la normalidad y la armonía, cosa que se consigue gracias a la iniciativa y al llamamiento a "hacer el salvaje" que hace el propio Max.

Sin embargo, pronto las cosas se empezarán a torcer en ese mundo idílico que Max acaba de conocer. Las rencillas entre los monstruos no han desaparecido, y empiezan a cuestionar el liderazgo de Max. Carol, mientras enseña al niño la maqueta de su mundo que construyó en su día, le explica que todos los problemas derivan de la separación del grupo, inevitable por el propio desarrollo individual y por la aparición de nuevas criaturas fuera del grupo, que suscitan celos y envidias. La catarsis negativa llega con la batalla, concebida como un juego, en la que los monstruos (separados arbitrariamente por Max entre "buenos" y "malos") se lanzan terrones de tierra y donde la diversión inicial da paso a la violencia y el rencor. Con el grupo destrozado casi sin remedio y con el remordimiento de no haber traído más que problemas, Max decide abandonar a los monstruos y regresar a casa, donde su madre le espera con un abrazo y la cena bien caliente, exactamente como en el libro de Sendak.

Así pues, el argumento de la película no es más que una excusa para indagar en la mente de Max, donde se mezcla un totum revolutum de sentimientos difíciles de manejar. La ira, la culpa, la ausencia del padre, un complejo de Edipo acentuado por la presencia del amigo de la madre, la necesidad de marcar unas reglas propias constituyen un conglomerado de sensaciones que confluyen en la necesidad de Max de inventar un mundo idealizado donde se vive según sus normas y donde todo funciona como se desea. Sin embargo, cuando ese mundo también se desmorona cabe un regreso al hogar, al calor de lo seguro y al regazo materno, el único y verdadero remanso de paz en este mundo hostil. Por el camino, los espectadores han asistido a un interesante desfile visual de criaturas (magnífico trabajo en las animaciones por ordenador de los rostros de los monstruos), pero al mismo tiempo han acabado la película con un extraño y amargo sabor de boca.

"The Dark Knight Rises" y "El Hobbit": los trailers más esperados

Las navidades son unas fechas propicias para los grandes estrenos, pero también para adelantar los títulos más esperados que nos esperan en el futuro. La taquilla de 2012 ya empieza a calentar motores con las primeras imágenes de dos de las películas más esperadas, a falta de que a finales de esta misma semana podamos ver el trailer de Prometheus, lo último de Ridley Scott.

El próximo verano podremos ver El caballero oscuro: la leyenda renace (The Dark Knight Rises, 2012), el cierre de la trilogía que ha firmado Christopher Nolan sobre el personaje de Batman, y que alcanzó cotas de auténtica excelencia con la anterior entrega en 2008, con ese inolvidable Joker interpretado por el tristemente desaparecido Heath Ledger. De nuevo Christian Bale se enfunda el apretado traje del hombre murciélago, y le vuelven a acompañar su inseparable Alfred (Michael Caine), el comisario Gordon (Gary Oldman) y el viejo Lucius Fox (Morgan Freeman). Se añaden al elenco Tom Hardy como el villano Bane, Joseph Gordon-Levitt y las femmes fatales de la función Marion Cotillard (¿no es el cast de Origen casi clavado?) y Anne Hathaway, la nueva Catwoman. El trailer, juzgadlo vosotros mismos, pone los dientes muy largos.

Algo más tarde (de cara a la Navidad de 2012) llegará a nuestros cines la primera entrega de la precuela de El Señor de los Anillos, que llevará por título El Hobbit: Un viaje inesperado (The Hobbit: An Unexpected Journey, 2012). Una década después de la mítica trilogía basada en la obra magna de J.R.R. Tolkien, Peter Jackson vuelve a emprender el enorme reto de llevar a la pantalla lo que le pasó al Anillo de Poder antes de que Frodo y sus amigos recibieran la misión de destruirlo. Martin Freeman interpreta a Bilbo Bolsón (tío de Frodo), quien acompañado de un grupo de enanos tendrá que recuperar un tesoro robado por el dragón Smaug. Repiten sir Ian McKellen como Gandalf, Orlando Bloom como Legolas, Cate Blanchett como Galadriel o Hugo Weaving como Elrond, entre otros. Y, por supuesto, el gran Andy Serkis en la piel (digital) de Gollum.

La segunda parte de esta nueva saga llegará a nuestros cines en la Navidad de 2013, tanto en 2D como en 3D. De momento, habrá que conformarse con el primer poster y el primer trailer:

Scorsese se pasa al 3D con "Hugo"

Lo que el cine en 3D era una moda pasajera ya nadie se lo cree. Muchos de los grandes directores han acogido con naturalidad o incluso con entusiasmo esta nueva manera de concebir el espectáculo cinematográfico. Cada uno en su estilo y con diferentes pretensiones, nombres como James Cameron, Steven Spielberg o Wim Wenders están dando prestigio a un modelo que en principio sólo se concebía como artificio visual vacío de contenido, pero que lleva de camino de dominar los grandes títulos de cine de los próximos tiempos.

El (pen)último a sumarse a la lista de directores de prestigio que se apuntan al 3D es Martin Scorsese. El director de Toro salvaje o Uno de los nuestros está cerca de estrenar en EE.UU. (el 23 de noviembre, aunque a España llegará en enero de 2012) la película La invención de Hugo (Hugo, 2011), adaptación del libro de Brian Selznick que narra las aventuras de un niño que vive en el París de los años 30 y que tiene que resolver un misterio relacionado con el pasado, su padre y un extraño robot.

Es decir, aventuras "para toda la familia" pero aderezadas con un toque de suspense y misterio que pueda hacer al film más digerible para un público adulto. El joven protagonista es Asa Butterfield (El niño del pijama de rayas, 2008), y le acompañan en el reparto nombres como Jude Law, Ben Kingsley, Christopher Lee o Ray Winstone. Parece que los robots vuelven a estar de moda.

Las aventuras de Tintín: nuevo tráiler

Ya queda menos (hasta el próximo 28 de octubre) para que se estrene en cines Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (The adventures of Tintin, 2011), la primera incursión de Steven Spielberg en el cine de animación. El director de Cincinnati lleva muchos años acariciando este proyecto que está a punto de ver la luz, y que viene avalado por un equipo de auténtico lujo. Peter Jackson ejerce esta vez como productor con su compañía WingNut Films, en el guión aparece el nombre de Edgar Wright (director de títulos como Zombies Party o Arma Fatal) y en el reparto personajes tan populares como Jamie Bell (Tintín), Andy Serkis (Capitán Haddock), Daniel Craig (Ivanovich Sakharine) o la pareja Simon Pegg-Nick Frost interpretando a los inefables Hernández y Fernández.

Eso sí, lo que veremos en la pantalla no es a estos actores "de carne y hueso", sino su recreación digital a través de la técnica de motion capture, que ha dado tanto resultados irregulares (Polar Express, Beowulf) como espectaculares (Avatar). Por lo visto, Peter Jackson aconsejó a Spielberg que la animación era la mejor manera de respetar la dinámica del cómic creado por Hergé, y a tenor de lo que podemos ver en los trailers, el director de Tiburón ha puesto toda la carne en el asador para que el resultado final sea espectacular. Y sabemos que Spielberg raras veces pincha en hueso.