El último trazo de Miyazaki

La noticia triste de este fin de semana ha sido el anuncio de la retirada de Hayao Miyazaki, quien es sin duda uno de los creadores más importantes de la historia del cine de animación, y por extensión del cine en general.

Esta información saltaba, a través de Koji Hoshino (director del Studio Ghibli), desde el Festival de Venecia, donde precisamente se presentaba Kaze tachinu (The Wind Rises, 2013), el que va a ser el último film concebido y realizado por el maestro japonés.

A sus 72 años, Miyazaki pasa por ser el nombre más reconocido de la escena del cine de animación japonés, ligado desde casi siempre al Studio Ghibli, en el que desde principios de la década de los 80 ha creado títulos inolvidables como Nausicaä del Valle del Viento (1984), Mi vecino Totoro (1988), La princesa Mononoke (1997), El castillo ambulante (2004), Ponyo en el acantilado (2008) o El viaje de Chihiro (2001), indudablemente una de las mejores películas de lo que llevamos de siglo.

Pero también recordamos a Miyazaki por personajes inolvidables de nuestra infancia televisiva, como el ladrón de guante blanco Lupín (1971-72), Heidi (1974), Marco (1976), Conan el niño del futuro (1978) o la muy reivindicable y tristemente olvidada serie Sherlock Holmes (1984-85), programas todos ellos con los que nos criamos toda una generación de niños.

Y es que el cine de Miyazaki no es ni mucho menos (o no sólo) un cine de animación y entretenimiento para niños. A pesar de su apariencia sencilla y a veces incluso ingenua, sus películas han tenido siempre un trasfondo que supera esa primera capa superficial. A través de historias que beben de la tradición fantástica nipona, de sus dioses y monstruos, los films de Miyazaki hablan de la relación del ser humano con la naturaleza, de la infancia y de la madurez, y también del dolor y la pérdida. Tienen además un claro mensaje pacifista, ecologista y humanista, una característica muy evidente en muchos de sus títulos pero que al mismo tiempo huye de maniqueísmos y denuncias fáciles y disfraza la denuncia a través de la fábula.

La imaginación desbordante de este genio del cine nos ha dado alguno de los mejores ratos de nuestra vida frente a una pantalla. Ahora, una vez anunciado su retiro, sólo cabe seguir alabando el legado de la obra de Hayao Miyazaki.

El ilusionista: Merci, Monsieur Tati

Sobre todo el metraje de El ilusionista (L'illusionniste, 2010) planea una sombra de nostalgia, de patetismo y de pérdida. Una sensación de que ya pasó lo mejor de la vida, y de que todo lo que sucede en el presente no es más que una imitación pobre de un pasado mejor. Se aprecia en los paisajes urbanos del film, ambientados en ciudades frías y de perpetua llovizna como París, Londres o Edimburgo. Pero se observa especialmente en los personajes, sobretodo en el protagonista Jacques Tatischeff, un ilusionista que lleva su espectáculo de prestidigitación por los peores antros, ante un público cada vez más escaso y abúlico, en una huida hacia adelante que desde el primer momento se manifiesta estéril y vacía.

Realizada en un estilo de animación que tiene más de la tradición en dos dimensiones que de las virguerías actuales en 3D (y que el director Sylvain Chomet ya utilizara en la también magistral Bienvenidos a Belleville, 2003) , El ilusionista es un pequeño gran homenaje a ese entretenimiento previo a la irrupción de las nuevas tecnologías (incluyendo el cine), capaz de fascinar a los espectadores haciendo aparecer conejos de la chistera o monedas detrás de las orejas. Un entretenimiento que quedó relegado al olvido cuando fue sustituido por una nueva forma de espectáculo que tiene más de impostura y apariencia que de imaginación e ilusión. En ese nuevo contexto, artistas como el ilusionista, el payaso o el ventrílocuo se convierten en fantasmas de un pasado prematuramente envejecido y casposo, condenados a la desaparición silenciosa, al olvido.

Pero sobretodo, El ilusionista es un homenaje a Jacques Tati (1907-1982), uno de los mejores creadores que ha dado la historia del cine. Desde la plasmación de un guión firmado pero nunca filmado por el propio director hasta la apariencia física del protagonista, todo desprende un aroma de reverencia hacia ese aristócrata de origen ruso que apostó por una manera artesanal de hacer cine, y que devolvió una pasión por el detalle, el gag y la imagen que había desaparecido desde los albores del cine sonoro. La película contiene algunos momentos tan tatinianos como la escena en el taller de coches, un guiño al slapstick tradicional y que vuelve a dejar patente la ascendencia de Max Linder o Charles Chaplin en el cine de Jacques Tati.

Tatischeff (verdadero apellido del propio Tati) es un personaje alto, desgarbado, un caballero de educación exquisita a pesar de lo modesto de su existencia, y permanentemente superado por los avatares del mundo moderno. Es decir, un émulo de Monsieur Hulot, el álter ego al que Tati dio vida en títulos tan inolvidables como Las vacaciones del señor Hulot (1953), Mi tío (1958) o Playtime (1967). Tatischeff intenta superar con estoicismo el progresivo abandono de su espectáculo por parte del público, que prefiere a las nuevas estrellas del rock (fantástica esa versión excesiva e histriónica de The Beatles) antes de que a un tipo con un vestuario pasado de moda que hace aparecer pañuelos de colores. La única persona que parece apreciar (más por fascinación que por comprensión) el arte de Tatischeff es una joven que abandona su sencilla vida en el pueblo para acompañar al mago en sus viajes. Pero pronto se revela que no hay nada de glamour en en las pensiones baratas, los trabajos de media jornada y las actuaciones ante una platea casi desierta. Sólo los esfuerzos de Tatischeff por mantener viva la magia, a base de hacer "aparecer" regalos para su joven compañera, prolongan la existencia de una ilusión, desvanecida por completo cuando aparece un muchacho más joven, más apuesto y hasta más adecuado. Es entonces cuando se revela la verdad más triste de la historia. La magia no existe y es sólo una ilusión irreal la que nos mantiene fascinados por un tiempo. Un tiempo que empieza cuando el ilusionista se sube al escenario, y que termina cuando (como en la película) las luces del teatro se van apagando poco a poco. Después de eso, sólo queda la nostalgia, reflejada en el único plano detalle de un film presentado exclusivamente en planos generales. Un plano que completa esa sensación de que cualquier tiempo pasado fue mejor, por mucho que haya gente que, como ese ilusionista demodé, se empeñe en seguir adelante.

Ben Affleck será el Batman más polémico

Muy pocas veces, un anuncio como el que hizo público ayer la compañía Warner Bros. ha suscitado una reacción tan furibunda en su contra. A través de su presidente Greg Silverman, WB confirmó que el actor elegido para protagonizar la secuela de El hombre de acero (2013) será Ben Affleck, quien se enfundará por primera vez en su carrera el traje negro de Batman, en una decisión tan arriesgada como polémica.

Recordemos que Warner Bros. anunció que habría continuación de la saga Man of Steel, el reboot de la franquicia sobre el héroe kryptoniano que protagonizaron Henry Cavill, Amy Adams y Russell Crowe, y que dirigió todo un experto en la adaptación comiquera como Zack Snyder. En esta continuación se planteaba nada menos que un crossover entre los dos personajes más emblemáticos del sello DC Comics, como son Superman y Batman. Un arco argumental que Frank Miller ya utilizó en su novela gráfica de culto Batman: The Dark Knight Returns (1986), protagonizada por un Bruce Wayne cincuentón que volvía a combatir el crimen después de décadas de retiro.

En el pasado Comic Con de San Diego, Warner lanzó la bomba del proyecto, pero también se supo que Christian Bale (protagonista de la saga El caballero oscuro dirigida por Christopher Nolan) no repetiría como Batman en el mencionado film. Desde ese momento, se iniciaron los rumores sobre quién sería el elegido para encarnar al caballero oscuro, hasta que ayer se disiparon las dudas. La noticia de la elección de Ben Affleck ha hecho suscitar todo tipo de reacciones, aunque la mayoría han sido negativas (incluso ya existe una petición en change.org para reclamar a Warner que recapacite en la contratación de Affleck). Gran parte del público no confía en la capacidad del oscarizado director de Argo como héroe de acción, y muchos recuerdan el pestiño infumable que supuso Daredevil (Mark Steven Johnson, 2003), la primera inclusión de Affleck en un traje de superhéroe de cómic.

Si la decisión es acertada o no, lo dirá el tiempo y sobretodo lo veremos en la película en sí, proyectada para que se estrene en verano de 2015. Cavill y Adams repetirán en sus roles de El hombre de acero, y Snyder volverá a estar tras las cámaras. Pero sin duda, lo que pueda hacer Ben Affleck en la piel de Bruce Wayne (y ver quién hace de Robin, por cierto) será el principal atractivo de un film que, al menos, ya ha conseguido que lo esperemos intensamente.

'Waldo: The Movie'. Trailer de una película que (desgraciadamente) nunca verás

Todos conocemos a Wally, el vagabundo de gafas y jersey de rayas creado por Martin Handford en 1987 y que protagoniza los libros ¿Dónde está Wally?, en los que hay que encontrar al personaje en medio de un marasmo de figuras y objetos que despistan al lector, y que forman parte sin duda de la infancia (o no tanto) de varias generaciones.

Pues bien, el proyecto de llevar a Wally a la gran pantalla lleva varios años sobre la mesa de los grandes estudios de Hollywood. Ya sabemos que no sólo de fuentes literarias vive el cine, ya que en los últimos años hemos visto cómo los medios de entretenimiento infantil y juvenil, como cómics, videojuegos, juguetes y hasta juegos de mesa (¿quién iba a imaginar que se podría hacer una película sobre Hundir la flota?) han servido como inspiración para crear largometrajes con más o menos enjundia. Por eso no es de extrañar que en 2011, nada menos que la MGM adquiriera los derechos de ¿Dónde está Wally? para su potencial adaptación al cine. Desde entonces, mucho se ha rumoreado sobre qué tipo de película podría hacerse con ese material de partida, siendo la comedia de aventuras para toda la familia la salida lógica y posiblemente más rentable para dar vida al carismático personaje.

Sin embargo, poco o nada más se sabe de ese proyecto futuro, ni siquiera los nombres de los encargados de hacerlo realidad. Por eso, ¿qué mejor ejercicio que el de imaginar una película sobre Wally con un tono completamente diferente, bizarro y excesivo?

Eso precisamente es lo que ha hecho Alex Goyette, más conocido por Joule Thief, el alias que utiliza en su canal de YouTube, plataforma en la que es toda una celebrity y en la que se dedica a colgar sketches de humor y parodias. Así, Goyette imagina que Wally (o Waldo, como es conocido en el mundo anglosajón) no es un simpático y despistado trotamundos sino un ex-agente atormentado por su pasado y con infinitas capacidades para asesinar y manejar todo tipo de armas.

No faltan en este falso trailer (dirigido y protagonizado por el propio Goyette) alguno de los tópicos del thriller de acción, desde los tiroteos ralentizados a la escena de búsqueda de redención en la iglesia, pasando por una coletilla pegadiza que soltar después de cada ejecución. Y es que disfrutaríamos mucho más si esta fuera la verdadera película sobre Wally.

Roma: lecciones de historia

La antigua Roma ha demostrado siempre ser un auténtico filón para la ficción, ya sea a través del cine o de la pequeña pantalla. Aquella época cuenta a su favor con una vasta documentación histórica, y con el hecho de haber sido estudiada en profundidad por investigadores de todo el mundo, lo que lógicamente ha permitido que su historia haya calado en nuestro imaginario colectivo y en nuestra cultura general. Pero del mismo modo, su lejanía en el tiempo deja todavía espacio a la fabulación, permitiendo algunas licencias que, sin ser del todo contrastables históricamente, sí han dejado poso en nuestra percepción de la que fue una de las etapas más interesantes de la historia de la civilización occidental.

En nuestros tiempos, en los que ya se ha abandonado definitivamente la idea del peplum como plasmación oportuna del cine "de romanos" (con la excepción del exitazo del Gladiator de Ridley Scott), se opta en muchos casos por un acercamiento más sucio, más pretendidamente realista a aquella época. Además, se observa una tendencia hacia la espectacularización de la imagen, la estilización de la violencia y el uso indiscriminado del slow motion, siguiendo la estela que marcara 300 (Zack Snyder, 2006), auténtico espejo en el que se miran las ficciones ambientadas en la antigüedad grecolatina (más desde la perspectiva mitológica que la histórica) desde entonces, desde Furia de titanes (Louis Leterrier, 2010) y su secuela Ira de titanes (Jonathan Liebesman, 2012) a Immortals (Tarsem Singh, 2011) o la serie de TV Spartacus: Sangre y arena (Steven S. DeKnight, 2010- ), por poner sólo algunos ejemplos. 

Es obvio que el formato cine, con películas de duración limitada y con la necesidad de atraer la atención del público durante todo el metraje, se ve obligado a optar por estos alardes visuales en detrimento de un mayor desarrollo de la historia y los personajes. Sin embargo, la televisión permite detenerse en una exposición más prolongada de la situaciones, favoreciendo la presencia de multitud de personajes que enriquecen la narración y permiten configurar un todo mucho más coherente y completo. Es el caso de Roma (2005-2007), que supone el acercamiento más profundo que la ficción catódica ha realizado a una época tan apasionante como la del paso de la República al Imperio Romano. Y lo hace sin fuegos artificiales, sin grandes y espectaculares escenas de batalla (la mayoría de grandes acontecimientos militares se resuelven con acertadas elipsis) y poniendo el foco en unos personajes perfectamente desarrollados y de una riqueza literaria inestimable.

Esto no significa que Roma sea una producción modesta, ni mucho menos. De hecho, pasa por ser una de las series más caras de la historia de la TV (con un presupuesto cercano a los 100 millones de dólares), una gran superproducción que involucró a la BBC británica, la HBO estadounidense y la RAI italiana, filmándose además en los antiguos estudios de Cinecittà después de un riguroso trabajo de documentación y recreación histórica tanto en los ambientes (las villas, las casas humildes del Aventino, el Senado romano) como en el vestuario y los objetos. Con todo ello, se consigue un efecto inmediato de verosimilitud y de inmersión en la historia, y vuelve a dejar patente la importancia de una buena recreación para que este tipo de productos resulte creíble.

Roma es, al fin y al cabo, una especie de narración-río en la que confluye una amplia gama de personajes. En otra ocasión, y a propósito de The Master (Paul Thomas Anderson, 2012), ya hablamos de la diferencia entre la Historia con mayúsculas, la que trasciende a los libros de texto, y la historia que configuran todos aquellos personajes anónimos que forjan, modifican y transmiten la identidad y la cultura. Roma transita con acierto entre una y otra, mostrando personajes históricos con todas las letras como Julio César (Ciarán Hinds), protagonista de la primera temporada, su sucesor Octavio (Simon Woods) y el rival de éste Marco Antonio (James Purefoy), o el filósofo Cicerón (David Bamber). 

Sin embargo, la mayor riqueza de la serie la aportan los personajes menos conocidos por la Historia oficial, pero que tienen tanta o más importancia en la trama como los grandes nombres. Entre todos ellos, los más destacables son Atia (Polly Walker), madre de Octavio y amante de Marco Antonio, y los soldados Lucio Voreno (Kevin McKidd) y Tito Pullo (Ray Stevenson), que actuan como hilo conductor de la narración de los 22 capítulos y dos temporadas de los que consta la serie, y también como puente entre el mundo "real" (el de los millones de personas que peleaban por su vida diariamente en una metrópolis tan grande como despiadada) y las intrigas de los hombres que dominaban el mundo conocido. Y es precisamente la evolución de estos tres personajes la que con un trazo más cuidadoso está realizada. Pullo y Voreno sufren altibajos constantes en su situación, intercambiando posiciones y lealtades y sufriendo los vaivenes caprichosos de una clase política megalómana e inestable), mientras que Atia representa a toda esa clase de patriciado romano que no duda en anteponer los intereses personales y familiares caiga quien caiga, pero a la que las circunstancias obligan a reinventarse continuamente a riesgo de perder lo más querido.

Creada por Bruno Heller, William J. MacDonald y John Milius (director de Conan, el bárbaro y guionista de Apocalypse Now), Roma es, en definitiva, un acercamiento fiel a la época del siglo I a.C., en la que la verosimilitud histórica y la calidad de los guiones contribuyen a atrapar a la audiencia y a crear la sensación de estar ante un producto de primera categoría. Sólo lo excesivo de su presupuesto y el peligro de alargar la trama hasta límites peligrosos nos privaron de más temporadas. 

David O. Russell viaja a los 70 con 'American Hustle'

El pasado año, el director y guionista David O. Russell daba el salto a las grandes ligas de popularidad en Hollywood gracias a El lado bueno de las cosas (2012), que cosechó ocho nominaciones a los Oscar, incluida la estatuilla dorada para Jennifer Lawrence como actriz de reparto. 

Su siguiente película (escrita junto a Eric Singer), de la que ya tenemos el primer adelanto, se titula American Hustle (2013), y se traslada a los años 70 para contar una historia de intriga y corrupción política con el peculiar sello del director de Tres reyes (1999) o The Fighter (2010). Russell vuelve a contar con el cast principal de El lado bueno de las cosas, incluyendo a Lawrence, Bradley Cooper y Robert De Niro en un papel secundario. Además, incorpora a intérpretes de tirón como Christian Bale (con quien ya trabajó en The Fighter), Amy Adams y Jeremy Renner para completar un reparto de lujo.

Así que los cardados, los pantalones de campana, las cadenas de oro y el inconfundible humor de David O. Russell conforman los principales atractivos de una de las películas más esperadas de finales de este año. De momento, hacemos tiempo con este primer trailer a ritmo del Good Times, Bad Times de Led Zeppelin.