Quiméricos Inquilinos

Scarlett Johansson se convertirá en Janet Leigh

2012-03-02T17:39:00.000+01:00

Según adelantó ayer la versión digital de la revista Variety, Scarlett Johansson interpretará a Janet Leigh en el próximo proyecto de la productora Fox Searchlight, cuyo título provisional es Alfred Hitchcock and the Making of Psycho, cuyo lanzamiento se espera para el año que viene. Como indica el título, el film se centrará en el rodaje de Psicosis (1960), una de las obras maestras del director británico.

Johansson encarnará a una Janet Leigh que gozaba del cartel de estrella en la época, por lo que resultó extremadamente chocante para el público que su personaje (Marion Crane) muriera antes de la mitad del metraje, en la mítica escena de la ducha. Además de la neoyorquina, James D'Arcy (visto recientemente en W.E., la película dirigida por Madonna) se pondrá en la piel de Anthony Perkins, quien encarnó a ese Norman Bates que se ha convertido en uno de los villanos más icónicos de la historia del cine.

Ambos nombres se suman a los ya conocidos de Anthony Hopkins como Alfred Hitchcock y Helen Mirren como su esposa Alma Reville. Es decir, actores de primera fila para un proyecto que dirigirá Sacha Gervasi, que debuta en la dirección de largometrajes después de haber intervenido en algunos guiones como el de La terminal (2004), dirigida por Steven Spielberg.

Antes de ver a Scarlett Johansson gritando en la ducha, podremos abrir boca en breve con su intervención como la Viuda Negra en Los Vengadores (2012), que llegará a nuestras pantallas el próximo 27 de abril.

Estrenos de la semana: 2 de marzo

2012-03-02T10:56:00.000+01:00

Ya estamos en el mes de marzo, y a falta de precipitaciones este mes se presenta con una lluvia de estrenos en su primera semana. Hasta 11 películas llegan a nuestra cartelera este viernes, con ofertas para todos los gustos. Desde el drama social al thriller, pasando por el fantástico o la comedia. Estos son los estrenos de cine de esta semana:

¿Cómo reaccionarían tres adolescentes americanos si de repente dispusieran de poderes sobrenaturales? Esto es lo que plantea Chronicle (2012), una película de superhéroes atípica, rodada como falso documental y centrada en estos tres chavales que adquieren superpoderes después de haber estado expuestos a una misteriosa sustancia en un bosque. El debutante Josh Trank firma este proyecto indie que utiliza el tema de los poderes como excusa para hablar de las relaciones entre adolescentes, de por sí bastante extremas.

Mucho se ha hablado del debut como directora de Angelina Jolie, cuyo trabajo estuvo nominado a los Globos de Oro como mejor película de habla no inglesa. La actriz presenta En tierra de sangre y miel (2011), una historia de amor entre un policía serbio y una artista bosnia musulmana, cuya relación se pone en peligro tras el estallido de la guerra de los Balcanes a principios de la década de 1990. Es encomiable la intención de Jolie de resucitar un conflicto muy reciente pero que ha quedado en el olvido, pero lo que está por ver es cómo responde un guión firmado por ella misma y que es lo que la mayoría de críticos señalan como el punto débil de la película.

El mito de Fausto, el hombre que hace un pacto con el diablo, ha sido contado en innumerables ocasiones en el cine y la televisión. El último en apuntarse es Alexander Sokurov en Faust (2011). El director de El arca rusa firma este film ganador del León de Oro en el último festival de Venecia y ambientado en el siglo XIX. Película especialmente indicada para culturetas y de difícil digestión para el público llano. Ya sabemos como se las gastan en los festivales europeos...

Mucha mejor digestión tendrá seguramente Indomable (2011), el regreso del gran Steven Soderbergh. La película es un thriller de acción protagonizado por una agente especial (Gina Carano) perseguida por todo el mundo después de ser traicionada y que llevará a cabo su venganza contra aquellos que pretendieron engañarla. Con esta premisa tan parecida a la Salt de Angelina Jolie, lo más destacado de la película puede ser el interminable ramillete de secundarios de lujo. Apunten: Ewan McGregor, Bill Paxton, Antonio Banderas, Michael Douglas, Channing Tatum y hasta el omnipresente Michael Fassbender. Casi nada...

Es indudable reconocer que la carrera de Rodrigo Cortés va en aumento de forma exponencial, al menos en lo que a medios y posibilidades se refiere. El éxito de Concursante le permitió hacer Buried, y el reconocimiento de ésta le ha permitido contar con nombres como Cillian Murphy, Sigourney Weaver, Elizabeth Olsen e incluso Robert De Niro para hacer Luces rojas (2012). La película propone un interesante juego de percepción de la realidad a través de la historia de dos investigadores de fraudes paranormales (Murphy y Weaver) que se enfrentan al caso más complicado de sus carreras, un vidente (De Niro) que les hará replantearse sus ideas de lo que puede ser real o no.

En una semana sin estrenos de dibujos animados, los que quieran ir al cine con sus hijos pueden optar por Una aventura extraordinaria (2012). Basada en hechos reales, la película cuenta la lucha de una activista (Drew Barrymore) por salvar a una familia de ballenas atrapadas en el Ártico. En esta pelea consigue involucrar tanto a la comunidad local como a las siempre voraces empresas petrolíferas, e incluso a los gobiernos mundiales implicados en la Guerra Fría. Cine familiar con conciencia ecologista y de lucha por una buena causa dirigido por Ken Kwapis.

Espoleada por el éxito de Caramel, su ópera prima, Nadine Labaki presenta su segunda película, ¿Y ahora adónde vamos? (2011). De nuevo la directora libanesa presenta una historia de mujeres, pero esta vez con la guerra del Líbano como telón de fondo. En un tono entre dramático y cómico, el film muestra a las mujeres tanto como mediadoras como principales víctimas de las guerras de sus maridos, hermanos o hijos, intentando por todos los medios distraer su atención para evitar rencores y absurdos derramamientos de sangre. La película fue reconocida por el público como el mejor film en el festival de Toronto del año pasado.

Y ADEMÁS....

Dos propuestas españolas se cuelan también en la cartelera de esta semana. Una es Año de Gracia (2012), comedia dirigida por Ventura Pons y protagonizada por Rosa María Sardà y Santi Millán, que cuenta con humor la relación chocante entre un joven inconformista y una señora mayor de vuelta de todo. La otra película española es Una canción (2011). Dirigida y protagonizada por Inmaculada Hoces, narra la historia de una abogada en paro que conoce a un músico y a un directivo discográfico, asumiendo nuevos retos que pondrán a prueba su integridad. Finalmente, también tenemos el drama romántico italiano De cintura para arriba (Gianfrancesco Lazotti, 2011) y otro film dramático como Hora menos (Frank Spano, 2011), centrado en las terribles consecuencias de las inundaciones que arrasaron Venezuela en 1999.

Primer trailer de 'Piranha 3DD': vuelven los peces cabreados

2012-02-29T19:25:00.001+01:00

Y con más hambre que nunca, por lo visto. Todavía no tiene fecha oficial de lanzamiento, pero ya podemos ¿disfrutar? del primer tráiler de Piranha 3DD (2012), secuela de la película de hace un par de años que dirigió el siempre estimulante Alexandre Aja y en la que una manada de pirañas prehistóricas hacía de las suyas en un lago.

Como podéis ver en el trailer, la premisa no se aleja en absoluto de lo esperado en este tipo de films. Un entorno idílico (esta vez un parque acuático), profusión de cuerpos jóvenes y lascivos, tetas y culos regados por todo tipo de bebidas espirituosas en slow motion, la frase "hay algo en el agua" y, por supuesto, sangre en cantidades industriales. Parece que en esta ocasión los traviesos peces han sido capaces de infiltrarse en tuberías y aparecer en los lugares más insospechados, lo que asegura una ingente cantidad de muertes con más o menos imaginación y ensañamiento.

Alexandre Aja ha sido sustituido por John Gulager, responsable de la trilogía Feast (la segunda y tercera parte directamente al mercado DVD), en la que tampoco se escatimaba casquería. Por si fuera poco, el guión lo firman Marcus Dunstan y Patrick Melton, guionistas de la saga Saw. Así que nadie puede decir que no esperaba lo que se pueda encontrar en la pantalla. Y si faltaban ingredientes, en el reparto aparecen nombres como Christopher Lloyd o Ving Rhames (de los pocos que no fueron devorados por las pirañas en la anterior entrega) y un cameo del propio David Hasselhoff como socorrista. Casi nada.

(Vía: shocktillyoudrop.com)

Chico & Rita: animación a contracorriente

2012-02-28T12:48:00.000+01:00

Existe una tendencia más o menos mayoritaria que dictamina que el cine de animación debe ir encaminado hacia la creación de los personajes mediante ordenadores y modelado en tres dimensiones. La sombra que proyecta la compañía Pixar (abanderada del mejor cine de animación de los últimos años) es demasiado alargada en este caso, y el resto de firmas deben ingeniárselas como sea para seguir este ritmo. Por eso, cada vez es más frecuente asistir a una lucha en la que las virguerías técnicas y el realismo de los personajes nos pueden dejar con la boca abierta, pero que al mismo tiempo dejan de lado aspectos tan importantes como el guión o, simplemente, el "alma" de la película.

Contra esta tendencia al monopolio de la animación en 3D, a la que incluso Disney ha sucumbido para siempre, existen pocos irreductibles. Quizá el más destacado sea el estudio Ghibli de Hayao Miyazaki, quien mediante animación tradicional sigue produciendo títulos de irregular categoría, aunque siempre manteniendo un alto nivel de calidad. La tradición del anime japonés está demasiado arraigada como para dejarse vencer por el 3D sin plantear batalla.

Y luego existen productos, muy aislados, que de vez en cuando intentan asomar la cabeza entre este océano de píxeles. En el caso español, en los últimos tiempos han aparecido dos películas que rompen esta tendencia a la espectacularidad y apuestan por la historia más que por el aspecto. Una es Arrugas (2011), adaptación de Ignacio Ferreras del cómic de Paco Roca y galardonada con el Goya a mejor película de animación y mejor guión adaptado. Y la otra es Chico & Rita (2010), ganadora del Goya del año pasado y candidata al Oscar al mejor film de animación, categoría en la que se impuso Rango, cómo no un film de animación en tres dimensiones.

Chico & Rita es, pese a lo que pueda parecer, un proyecto ambicioso. Aunque su acabado ofrezca un aspecto de animación clásica y tradicional, lo cierto es que el trabajo que lleva detrás es muy importante. Todas las escenas de la película se grabaron con actores reales, para que de este modo los animadores tuvieran una idea más clara de los encuadres, los movimientos de cámara y las actitudes de los personajes. Así pues, Chico & Rita podría considerarse una película "real" revestida con una capa de animación.

Pero esto no es más que una consecuencia de la propia concepción del film. Chico & Rita es una historia de nostalgia, de lamento por un pasado y por las ocasiones perdidas. Por eso queda perfecto este tratamiento de animación casi vintage, anacrónica, en sintonía con unos personajes que han dejado de vivir el presente para recrearse, a veces con dolor, en el pasado. El film es un largo flashback en el que Chico, ya anciano, desempolva (literalmente) una caja de los recuerdos y rememora lo sucedido sesenta años atrás, cuando conoció a Rita y cambió su vida. A partir de ese momento el pasado toma el protagonismo y se desarrolla hasta un momento fatídico, para volver al presente sólo hacia la parte final de la película, donde los personajes cierran ese círculo de encuentros y desencuentros definitivamente.

Fernando Trueba siempre ha sido un enamorado de la música latina, a la que se ha aproximado principalmente desde el documental (Calle 54, El milagro de Candeal). Sin embargo, esta vez aborda el tema desde la perspectiva del cine de animación, gracias a la colaboración con Javier Mariscal y Tono Errando. Entre los tres han concebido esta historia de amor entre un pianista y una cantante que tiene como telón de fondo la Cuba precastrista, en la que la música cubana y americana se mezclaban y se influían entre sí. No en vano, el sueño de Chico es poder salir de la isla y tocar en alguna de las grandes orquestas estadounidenses, en las que el jazz de Charlie Parker o Dizzy Gillespie (ambos aparecen en el film) estaba en su momento álgido. Chico consigue su sueño, pero no de la manera que hubiera deseado. Como tampoco Rita, que también inicia su particular camino al estrellato (esta vez en el mundo de la canción y el cine) de la mano de un posesivo productor americano. A partir de entonces, los encuentros entre ambos son fugaces, clandestinos, desembocando en una separación definitiva que les sume en la tristeza y la nostalgia.

Chico & Rita es, por lo tanto, un homenaje a una época y una tradición artística nunca suficientemente reivindicada. Si Wim Wenders rendía tributo al son y la música más tradicional de Cuba en Buenavista Social Club (2000), Trueba y Mariscal reivindican el jazz latino, una música surgida de las conexiones a ambos lados del mar Caribe y que en la isla se vio truncada con la llegada de la Revolución, del mismo modo que se ve truncada la relación entre los dos protagonistas. Un paralelismo que acentúa una mirada nostálgica hacia un pasado que no volverá y que sólo ofrece alegrías con cuentagotas. Justo como el cine de animación tradicional.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Chico & Rita País: España, Reino Unido Año: 2010 Dirección: Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando Guión: Ignacio Martínez de Pisón, Fernando Trueba Montaje: Arnau Quiles Música: Bebo Valdés Duración: 94 minutos

GALARDONES

1 nominación al Oscar (2012): Mejor película de animación
1 Goya (2011): Mejor película de animación

Oscars 2012: el triunfo de la nostalgia

2012-02-27T15:14:00.000+01:00

Quizá lo más llamativo de los Oscars que se entregaron anoche era que las dos máximas candidatas eran una película francesa que homenajea el cine americano y una película americana que rinde tributo al cine francés. En todo caso, el mejor parado de la ceremonia fue el cine en sí mismo, considerado este año más que nunca como esa "fábrica de los sueños" capaz de cautivar la imaginación del espectador generación tras generación. Ganara quien ganara, su triunfo iba a ser el reconocimiento a los cimientos del cine, que más de un siglo después de su invención se encuentra en un momento importante en cuanto a su definición como arte, espectáculo y objeto de consumo.

Y en esta batalla de nostalgias por un pasado glorioso, el triunfo absoluto fue para The Artist, manteniendo la inercia ganadora que le ha coronado como mejor película en los Globos de Oro, los BAFTA o incluso los Independent Spirit Awards. Y eso que tardó en llegar su victoria. Durante gran parte de la gala, The Artist sólo pudo lucir sus galardones al mejor vestuario y la mejor banda sonora (Ludovic Bource le ganó la partida a dos monstruos como Howard Shore y John Williams, así como a un Alberto Iglesias cuya suerte en los Goya no le acompaña en Hollywood), perdiendo en alguna categoría en la que partía con opciones, como la dirección artística o la fotografía. Sin embargo, en los momentos decisivos The Artist lució todo el músculo que le ha llevado a ser la principal favorita, haciéndose con tres de los cuatro Oscars principales. El primero en subir al escenario fue Michel Hazanavicius, coronado como mejor director. Después le tocó el turno a un emocionadísimo Jean Dujardin, por derecho propio reconocido como mejor intérprete del año. Finalmente, el Oscar a la mejor película completaba una noche de ensueño en la que The Artist se consolidaba como la película del año.

Los mismos Oscars que The Artist se llevó La invención de Hugo, aunque lógicamente el sabor que se queda no es el mismo. La magnífica película de Martin Scorsese era la más nominada (11 candidaturas), pero sólo pudo alzarse con cinco premios en categorías técnicas: sonido, montaje de sonido, dirección artística, efectos especiales y fotografía (Robert Richardson se impuso por sorpresa a Emmanuel Lubezki y su impecable trabajo en El árbol de la vida). Cinco Oscars que reconocen con todo merecimiento el aspecto visual y el trabajo técnico del film pero que no hacen que La invención de Hugo pase a la historia dorada de estos premios.

Por contra, mucho más contentos estarán los responsables de una película menor como La dama de hierro, que se impuso en las dos categorías en las que competía. Hubo premio al maquillaje, y por supuesto también hubo premio para Meryl Streep, que cumplió con todos los pronósticos. La actriz más nominada de la historia de estos galardones (nada menos que 17 candidaturas) entró en el selectísimo club de intérpretes femeninas con más de dos Oscars, formado por las inolvidables Katharine Hepburn e Ingrid Bergman. Sinceramente emocionada (no recibía este premio desde principios de los 80), Streep agradeció a todos los compañeros que han trabajado en su casi insuperable carrera, reconociendo además que seguramente sea la última vez que se vea en esta situación. Nunca digas nunca, Meryl.

En cuanto a los actores de reparto, tampoco hubo sorpresas. Octavia Spencer se consolidó como mejor actriz secundaria por su papel de sirvienta en Criadas y señoras, siendo la sexta actriz de color en ganar la estatuilla. Por su parte, Christopher Plummer se convirtió en el actor más veterano (descontando los honoríficos) en recoger un Oscar. A sus 82 años, Plummer fue uno de los más emocionados de la noche al recibir su premio por dar vida a un anciano que sale del armario en los últimos años de su vida en Beginners.

Otras películas que se fueron a casa con alguna estatuilla fueron Los descendientes, Midnight in Paris y Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres. Las dos primeras ganaron el Oscar al mejor guión adaptado y original, respectivamente. Alexander Payne se consolida como uno de los mejores guionistas del Hollywood menos mainstream y Woody Allen (como siempre ausente de la gala) se alzó con el galardón veintiséis años después. En cuanto a Millenium, su Oscar fue para el mejor montaje, superando a The Artist y La invención de Hugo, que partían con ventaja. Sus responsables (Angus Wall y Kirk Baxter) repiten el premio del año pasado, que consiguieron gracias a La red social.

También cumplieron con las quinielas la iraní Nader y Simin. Una separación y Rango. La primera se coronó como mejor película de habla no inglesa, algo de lo que nadie tenía dudas. La segunda fue reconocida como mejor film de animación, dejando sin premio la arriesgada propuesta de Javier Mariscal y Fernando Trueba con Chico & Rita. Además, Los Muppets se llevaron el Oscar a la mejor canción original y Undefeated el premio al mejor documental.

¿Y los derrotados? Dos películas se repartieron el dudoso honor de llevarse el premio al "¿para qué habré venido?". Moneyball y War Horse partían con seis candidaturas cada una, y ambas se fueron de vacío. Mala noche para Brad Pitt y Steven Spielberg, y de alguna manera también para George Clooney, al que muchos consideraban merecedor del Oscar al mejor actor principal por su papel en Los descendientes, y que además optaba a mejor guión adaptado por Los idus de marzo. También se puede hablar de relativo chasco para El árbol de la vida, con tres nominaciones (película, director y fotografía) y ningún premio. Tampoco hubo bingo para Harry Potter, cuya saga termina después de once años, ocho películas, miles de millones de dólares de recaudación en todo el mundo, doce candidaturas pero ningún Oscar. Y por supuesto, nuestro recuerdo para Greg P. Russell, el técnico de sonido que volvió a irse de vacío de la ceremonia de los Oscars. Y van quince veces.

Este es el palmarés completo de los Oscars 2012:

-Mejor película

The Artist (Thomas Langmann)

-Mejor director

Michel Hazanavicius (The Artist)

-Mejor actriz principal

Meryl Streep (La dama de hierro)

-Mejor actor principal

Jean Dujardin (The Artist)

-Mejor actriz de reparto

Octavia Spencer (Criadas y señoras)

-Mejor actor de reparto

Christopher Plummer (Beginners)

-Mejor guión original

Midnight in Paris (Woody Allen)

-Mejor guión adaptado

Los descendientes (Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash)

-Mejor fotografía

La invención de Hugo (Robert Richardson)

-Mejor montaje

Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres (Angus Wall, Kirk Baxter)

-Mejor dirección artística

La invención de Hugo (Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo)

-Mejor diseño de vestuario

The Artist (Mark Bridges)

-Mejor maquillaje

La dama de hierro (Mark Coulier, J. Roy Helland)

-Mejor banda sonora original

The Artist (Ludovic Bource)

-Mejor canción original

Los Muppets ("Man or Muppet", de Bret McKenzie)

-Mejor sonido

La invención de Hugo (Tom Fleischman, John Midgley)

-Mejor montaje de sonido

La invención de Hugo (Philip Stockton, Eugene Gearty)

-Mejores efectos visuales

La invención de Hugo (Robert Legato, Joss Williams, Ben Grossmann, Alex Henning

-Mejor película de habla no inglesa

Nader y Simin. Una separación (Asghar Farhadi, Irán)

-Mejor película de animación

Rango (Gore Verbinski)

-Mejor largometraje documental

Undefeated (Daniel Lindsay, T.J. Martin, Rich Middlemas

-Mejor cortometraje documental

Saving Face (Daniel Junge, Sharmeen Obaid-Chinoy)

-Mejor cortometraje de animación

The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore (William Joyce, Brandon Oldenburg)

-Mejor cortometraje de ficción

The Shore (Terry George, Oorlagh George)

El Dictador responde a su prohibición de acudir a los Oscars

2012-02-24T21:36:00.000+01:00

Como era de esperar, no ha tardado en llegar la reacción del general Aladeen a la prohibición de acudir a la gala de los Oscars que se celebra este domingo. El máximo mandatario de Wadiya ha lamentado este boicot por parte de la Academia de Hollywood y ha anunciado que si no se le devuelve su entrada se enfrentarán a "consecuencias inimaginables". Asimismo, ha mostrado su intención de colarse en la fiesta de Brett Ratner y ha deseado la muerte a Occidente, pero también buena suerte a Billy Crystal, del que se declara admirador.

Como habréis supuesto, todo esto no es más que una broma ideada por Sacha Baron Cohen, pero que encierra una parte de verdad. Efectivamente, la Academia le ha retirado la invitación a la gala (Cohen participa en La invención de Hugo, el film más nominado de la noche) si opta por ir disfrazado del general Aladeen, protagonista de su última película El dictador (2012). Como ya hiciera en Borat o Bruno, el actor inglés ha diseñado un personaje destinado a herir sensibilidades y despertar carcajadas a partes iguales.

Quien parece que no tiene tanto sentido del humor es la Academia, que no permitirá que Cohen acuda a la gala del domingo con algo que no sea el esmoquin o el traje de toda la vida. Veremos como acaba toda esta historia, pero de momento asistamos a las disgustadas palabras del líder árabe.

Estrenos de la semana: 24 de febrero

2012-02-24T10:33:00.000+01:00

Por fin ha llegado el momento. A menos de tres días para que sepamos los ganadores de la próxima gala de los Oscars, aterriza en nuestros cines la película más nominada de este año. La invención de Hugo es el título más destacado de los cuatro que se estrenan este viernes, aunque no es el único interesante. Repasemos las novedades en cartelera de este 24 de febrero:

Empezamos con dosis de acción y fantástico, con la secuela de la película del motorista fantasma. Ghost Rider: Espíritu de venganza (2012) retoma al personaje de los comics de Marvel, a pesar de las malas críticas que cosechó la primera parte. Nicolas Cage vuelve a encarnar a Johnny Blaze, apartado del mundo para aplacar sus deseos de venganza pero que inevitablemente se verá involucrado en una batalla contra sus viejos enemigos. La crítica ya ha masacrado a este título (y a su protagonista, cada vez más masacrable), que dirige la pareja formada por Mark Neveldine y Brian Taylor (Crank, Gamer).

Martin Scorsese ha debutado por la puerta grande en el cine en tres dimensiones. La invención de Hugo (2011) ha cautivado a los que ya la han visto, y disputará a The Artist la supremacía en los próximos Oscar. El film de Scorsese es un homenaje al cine de los orígenes, a la capacidad cautivadora del séptimo arte, y también un merecidísimo homenaje a un genio como Georges Méliès. A través de la mirada de un niño huérfano (Asa Butterfield), La invención de Hugo nos hará disfrutar de un entorno mágico y de una aventura fascinante.

Avalada por las buenas críticas en el circuito de festivales independientes y sobretodo por la multipremiada interpretación de su actriz protagonista, Mi semana con Marilyn (2011) es la gran apuesta indie de la semana. Michelle Williams da vida a la actriz más deliciosamente maldita de la historia en el momento en que llega a Inglaterra para rodar El príncipe y la corista junto a Laurence Olivier (Kenneth Branagh), con quien tuvo unos desencuentros de sobra conocidos. El debutante Simon Curtis se encarga de rodar esta película en la que Williams acapara todo el protagonismo y nos devuelve a la vida, aunque sea por unas horas, a la gran Marilyn Monroe.

Y acabamos con Polisse (2011), drama policíaco que llega desde el país vecino. Dirigida y protagonizada por Maïwenn Le Besco, la película se sitúa en el departamento de la unidad infantil de la policía parisina, donde la infancia es algo mucho más oscuro de lo que imaginamos, y en el triángulo amoroso formado por un policía, una fotógrafa que colabora con la unidad y el marido de ésta.

Nuevo poster y trailer de 'Brave', la próxima aventura de Pixar

2012-02-23T12:26:00.000+01:00

Para todos los amantes del buen cine debería ser un acontecimiento acudir al cine para ver la última película de los estudios Pixar, responsables no sólo de los mejores films de animación de los últimos tiempos sino más bien de las mejores películas, a secas.

Después de las maravillosas Up (2009) y Toy Story 3 (2010), y de la algo más irregular Cars 2 (2011), lo próximo que veremos de los estudios de John Lasseter y compañía se titula Brave (2012), y llegará a nuestras pantallas el próximo 24 de agosto, dos meses después de su estreno en EE.UU. Brave es una aventura de aspecto medieval protagonizada por la joven princesa Merida, una talentosa arquera que desafía las tradiciones de su pueblo desatando el caos.

El film está dirigido por Mark Andrews y Brenda Chapman (esta última directora de El príncipe de Egipto en 1998), y cuenta en el reparto de voces con nombres como Emma Thompson, Robbie Coltrane o Kelly Macdonald. Os dejo con el último trailer de la película, una escena que recoge el espíritu del que será uno de los films más esperados del próximo verano.

Un dios salvaje: radiografía de lo humano

2012-02-21T14:13:00.000+01:00

Pocas veces un cartel dice tanto de una película como en el caso del de Un dios salvaje (2011). En él podemos ver a los cuatro personajes protagonistas, cuyos rostros se van modificando desde la sonrisa amable hasta la ira incontenible. Esta transición de actitudes constituye un resumen perfecto de lo que el espectador se va a encontrar cuando se siente en su butaca.

Con un espíritu decididamente teatral (una sola localización, situación casi a tiempo real, importancia extrema de los diálogos), Roman Polanski decidió adaptar la obra teatral de Yasmina Reza Le Dieu du Carnage, contando con la propia autora como colaboradora en el guión del film. Polanski adaptó los personajes y los diálogos a la ciudad de New York, aunque curiosamente la película se rodó en París (su ciudad "original"), debido a los problemas con la justicia del director, que lleva años sin pisar suelo americano.

Sin embargo, la situación es tan universal y tan inconfundiblemente humana que podría haber tenido como escenario París, New York, Londres, Tokio o Albacete. La premisa es sencillísima: un matrimonio acude a casa de otra pareja para solucionar un conflicto entre los hijos de ambos. Uno de ellos le ha golpeado al otro con un palo y le ha roto varios dientes, por lo que los progenitores deciden aclarar la situación como personas civilizadas, poniendo la cordura que sus hijos preadolescentes no han sabido utilizar.

Pero lo que parecía un asunto sencillo y rápido se convierte rápidamente en algo mucho más complicado. Mediante frases veladamente sarcásticas y dobles intenciones casi imperceptibles, los dos matrimonios se enzarzan en una toma y daca verbal que poco a poco irá sacando a la luz lo peor de cada uno de ellos. Así, la película es un crescendo de violencia ejercida no con palos y golpes sino mediante palabras hirientes que se clavan como cuchillos una vez se ha superado el umbral de las convenciones sociales y la educación.

El peso del film recae exclusivamente sobre cuatro personajes, interpretados de forma magistral por cuatro actores de primerísima fila. Christoph Waltz y Kate Winslet son los padres del niño agresor, mientras que John C. Reilly y Jodie Foster son los anfitriones que intentan reparar el daño que su hijo ha sufrido. Sin embargo, por el camino van cayendo sus máscaras y va aflorando lo peor de su carácter. Lo que al principio era amabilidad, cortesía y predisposición se va convirtiendo conforme avanza esa aciaga tarde en resentimiento y hostilidad, y no sólo hacia el matrimonio "rival" sino también hacia la propia pareja.

Polanski parece divertirse (el tono de la película es de comedia, al fin y al cabo) recreando esa situación en la que cuatro seres humanos se muestran unos a otros tal y como son, sin las ataduras que suponen las convenciones sociales y las leyes no escritas de la convivencia. Precisamente en ello radica la mayor crítica de la película: ¿somos despreciables de forma natural y sólo la educación impide que nos vayamos despellejando unos a otros? En esta línea, el film plantea una situación curiosa. Son los niños (supuestamente más irracionales y no iniciados en el statu quo de nuestra visión occidental de cómo deben ser las relaciones sociales) los que inician una pelea física, primitiva. Pero son los padres los que, partiendo de la superioridad que les otorga conocer las reglas del juego social, finalmente se revelan como unos animales mucho peores que sus hijos, ya que su violencia no es física (las heridas del cuerpo al fin y al cabo pueden sanar) sino mucho más sutil y terrible, una violencia basada en dar donde más duele, en la personalidad y las creencias de los demás.

De este modo, Un dios salvaje es un magnífico ejercicio catártico de exposición de las miserias humanas, más evidentes todavía cuando se dejan ver tras la caída del maquillaje social, tan frágil que puede desprenderse en cualquier momento y dejar a la vista aspectos de nosotros mismos de los que no nos podemos sentir orgullosos.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Carnage País: Francia, Alemania, Polonia, España Año: 2011 Dirección: Roman Polanski Guión: Roman Polanski y Yasmina Reza, basado en su propia obra Le Dieu du Carnage Fotografía: Pawel Edelman Montaje: Hervé de Luze Diseño de producción: Dean Tavoularis Música: Alexandre Desplat Duración: 80 minutos Intérpretes: Jodie Foster (Penelope Longstreet), Kate Winslet (Nancy Cowan), John C. Reilly (Michael Longstreet), Christoph Waltz (Alan Cowan)

GALARDONES

2 nominaciones a los Globos de Oro (2012): Mejor actriz de comedia/musical (Jodie Foster y Kate Winslet)
1 nominación al Goya (2012): Mejor película europea
Nominada al León de Oro en el Festival de Venecia (2011)

Goya 2012: reflexiones tras la gala

2012-02-20T12:17:00.000+01:00

Una gala de entrega de premios cinematográficos es uno de esos acontecimientos que se esperan con ansiedad durante todo el año, ya sea para ensalzarlos o (la mayoría de las veces) para criticarlos hasta no dejar títere con cabeza. La gala de los Goya de anoche no fue una excepción, y la cada vez más fuerte presencia de las redes sociales hacen que las opiniones sean inmediatas, y sobretodo que ya no quede casi nada por comentar. A pesar de ello, me propongo exponer mis reflexiones personales sobre todo lo visto (y oído) en la noche de ayer.

- Para empezar, opto por abandonar de una vez las frases "la gran fiesta del cine español" o "el cine español es una gran familia". De tan repetidas se han convertido en rancias como un brick de leche caducado hace dos meses. Ya sé que hay que poner titulares previos a la gala, pero en estos tiempos de crisis toca agudizar el ingenio.

-La gala en sí misma no fue especialmente brillante. Pero tampoco especialmente aburrida, lo que ya es mucho. No se puede pedir que una entrega de premios (cuya base es el discurso de agradecimiento del galardonado) sea un derroche de espectáculo para los sentidos, porque en el fondo todos (presentes y televidentes) están deseando que termine para irse a celebrarlo. Eso sí, tuvieron su gracia los "consejos" que Cayetana Guillén-Cuervo daba a los premiados, con especial incidencia en el interminable discurso de Karra Elejalde del año pasado, donde se acordó hasta del gato de su hija.

-Eva Hache debutó con dignidad como presentadora, de menos a más, en un formato al que no está acostumbrada y donde brilla menos que en El club de la comedia. En el número musical inicial se le notaba cuanto menos incómoda, pero aún así tuvo momentos destacados, especialmente cuando leyó falsos mensajes de Twitter. El problema para Eva es que el monólogo más brillante de la noche fue el de Santiago Segura, mucho más mordaz e irónico. Sus reflexiones sobre cómo votan los académicos resultaron hilarantes, pero lo mejor de todo es que seguramente encierren una gran parte de verdad. Y suerte tuvo Santiago de que Antonio Banderas tenga tan buen humor, cosa que Pedro Almodóvar no, al menos anoche. El manchego, parapetado tras sus gafas de sol, estuvo serio durante toda la gala. "¿He vuelto para cuatro premios de mierda?", pudo pensar...

-Volviendo a los números musicales... quedará para la historia el rap (o habría que inventar una palabra nueva) que se marcaron anoche Javier Gutiérrez, Tito Valverde, Juan Diego y Antonio Resines junto al Langui. Lo de Juan Diego y Resines, especialmente, ha entrado ya por méritos propios en los anales de lo más bochornoso y vergüenzajenístico que se ha perpretrado sobre un escenario, y no se entiende sin algún decilitro de alcohol de por medio. Ese espectáculo dantesco engrandece todavía más el número musical del año pasado con Luis Tosar arrancándose por Sergio Dalma.

-Lo de los que entregan los premios también es tema aparte. Todos los años hay anécdotas, y este no iba a ser menos. Carlos Areces lamentó haber enseñado el culo en todas sus películas, mientas que Paco Roca agradeció a los académicos haberle dado la oportunidad de ponerse un traje, cosa que no hacía desde su primera comunión. Jorge Sanz (sí, sigue vivo) tuvo que soplarle a Victoria Abril el nombre de Elena Anaya, porque al parecer la veterana actriz se había dejado las gafas. Y las gafas no, pero sí la lengua pareció haberse dejado Nadia de Santiago, que ante la dificultad del apellido del director de The Artist optó por emitir un balbuceo en un idioma arcano. Si sabía que podía ganar Michel Hazanavicius podría haber ensayado la pronunciación del apellido, como seguro que hizo Brad Pitt antes de la ceremonia de los BAFTA.

-Pequeños (y seguramente absurdos) detalles de realización. Para todos (al menos para mí) fue una sorpresa que ganara Jan Cornet el premio al actor revelación, al ser el menos conocido del cuarteto de nominados. Especialmente desconocido para el realizador de la gala, que después de que el vídeo anunciara su candidatura pinchó la cara del acompañante, quedando en plano sólo la oreja izquierda del bueno de Jan. Por fortuna, el realizador se resarció cuando saltó al escenario el espontáneo de turno, pasando a un plano general donde no se veía al interfecto. Y en un crescendo de suerte, la irrupción del segundo espontáneo coincidió con el vídeo de presentación de los candidatos a mejor director. Por aquél entonces, los rodales de sudor del realizador debían ser antológicos.

-No es mi terreno, ni mucho menos, pero me atreveré a opinar sobre el vestuario de los presentes. Me refiero al femenino, porque el masculino es casi siempre sota, caballo y rey, con la excepción de la chaqueta de terciopelo verde leprechaun de Daniel Sánchez-Arévalo. Sin temor a equivocarme puedo decir que la mayoría de las actrices acertaron con su elección, destacando el vestido romano (¿o es griego?) de Elena Anaya, el vaporoso-recatado de María Valverde, el Elie Saab (mi chica me ha dicho que ese diseñador mola) de Goya Toledo, el verde palabra de honor de María León y hasta diría que el escotazo con transparencias de Inma Cuesta, eso sí, descontando las hombreras plumíferas. Y mención aparte para Silvia Abascal, que apareció radiante y emocionada después de superar un ictus. Como ella misma dijo, sólo estar allí ya era un premio para ella.

-¿La excepción a tanto glamour? Siempre la hay, ¿verdad Isabel Coixet? La directora catalana fue anoche un Trending Topic con gafas. En primer lugar, por su vestido-homenaje a las hijas de José Luis Rodríguez Zapatero, gótico pero informal. En segundo lugar, porque parecía atraer a los espontáneos (los dos saltaron las dos veces que Isabel pisó el escenario). Y en tercer lugar, y más importante, por sus palabras al recoger el premio al mejor largometraje documental por Escuchando al juez Garzón. Coixet defendió la causa y la figura del ya inhabilitado juez, y lamentó el estado de la justicia española, subrayando que por desgracia "sí hay paz para los malvados". Se agradecen estas palabras en una gala anodina en lo político, donde el ministro José Ignacio Wert se pudo sentir casi tan cómodo como en el congreso del PP en Sevilla. Sólo las palabras de Coixet y la referencia de María León a todas las represaliadas en la Guerra Civil fueron la excepción a una noche políticamente correcta. El "no a la guerra" no tuvo continuidad en un, por ejemplo, "no a la reforma laboral". Hasta el mundo del cine está con el culo apretado.

-Tema discursos. Los hay de todo tipo, duración y emoción. El más fugaz fue el representante de The Artist, premiada como mejor película europea, y el más largo se lo disputan entre Lluís Homar (al ser el primero uno no tiene tomada la medida a la duración) y Kike Maíllo. A Maíllo se le veía nervioso durante la gala, mordiéndose las uñas, pero cuando recogió el Goya a la mejor dirección novel se descubrió el motivo de tanto nerviosismo: no quería que se le olvidara nada de lo que tenía preparado. A pesar de cierta sobreactuación, Maíllo estuvo acertado y emocionante, especialmente con Claudia Vega (la Eva de su película) y en el recuerdo a su abuelo. "Ahora ganamos mundiales y hacemos películas de robots. ¡A este país no lo reconoce ni la madre que lo parió!". Vamos, el discurso soñado.

-Aunque para discursos indeseados, el que cada año perpetra el presidente de la Academia del Cine. El de Álex de la Iglesia del año pasado fue brillante, y necesario en un momento de polémica por el tema de la ley Sinde. Esta vez subió al escenario el triunvirato formado por las vicepresidentas Judith Colell y Marta Etura y el presidente Enrique González-Macho. Lo de ellas, previsible, referencias a la crisis y la difícil situación, reivindicación del valor del cine español dentro y fuera de nuestras fronteras, etc. Pero quien se cubrió de gloria fue el Macho (y no me refiero a José Coronado), pasando en apenas cinco minutos de presidente de perfil bajo a blanco de las iras de esa comunidad tan etérea llamada "los internautas". Su idea de que Internet no tiene nada que decir (al menos en el momento actual) en el negocio cinematográfico es un error de bulto, y quedará para siempre en su saco de las vergüenzas. Sin ir más lejos, los 10 TT de anoche en Twitter se referían a la gala de los Goya, por lo que considerar a Internet como algo ajeno al cine es tener unas miras muy cortas. Para el cine, Internet es como ese amigo que consigue colarte en todas las fiestas, por mucho que sigas teniendo que pagarte tus cubatas. Un amigo gorrón, pero amigo (e imprescindible) al fin y al cabo. Que el máximo responsable del cine español diga lo que dijo ayer González-Macho demuestra que los gestores siguen estando varios pasos por detrás de la realidad.

Sí habrá premio para los malvados. Palmarés de los Goya 2012

2012-02-20T11:06:00.001+01:00

La 26ª gala de entrega de los premios Goya celebrada anoche en el palacio de congresos de Madrid se saldó con relativamente pocas sorpresas. Lo más destacable es lo repartido de los galardones, ya que las cuatro principales nominadas se fueron comiendo terreno unas a otras hasta conseguir que ninguna de ellas arrasara en las votaciones.

A pesar de ello, se puede decir que la triunfadora de la noche fue No habrá paz para los malvados, ganadora de seis estatuillas del genial pintor aragonés. La cinta de Enrique Urbizu se llevó el Goya a la mejor película y al mejor director, así como el premio al mejor actor principal, un José Coronado cuya tercera nominación fue la vencida. Su Santos Trinidad es un personaje demasiado carismático como para quedarse sin galardón. Además, el propio Urbizu y Michel Gaztambide subieron a recoger el Goya al mejor guión original, un merecido reconocimiento al cine de género y al noir español, en tantas ocasiones denostado. Finalmente, los premios al montaje y el sonido completaron la gran noche de No habrá paz para los malvados.

Sabor agridulce para Pedro Almodóvar y La piel que habito. La cinta de El Deseo estaba nominada hasta en 16 categorías, pero sólo ganó una cuarta parte. Antonio Banderas no pudo con Coronado y sigue sin ganar un Goya, pero la que sí se llevó el gato al agua fue Elena Anaya, premio a la mejor actriz principal por delante de Inma Cuesta. Más sorprendente fue la designación de Jan Cornet como mejor actor revelación, ya que en las quinielas partía por detrás de Adrián Lastra y especialmente de José Mota. Uno que sí cumplió los pronósticos fue Alberto Iglesias, que cosechó su décimo Goya a la mejor música original (quinto con Almodóvar), una semana antes de competir por tercera vez en los Oscar. El cuarto premio para La piel que habito fue para el mejor maquillaje y peluquería, reconociendo las largas horas de caracterización del personaje de Elena Anaya.

Tampoco se puede decir que fuera una gran noche para las otras dos películas más nominadas. Blackthorn. Sin destino y La voz dormida se fueron a casa con cuatro y tres estatuillas, respectivamente. El western de Mateo Gil se llevó el premio a la mejor dirección artística, vestuario, fotografía y dirección de producción, cuatro galardones técnicos que sólo suelen dejar contento al equipo que los recibe. Eso sí, al menos la Academia reconoció el esfuerzo de todo el elenco de la película por rodar en el altiplano boliviano a más de 4.000 metros de altitud, quizá para compensar la injusticia de olvidarse de Sam Shepard y Eduardo Noriega. La voz dormida, por su parte, se llevó tres Goya. Uno menor (mejor canción original) y dos de interpretación, que siempre son los más recordados. Ana Wagener se llevó por fin un premio como mejor actriz de reparto, siendo una de las actrices más activas de nuestro cine pero todavía desconocida para el gran público. Mucho más esperado fue el Goya a María León como mejor actriz revelación. La andaluza ya llegaba con la Concha de Plata de San Sebastián bajo el brazo, y confirmó los pronósticos superando a tres actrices muy jóvenes y con mucho camino por recorrer como son Blanca Suárez, Michelle Jenner y Alba García.

Quien sí se pudo ir anoche contento a la cama (no sabemos a qué hora, eso sí) fue Kike Maíllo. El joven director catalán se llevó el Goya a la mejor dirección novel, uno de los tres premios que amasó Eva. Los otros dos fueron para los efectos especiales (bastante cantado) y para Lluís Homar como mejor actor de reparto. Feliz reconocimiento para una película arriesgada y a contracorriente. Y, para acabar, la otra película que repitió premio fue Arrugas, reconocida como mejor largometraje de animación y mejor guión adaptado. También muy merecido homenaje a un film necesario.

Esta es la lista completa de ganadores de los Goya 2012:

- Mejor película

No habrá paz para los malvados (Lazonafilms, Telecinco Cinema)

- Mejor director

Enrique Urbizu (No habrá paz para los malvados)

-Mejor actriz principal

Elena Anaya (La piel que habito)

-Mejor actor principal

José Coronado (No habrá paz para los malvados)

-Mejor actriz de reparto

Ana Wagener (La voz dormida)

-Mejor actor de reparto

Lluís Homar (Eva)

-Mejor actriz revelación

María León (La voz dormida)

-Mejor actor revelación

Jan Cornet (La piel que habito)

-Mejor dirección novel

Kike Maíllo (Eva)

-Mejor guión original

No habrá paz para los malvados (Enrique Urbizu y Michel Gaztambide)

-Mejor guión adaptado

Arrugas (Ángel de la Cruz, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini, Paco Roca)

-Mejor fotografía

Blackthorn. Sin destino (Juan Antonio Ruiz Anchía)

-Mejor música original

La piel que habito (Alberto Iglesias)

-Mejor dirección artística

Blackthorn. Sin destino (Juan Pedro de Gaspar)

-Mejor diseño de vestuario

Blackthorn. Sin destino (Clara Bilbao)

-Mejor dirección de producción

Blackthorn. Sin destino (Andrés Santana)

-Mejor maquillaje y/o peluquería

La piel que habito (Karmele Soler, David Martí, Manolo Carretero)

-Mejores efectos especiales

Eva (Arturo Balseiro y Lluís Castells)

-Mejor montaje

No habrá paz para los malvados (Pablo Blanco)

-Mejor sonido

No habrá paz para los malvados (Licio Marcos de Oliveira, Ignacio Royo-Villanova)

-Mejor canción original

La voz dormida (Nana de la hierbabuena, de Carmen Agredano)

-Mejor película europea

The Artist (Michel Hazanavicius)

-Mejor película iberoamericana

Un cuento chino (Sebastián Borensztein)

-Mejor largometraje de animación

Arrugas (Ignacio Ferreras)

-Mejor largometraje documental

Escuchando al juez Garzón (Isabel Coixet)

-Mejor cortometraje documental

Regreso a Viridiana (Pedro González Bermúdez)

-Mejor cortometraje de ficción

El barco pirata (Fernando Trullols)

-Mejor cortometraje de animación

Birdboy (Pedro Rivero)

-Goya de Honor

Josefina Molina

Estrenos de la semana: 17 de febrero

2012-02-17T10:30:00.000+01:00

Una comedia agridulce con Charlize Theron como protagonista, un film de terror gótico con el sello de la Hammer, una lucha por la supervivencia en un entorno hostil y las tribulaciones de un adicto al sexo son las principales novedades de la cartelera de esta semana. Repasamos los estrenos de este viernes:

Liam Neeson y sus compañeros de una refinería de petróleo las pasan canutas en la tundra de Alaska después de que su avión sufra un accidente. Los supervivientes, incomunicados y amenazados por el frío, el hambre y la nieve se las tendrán que ingeniar para sobrevivir en unas condiciones extremas y, por si fuera poco, defenderse como puedan del hostigamiento de una manada de lobos hambrientos. Infierno blanco (The Grey, 2012) es un survival puro lleno de acción con la firma de Joe Carnahan, experto en estas lides (Narc, Ases calientes, El equipo A).

Otro que no lo pasa nada bien durante el metraje de la película es Daniel Radcliffe en La mujer de negro (The Woman in Black, 2012). Radcliffe es un abogado viudo que viaja a una aislada mansión para arreglar su venta. Allí se encuentra enseguida con el recelo de los habitantes del pueblo y, lo que es peor, con el fantasma de una mujer que no parará de atormentarle. Dirige James Watkins y produce la mítica Hammer Film Productions, responsable de los títulos de terror y fantástico más recordados de los 50 y 60. Una película que recupera el espíritu del terror gótico más elegante en estos tiempos de casquería y sangre en 3D.

Avalada por su éxito en la última edición del Festival de Venecia (mejor actor y premio FIPRESCI), Shame (2011) es uno de los títulos que esperábamos con más ganas. Cuenta la historia de un treintañero de New York con adicción al sexo y que vive su vida a base de relaciones efímeras y frágiles, hasta que su existencia se ve perturbada por la llegada de su hermana. El film se sustenta por las magistrales interpretaciones de Michael Fassbender y Carey Mulligan, y por una puesta en escena fría y distante, mérito de un Steve McQueen (Hunger) cada vez más cerca de ser un director de culto. Un paseo por el lado oscuro de la existencia humana que promete no dejar indiferente a nadie.

Quizá algo más indiferentes nos pueda dejar Viaje al centro de la Tierra 2: la isla misteriosa (2012), segunda entrega de la aventura que en 2008 protagonizó Brendan Fraser (que ha optado por no repetir) y a la que en esta ocasión se han sumado nombres como Vanessa Hudgens, Dwayne Johnson y hasta Michael Caine. Los protagonistas deberán viajar hasta una isla que no aparece en los mapas y enfrentarse a una inacabable lista de peligros. Dirigida por Brad Peyton y concebida para el disfrute (en tres dimensiones) de los más pequeños de la casa.

Después del éxito de Juno (2007), la guionista Diablo Cody y el director Jason Reitman se vuelven a reunir en Young Adult (2011), otra película que navega entre la comedia con toques dramáticos y el drama con momentos cómicos, unas proporciones que Reitman maneja a la perfección como pudimos comprobar en la magnífica Up in the Air (2009). En esta ocasión, Charlize Theron (en una de las mejores interpretaciones de su carrera) es una escritora de libros juveniles que maneja su vida personal como si fuera una adolescente. Después de su divorcio, regresa a su pueblo natal con la intención de volver con un antiguo novio (Patrick Wilson), casado y con un hijo. Interesante acercamiento al tema de la madurez y las segundas oportunidades a través de una mirada cínica y mordaz.

Y ADEMÁS...

Una embarazadísima Elena Anaya es secuestrada por un grupo de desconocidos en Cuenta atrás (2010), un thriller francés dirigido por Fred Cavayé y protagonizado por la actriz leonesa y por Gilles Lellouche. También se estrena la comedia rumana Hello! How are you? (2010), donde un matrimonio que lleva veinte años casado cree haber encontrado (por separado) al amante perfecto en un chat de internet. Dirige Alexandru Maftei.

Primer trailer de Abraham Lincoln: Vampire Hunter

2012-02-15T12:04:00.000+01:00

Presidente de los EE.UU. de día, cazador de vampiros de noche. La premisa de Abraham Lincoln: Vampire Hunter (2012) no podría ser más prometedora. La idea ha sido parida por Simon Kinberg y Seth Grahame-Smith, autores del guión de la película que se basa en la novela de este último. Según ella, la madre de Abraham Lincoln fue asesinada por una criatura con poderes sobrenaturales, por lo que el futuro presidente dedica su vida a acabar con los vampiros al mismo tiempo que con los esclavistas que los ayudan. Está visto que tanto chupasangres como zombies son una coartada perfecta para contar cualquier tipo de situación, política incluida.

El encargado de llevar a la pantalla esta idea marciana no es otro que Timur Bekmambetov. El director kazajo está más que curtido en las lides del cine de acción con escenas en slow motion (véase Los guardianes de la noche o Wanted), por lo que el film promete no defraudar en cuanto a dosis de adrenalina. En cuanto al reparto, lo encabeza Benjamin Walker como Lincoln, acompañado por Mary Elizabeth Winstead, Dominic Cooper o Rufus Sewell. Y ojo porque en el apartado de producción, además de Bekmambetov, aparece también el nombre de Tim Burton, por si faltaran ingredientes.

Todavía no hay fecha de estreno en España de esta película. Sólo sabemos que en USA se estrenará el próximo 22 de junio, medio año antes de que llegue a las pantallas el biopic sobre Lincoln que está grabando Steven Spielberg con Daniel Day-Lewis encarnando al 16º presidente de los EE.UU. De momento podemos abrir boca con esta exploitation que augura un buen rato de diversión.

Adiós a Whitney Houston

2012-02-12T12:39:00.000+01:00

Esta pasada madrugada fallecía en un hotel de Berverly Hills, en circunstancias aún no aclaradas, la actriz y cantante Whitney Houston, una de las mejores voces del soul y el pop de las décadas de 1980 y 1990. Houston ha muerto a los 48 años, después de mucho tiempo de decadencia artística y personal como consecuencia de su adicción al alcohol y las drogas y también en gran parte provocada por su tormentosa relación con el también cantante Bobby Brown.

Whitney Houston destacó sobretodo encima de los escenarios, siendo una de las cantantes femeninas que más discos han vendido en toda la historia del música. Además de eso, hizo también sus pinitos en la gran pantalla, debutando a principios de los 90 con El guardaespaldas (Mick Jackson, 1992), su papel más conocido. En él interpretaba a una artista que se enamora de su escolta, encarnado por Kevin Costner, en la que es una de las películas icónicas de la década gracias a su banda sonora, a la que la propia Whitney daba lustre con su conmovedora versión del I will always love you (que, curiosamente, no fue nominada al Oscar como sí lo fueron otras dos canciones del film).

Tres años después, Houston protagonizó el debut en el largometraje del actor Forest Whitaker. Esperando un respiro (1995) era una película decididamente dirigida a mujeres afroamericanas de mediana edad, que eran precisamente las protagonistas de un film lleno de tópicos y en el que también participaron Angela Bassett y Loretta Devine. Finalmente, La mujer del predicador (Penny Marshall, 1996) fue la última ocasión en la que pudimos ver a Whitney en el cine, intepretando a la esposa de un predicador (Denzel Washington) en este remake afroamericano de La mujer del obispo (Henry Koster, 1947).

Después de varios intentos infructuosos de rehabilitación para superar sus adicciones, Houston tenía preparado su regreso a la gran pantalla con otro remake, Sparkle (1976). Esta película habla de tres hermanas que forman un grupo musical y que después de su éxito tienen que enfrentarse a su propia caída en desgracia y a sus problemas con las drogas. Como casi siempre, la realidad supera a la ficción.

Más imágenes de 'The Bourne Legacy' y 'The Amazing Spider-Man'. El reboot está de moda

2012-02-10T21:01:00.000+01:00

Ya queda menos (a nuestro país llegará el 6 de julio) para que podamos ver en los cines el lavado de cara de la saga Spider-Man, después de la trilogía que firmó Sam Raimi entre 2002 y 2007 y que tuvo unas cotas de calidad ligeramente descendentes.

Esta vez los productores se han sumado al carro de la moda del reboot (véase los últimos títulos de la saga Bond o la trilogía de Batman de Christopher Nolan), para volver a replantear la historia del superhéroe arácnido. En The Amazing Spider-Man (2012), Andrew Garfield se pone esta vez el traje del hombre-araña para dar vida a Peter Parker, en sustitución de Tobey Maguire. La chica de la película no será tampoco la inevitable pelirroja Mary Jane, sino una rubísima Gwen Stacy encarnada por Emma Stone, primer ligue en los comics del bueno de Parker. Por su parte, el villano de la función será Rhys Ifans, que da vida al doctor Curt Connors y a su álter ego reptil The Lizard.

La refundación de la saga del icono de la Marvel, comandada por Marc Webb (que se estrena en esto de las superproducciones) intenta ser más oscura y adulta, con un Peter Parker enfrascado en la búsqueda de sus propios orígenes, y en por qué sus padres le abandonaron cuando era pequeño. Por lo que podemos ver, la película no escatima en efectos digitales y promete espectáculo garantizado para volver a enganchar a los fans más desencantados.

Por otro lado, The Bourne Legacy (2012) llegará a los cines algo después, el 17 de agosto, y se apunta también a la reelaboración de una historia que también dispuso de tres películas protagonizadas por Matt Damon y dirigidas por Doug Liman y Paul Greengrass. Esta vez el protagonismo es para Jeremy Renner (En tierra hostil), otro de los agentes especialmente entrenados por la CIA y que sufren crisis de identidad, por decirlo finamente. La película está dirigida por Tony Gilroy, guionista de la anterior trilogía y director de Michael Clayton, y cuenta con un reparto espectacular con nombres como Rachel Weisz, Edward Norton, Albert Finney, Joan Allen o David Strathairn.

Estrenos de la semana: 10 de febrero

2012-02-10T10:27:00.000+01:00

Después de una semana poco movida en lo que a taquilla se refiere, este segundo viernes de febrero llega cargado de estrenos del más diverso pelaje. Encontramos, entre otras cosas, lo último de Steven Spielberg, un thriller made in Spain, una de espías y persecuciones o la despedida del cine de un maestro desconocido como Béla Tarr. Por no hablar del reestreno en 3D del Episodio I de La Guerra de las Galaxias. Que la fuerza os acompañe.

Avalada por su triunfo en el Festival de Gijón del año pasado, Declaración de guerra (La guerre est déclarée, 2011) es una película basada en la experiencia real de la propia directora (Valérie Donzelli) y su entonces pareja (Jérémie Elkaïm, los dos protagonizan también la película), que tuvieron que enfrentarse al cáncer de su hijo. No es, sin embargo, un film lacrimógeno que busque la emoción gratuita, sino una obra salpicada de humor y optimismo que invita a afrontar la enfermedad de una manera diferente.

Cuesta recordar a Denzel Washington en un papel en el que no lleve una pistola o no sea el tipo más duro del barrio. Esta vez, el actor interpreta a un ex miembro de la CIA que se ve obligado a escapar junto a un agente novato encarnado por Ryan Reynolds. Los dos tienen que averiguar quién les quiere matar en un incómodo y hostil ambiente de explosiones, tiroteos y puñetazos. Esa es básicamente la premisa de El invitado (Safe House, 2012), que dirige el sueco Daniel Espinosa.

Cuando parecía que George Lucas ya no podía ser más insultantemente millonario, el auge del cine en tres dimensiones le ha llevado a modernizar su juguetito para deleite de muchos fans y desgracia de muchos otros. Hoy se reestrena La guerra de las galaxias. Episodio I: La amenaza fantasma (1999), la primera de las tres precuelas de la saga galáctica concebida por Lucas a mediados de los 70. En su momento fue un exitazo de taquilla (cómo no) pero no tanto entre la crítica y los fans más puristas, que no terminaron de tragar con unos efectos digitales a veces chirriantes y, por encima de todo, con la insoportable presencia de Jar Jar Binks, personaje que ha hecho más daño en la galaxia que un millón de Darth Vaders. Al menos nos queda el consuelo de volver a ver a Natalie Portman como la reina Amidala, además de los siempre solventes Liam Neeson, Samuel L. Jackson o Ewan McGregor.

Mariano Barroso es uno de los directores españoles que con más frecuencia se lanza al cine de género, especialmente el thriller y el noir (Extasis, Hormigas en la boca, Los lobos de Washington). Su último proyecto es Lo mejor de Eva (2012), protagonizado por una juez con los rasgos de Leonor Watling, encargada de investigar un asesinato. En su camino se cruza un gigoló amigo de la víctima (Miguel Ángel Silvestre), y la inevitable tensión sexual sale a relucir. Más allá de la calidad del film, la presencia de Watling y Silvestre ya es todo un reclamo en sí mismo.

La leyenda atribuye a Friedrich Nietzsche una rocambolesca historia: a principios de 1889, en Turín, el filósofo se lanzó llorando sobre un caballo tendido en el suelo que había sido maltratado por el cochero, para después hundirse en el abandono y la locura. The Turin Horse (2011) se inspira vagamente en esta anécdota para retratar una cruda historia sobre la soledad y la muerte. El húngaro Béla Tarr se despide del cine manteniéndose fiel a sus principios estéticos. El film está compuesto de un puñado de planos secuencia sin apenas diálogos, en un entorno apocalíptico maltratado por el viento y la nieve. Absténganse los que busquen un mínimo de comercialidad.

Después del absorbente proyecto de Tintín, y justo antes de embarcarse en la historia del presidente americano por excelencia (Abraham Lincoln), Steven Spielberg nos deja War Horse (2011), una sencilla historia basada en una novela infantil y que narra la amistad entre un joven y su caballo, separados por la I Guerra Mundial pero a los que la casualidad (o el destino) vuelve a unir durante la contienda. Spielberg ha optado por un reparto casi desconocido (Emily Watson y Peter Mullan son los rostros más reconocibles) y por una narración clásica y sin estridencias que, aún así, ha conseguido seis nominaciones a los Oscars.

Y ADEMÁS....

Completan la taquilla de esta semana dos comedias europeas y una de animación española. De Francia llega The French Kissers (2009), comedia de enredos adolescentes dirigida por Riad Sattouf, y de Alemania aterriza Three (2010), dirigida por Tom Tykwer (El perfume, Corre Lola corre) y que cuenta la historia de un matrimonio de mediana edad cuyos miembros se enamoran a la vez del mismo hombre. Por último, Papá, soy una zombie (2011) es un largo de animación nominado al Goya y dirigido por Ricardo Ramón y Joan Espinach. Una adolescente gótica se convierte de repente en una muerta-viviente y decide luchar contra el mal.

Dickens y el cine

2012-02-07T15:26:00.000+01:00

La relación entre la literatura y el cine es una de las más estrechas que podemos imaginar entre dos artes. Desde que el cinematógrafo echó a rodar a finales del siglo XIX, son incontables las adaptaciones literarias que han tenido lugar en el mundo del celuloide. Una simbiosis que, de igual modo, ha producido muchos casos en sentido contrario, siendo los escritores los que han puesto, negro sobre blanco, alguna historia nacida en la pantalla.

Y si hablamos de literatura es inevitable mencionar a uno de los más grandes de la historia. Hoy se conmemora el segundo centenario del nacimiento de Charles Dickens (Portsmouth, Inglaterra, 7 de febrero de 1812 - Rochester, Inglaterra, 9 de junio de 1870), quien tal vez sea junto a William Shakespeare el más importante escritor en lengua inglesa de todos los tiempos. Las obras de Dickens, rompedoras en su tiempo, denunciaban la esclavitud, la pobreza, la explotación infantil, la corrupción y los abusos del poder. Hoy, más de siglo y medio después, estos temas siguen estando de rabiosa actualidad, lo que multiplica el mérito de un Dickens que creó unas historias inmortales que perdurarán durante mucho tiempo. Todos tenemos en la mente ese Londres que Dickens vivió en primera persona y que retrató de forma descarnada, sin edulcorar ningún detalle sórdido. Sin embargo, sus obras rezuman optimismo y ganas de vivir, porque Dickens era ante todo un firme creyente en la raza humana y en la superación de las dificultades por muy complicadas que fueran las circunstancias.

David Copperfield, Historia de dos ciudades, Oliver Twist, Cuento de Navidad, Nicholas Nickelby o Grandes Esperanzas son sólo las más conocidas entre la enorme cantidad de obras que produjo, siempre por entregas y manteniendo al público en vilo hasta la siguiente parte de la historia. Dickens fue el primer escritor de éxito en el sentido moderno de la palabra, y amasó una gran fortuna, aunque eso no impidió que siguiera luchando del lado de los más desfavorecidos. Dickens había conocido la pobreza y la humillación, y dedicó su vida a intentar que nadie más sufriera como él.

El cine, por su parte, no tardó nada en tomar las obras de Dickens como referencia para las películas. Según el portal IMDB, la producción dickensiana ha sido adaptada más de trescientas veces al cine o la televisión, en idiomas como el inglés, el castellano, el italiano, el alemán o el polaco, por sólo mencionar algunos. Además, encontramos a Dickens en el cine de 1897 hasta 2012, es decir, que siempre ha estado (y estará presente) en el imaginario del séptimo arte.

El cine mudo adaptó, en forma de sketchs, muchos de los episodios de la obra de Dickens, especialmente de Oliver Twist, Cuento de Navidad e Historia de dos ciudades. Jackie Coogan (el inolvidable niño de la película homónima de Charles Chaplin) y Lon Chaney protagonizaron la primera adaptación de calidad de Oliver Twist (1922), dirigida por Frank Lloyd y enmarcada todavía en el género silente. Mucho más conocida es Cadenas rotas (1946), adaptación de Grandes esperanzas con la firma de un grande como David Lean y ganadora de dos Oscars. Un Lean que también haría su versión de Oliver Twist (1948), con uno de los primeros papeles protagonistas para sir Alec Guiness. Antes de eso, George Cukor había adaptado la novela más autobiográfica de Dickens, David Copperfield (1935), con Basil Rathbone en el papel del malvado padrastro.

En 1969, Oliver! (1968) se alzó con el Oscar a la mejor película, un musical que adapta libremente la historia de Oliver Twist y que dirigió Carol Reed con un reparto semidesconocido. Otras dos nominaciones cosechó La pequeña Dorrit (1988), con Derek Jacobi en el papel principal. Ese mismo año se realizó también Los fantasmas atacan al jefe (Scrooged, 1988), una adaptación muy libre de Cuento de Navidad a cargo de un Richard Donner post Arma Letal y con un Bill Murray interpretando a un trasunto de Mr. Scrooge en forma de un déspota ejecutivo de TV que recibe la vista de tres fantasmas que le enseñan lecciones vitales en Nochebuena.

Entre las adaptaciones más importantes de los últimos años aparecen Grandes esperanzas (1998), en la que Alfonso Cuarón traslada a la época actual la historia del huérfano tutelado por un misterioso mecenas, y que cuenta en el reparto con Ethan Hawke, Gwyneth Paltrow y Robert De Niro. También encontramos la adaptación de uno de los grandes como Roman Polanski de Oliver Twist (2005), la última gran versión del inolvidable huérfano creado por Dickens e interpretado esta vez por Barney Clark. También Robert Zemeckis tiene su versión de Cuento de Navidad (2009), esta vez filmada mediante la técnica de motion capture y con Jim Carrey en el rol principal.

En lo que respecta al cine de animación, la Warner Bros realizó su particular versión de Oliver Twist (1974), respondida algunos años más tarde por la factoría Disney con Oliver y su pandilla (1988), trasladada a New York y con adorables gatitos y perritos como protagonistas. Y cómo olvidar Los Teleñecos en cuentos de Navidad (1992), donde los muppets creados por Brian Henson intentan mejorar el agrio carácter de un Ebenezer Scrooge con la cara de Michael Caine. Además, series como Los Simpson, Los Picapiedra o Beavis & Butthead también han hecho guiños a la producción dickensiana.

¿Y el futuro? Pues de momento sabemos que Mike Newell (Cuatro bodas y un funeral) está acabando la postproducción de una nueva versión de Grandes Esperanzas (2012), con Ralph Fiennes y Helena Bonham Carter en los roles protagonistas. Una enésima adaptación de la obra de un autor inmortal a quien el cine no se cansa de hacer homenajes.

Vicky Cristina Barcelona: una morena y una rubia

2012-02-06T20:19:00.000+01:00

...hijas del pueblo de Madrid....O bueno, en este caso de Barcelona. Empezaré diciendo que entre mis amigos y conocidos no he encontrado a nadie a quien le gustara Vicky Cristina Barcelona (2008). Cuando les preguntaba esbozaban una mueca que iba desde la indiferencia (un pseeee demasiado largo) hasta el descontento más absoluto, rescatando la consabida coletilla de: ¿es necesario que Woody siga haciendo una película al año?. Los precedentes de Scoop (2006) o Cassandra's Dream (2007) no eran demasiado halagüeños, por lo que las expectativas estaban bastante por los suelos.

Sin embargo, la magia del cine siempre depara sorpresas. Y es que Vicky Cristina Barcelona es en realidad una película más que decente, incluso con algunos momentos brillantes. Y es que Allen es mucho Allen. Al neoyorquino se le pueden achacar muchos defectos, como el que siempre repita los mismos temas. Aunque en este caso, lo que para otros es un defecto, Allen (casi siempre) lo convierte en virtud. Incluso con esta película se le ha criticado por dar una imagen de Barcelona "distorsionada", como si todo en ella fuera modernista o insoportablemente pijo. Señores, como si eso fuera una novedad. ¿Alguien ha visto alguna vez que en sus películas mostrase la cara "deprimida" de Nueva York? ¿O de Londres en su anterior etapa? Woody Allen nunca ha sido un director de temática social. Sus personajes siempre son snobs de clase media alta, con el tiempo suficiente como para pasarse el día discutiendo sobre el amor y la muerte. Y sus escenarios son siempre las zonas ricas de Manhattan donde viven. El verdadero mérito de Allen es que sabe que no es necesario hablar sobre drogas, paro o marginación social para tratar temas que nos afectan a todos en el día a día.

Y en eso sigue siendo un maestro. Y en el caso de este film, Allen vuelve a tratar esos temas que, siendo tremendamente incómodos (la traición, la infelicidad marital), en el contexto de una comedia romántica como esta adquieren una dimensión diferente y, en mi opinión, mucho más efectiva. Estos temas tratados en dramas "de libro" (como Match Point (2005), por citar un ejemplo reciente) son digeridos más facilmente por el espectador, que ya desde el principio está predispuesto a ver un drama en la pantalla. Pero la verdadera habilidad de Woody Allen está en hablar de verdades incómodas en el lugar menos apropiado: la comedia. Y ahí estriba el principal mérito de Vicky Cristina Barcelona, que es una comedia, sí, pero con unos tintes de pesimismo e ironía que son mucho más efectivos por lo inesperados. Como si fuera una hija bastarda de Manhattan (1979) con alguno de los films más densos de Ingmar Bergman.

En cuanto al tratamiento de los personajes, Allen demuestra que sigue siendo un maestro en estas lides. Sus personajes en este film son evidentes estereotipos (casi todos los personajes en sus películas lo son), pero lejos de quedarse en la superficie o el tópico, los presenta de esta manera para que sea el espectador quien se encargue de desenmascararlos y, por tanto, reírse de ellos. Esto sirve para replicar a los que desprecian este título por decir que representa “la visión tópica de los amoríos de dos turistas-chancleta americanas en la Barcelona más chic”. Se puede pensar eso, cierto, pero eso significa quedarse en la superficie de los hechos. Lo que Woody Allen pretende, y consigue en mi opinión, es que esos personajes altamente tipificados sean sometidos a circunstancias que permiten que el espectador encuentre sus actos ridículos o, al menos, les resulten graciosos. Es, sin ir más lejos, el resumen de la carrera cinematográfica de Allen: presentar siempre a snobs atormentados, pero no para ensalzarlos, sino para reírse de ellos. Sin embargo, lo hace tan sutilmente que en ocasiones parece que se ponga de su lado. Aún así, yo creo que el viejo Woody está de vuelta de todo, y se empeña en autoparodiarse comedia tras comedia. Vuelvo a repetir que si no se está un poco atento, es fácil caer en la calificación fácil de películas como esta como ejercicios de comedia “de líos veraniegos”, sin más pretensión.

El eje central del film está en el personaje de Vicky y Cristina, las turistas americanas. Y digo personaje en singular porque da la impresión de que Allen ha desdoblado en dos personas las distintas facetas de cada persona, como si fueran el ángel y el demonio que se posan en el hombro cuando tenemos dudas sobre algo. Vicky (Rebecca Hall) es la parte racional, objetiva, la que piensa antes de actuar y reflexiona sobre todos y cada uno de sus pasos en la vida. Está prometida (y después casada) con Doug, un triunfador locamente enamorado de ella, con quien le espera una vida de (supuesta) felicidad, que para su desgracia tiene su espejo futuro en la situación de Judy (Patricia Clarkson), la pariente lejana que les acoge en la ciudad condal. Cristina (Scarlett Johansson, es increíble como conquista a la cámara en cada plano, se nota que Woody se enamoró platónicamente de ella por el modo en que la filma) representa el lado salvaje, irreflexivo, la parte de nosotros que actúa según sus instintos, la más preocupada por las sensaciones que por los pensamientos. Por eso no duda en sucumbir a los encantos de Juan Antonio (un gran Javier Bardem, cuyo personaje empieza fuerte pero se diluye a lo largo del metraje), un bohemio pintor español que trata de seducir a las turistas, sin importarle (en principio) cual va a acabar cayendo en su red. Volviendo a Cristina, es este el personaje que mejor ejemplifica lo que he expuesto en el párrafo anterior. El director la presenta como una persona inquieta, inconformista, que busca el amor verdadero más allá de los clichés sociales. Sin embargo, conforme avanza el metraje, observamos sutilmente como las supuestas inquietudes artísticas de Cristina cambian según la dirección del viento, o del criterio de los que tienen alrededor. Si le dicen que escribe bien, escribe. Si le dicen que sus fotos son buenas, se dedica a la fotografía. Parece como si sus inclinaciones artísticas fueran más producto de un esnobismo vacío que de un verdadero talento. Si eso es ser complaciente con tu personaje, que baje Dios y lo vea.

Y no podría terminar de escribir sobre la película sin referirme al último vértice del cuadrado amoroso protagonista: María Elena, la exmujer de Juan Antonio, una artista que se supone está dotada de un genio especial para la pintura, pero cuyo temperamento bipolar y autodestructivo le lleva a constantes crisis personales. Penélope Cruz demuestra con su interpretación que, por mucho que le pese a algunos, está entre las mejores actrices de la historia de nuestro cine, por mucho que su talento sólo aflore cuando trabaja en Europa o alejada de las producciones mainstream de Hollywood (ese mismo año ya había hecho otra interpretación memorable en Elegy (2008), la película de Isabel Coixet a reivindicar desde ya). Su personaje, que le valió su hasta ahora único Oscar, sólo aparece a partir de la mitad del filme, pero su personalidad es tan arrolladora que se come todos los planos en los que aparece. Sin duda, lo mejor de la película son las discusiones entre los dos artistas españoles, con Cruz y Bardem improvisando sus diálogos en castellano (esta película sólo se puede disfrutar en su plenitud en v.o.s.) y sosteniendo un duelo verbal (en el que gana ella por muchos motivos) que resulta tan cómico como punzante.

Vicky Cristina Barcelona no es, a pesar de todo, ni mucho menos un film redondo. Tiene sus fallos, como es lógico. Le cuesta demasiado arrancar y despojarse de la apariencia de documental del canal Viajar sobre la Barcelona modernista. La decisión de Cristina de cambiar su vida hacia el final del metraje no queda demasiado justificada, aunque es necesaria para que se desarrolle la trama. Incluso diría que el personaje de María Elena está bastante desaprovechado, porque acabas echando de menos más apariciones de la Cruz en pantalla. Sin embargo, es una película que sorprende, y que ante todo destaca más por lo que esconde que por lo que muestra. Woody Allen sigue demostrando que aunque siempre haga la misma película (con el amor, el deseo, la infidelidad, la felicidad conyugal, etc. como ejes principales), al menos es capaz (de vez en cuando) de regalar a la audiencia una comedia tan mordaz y brillante como esta. No se debería subestimar a los perros viejos del cine.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Vicky Cristina Barcelona País: España, EE.UU. Año: 2008 Dirección y Guión: Woody Allen Fotografía: Javier Aguirresarobe Montaje: Alisa Lepselter Diseño de producción: Alain Bainée Duración: 96 minutos Intérpretes: Rebecca Hall (Vicky), Scarlett Johansson (Cristina), Javier Bardem (Juan Antonio), Penélope Cruz (María Elena), Patricia Clarkson (Judy), Chris Messina (Doug)

GALARDONES

1 Oscar (2009): Mejor Actriz de Reparto (Penélope Cruz)
1 BAFTA (2009): Mejor Actriz de Reparto (Penélope Cruz)
1 Globo de Oro (2009): Mejor Película de comedia/musical
1 Goya (2009): Mejor Actriz de Reparto (Penélope Cruz)

Estrenos de la semana: 3 de febrero

2012-02-03T09:59:00.001+01:00

No sabemos si la ola de frío siberiano tendrá algo que ver, pero lo cierto es que este mes de febrero empieza al ralentí en lo que a estrenos se refiere. Tan solo cuatro películas nuevas llegarán a nuestros cines a partir de hoy. Eso sí, las propuestas son bien variadas, desde el drama social hasta la comedia disparatada, pasando por cine para los pequeños de la casa o por una película con media docena de nominaciones al Oscar.

Tras la brillante También la lluvia (2010), Icíar Bollaín vuelve a hacer las maletas para contar otra historia de españoles en el mundo menos favorecido. De lo profundo de las montañas del Tíbet llega Katmandú, un espejo en el cielo (2011), basada en la historia real de una joven maestra catalana que inicia un proyecto educativo en Nepal con la intención de ayudar a una población sumida en la pobreza, al mismo tiempo que se conoce mejor a sí misma. Verónica Echegui (nominada al Goya) carga con el peso de una película sin prácticamente actores profesionales y que tiene como punto fuerte la defensa de la educación como motor del cambio.

Los niños de la generación Gormiti, Pokémon o Bratz tal vez no conozcan a los teleñecos, pero siguen siendo toda una institución en Estados Unidos, donde han aparecido en varias películas. Aquí, los que tenemos una edad recordamos a la rana Gustavo, a la cerdita Peggy, a Animal o a Gonzo, que esta vez se unen a sus amigos de carne y hueso (Jason Segel y Amy Adams) para intentar salvar del derribo su teatro, amenazado por la codicia de un petrolero sin escrúpulos (Chris Cooper). The Muppets (2011) está dirigida por James Bobin.

Con un subtítulo bastante innecesario aterriza Moneyball: rompiendo las reglas (2011). Tal vez la palabra Moneyball no diga demasiado, y es indudable que estamos ante un film que se centra en un aspecto (el mundo del béisbol) tan genuinamente americano como las costillas a la barbacoa, la coca-cola o las primarias republicanas. Steven Zaillian y Aaron Sorkin adaptan un best-seller que narra la historia de un directivo de un equipo de béisbol de bajo presupuesto (Brad Pitt) que consigue mantener a su escuadra en la élite gracias a un revolucionario sistema estadístico para mejorar el rendimiento. A Pitt le acompañan Jonah Hill (ambos están nominados dos de los seis Oscars a los que opta la peli) y Philip Seymour Hoffman, que repite a las órdenes del realizador Bennett Miller, quien ya le dirigiera en el notable biopic Truman Capote (2005).

Homenajeando a las siempre recuperables comedias universitarias americanas de los 80, Promoción fantasma (2012) se dirige al público joven y no tan joven, ansioso de rememorar sensaciones olvidadas. Javier Ruiz Caldera (Spanish Movie) dirige esta comedia protagonizada por Raúl Arévalo, un profesor que en ocasiones ve muertos y que tendrá la misión de que cinco estudiantes fallecidos veinte años atrás aprueben el curso y puedan descansar en paz. La película, abundante en escatología y hormonas, cuenta con el atractivo de las apariciones de grandes del humor patrio como Joaquín Reyes o Carlos Areces, así como de la siempre agradable y divertida Alexandra Jiménez.

The Artist: me gusta cuando callas

2012-01-31T14:31:00.002+01:00

A lo largo de su historia, el cine ha tenido algunos momentos determinantes en los que se ha replanteado desde la raíz su propio concepto, naturaleza y alcance. En sus primeras tres décadas de existencia, la única manera de entender el cine era mediante el mal llamado "cine mudo" (nunca existió tal mutismo, ya que las salas de proyección estaban llenas de música que acompañaba a las películas), y no fue hasta finales de los años 1920 cuando se empezó a plantear la posibilidad de realizar films con sonido sincronizado con la imagen.

Este paso del mudo al sonoro ha sido uno de los acontecimientos más importantes y traumáticos de la historia del séptimo arte, y el cine ha querido representarlo en un buen puñado de grandes películas, como la magnífica Cantando bajo la lluvia (Stanley Donen y Gene Kelly, 1952), en la que se muestran a las mil maravillas todos los problemas derivados de la nueva técnica, aunque siempre con un festivo toque de humor. Todo lo contrario que en El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder, 1950), un retrato amargo de una diva del cine mudo caída en desgracia (la inolvidable Norma Desmond interpretada por Gloria Swanson), incapaz de adaptarse al nuevo medio.

Hay por ello, siempre que se remite a esta época, un poso de tristeza, de nostalgia por un pasado glorioso que es sustituido por una técnica desconocida e impredecible. No en vano, fueron muchas las estrellas del primer Hollywood que se vieron abocadas al fracaso y al olvido cuando el público empezó a demandar películas "habladas". Una voz demasiado aguda, una declamación mediocre o simplemente la irrupción poderosa de caras nuevas fue capaz de arrinconar a muchos de los que poco tiempo antes lo tenían todo.

Ese es precisamente el espíritu de The Artist (2011), una película que se acerca a aquella época de cambio e incertidumbre, y lo hace con sus mismas armas. Es, en esencia, una película "muda", perfectamente rodada y fotografiada (la fantástica música a cargo de Ludovic Bource, la iluminación, los intertítulos) para que pudiera pasar por un film de 1927, fecha en la que comienza la acción. Pero al mismo tiempo es una película innegablemente moderna, incluso para las fechas que pretende simular. Hay encuadres y movimientos de cámara que remiten al cine clásico más innovador (Murnau, Welles), y las digresiones que se permite en un par de ocasiones (la pesadilla de Valentin y la escena final) ponen de manifiesto que todo el film se sustenta en ese traumático paso de la adolescencia a la madurez del cine.

Pero The Artist es, ante todo, un emotivo homenaje al cine. Un homenaje desde el respeto, el cariño y la reverencia. Un cántico a la fábrica de sueños del primer Hollywood, a pesar de sus fisuras y sus contradicciones. La película es un relato simétrico de la trayectoria artística de George Valentin (espléndido Jean Dujardin, firme candidato al Oscar), al que vemos al principio como la mayor estrella del cine mudo de la época, aplaudido por el público y con todo un estudio a su servicio, encabezado por el productor Al Zimmer (John Goodman). El único punto oscuro está en su vida personal, ya que comprobamos que la relación con su esposa (Penelope Ann Miller) es casi inexistente, más aún después de que Valentin conozca a Peppy Miller (Bérénice Bejo), una aspirante a actriz de la que se enamora cuando ésta entra a formar parte como extra en una de sus películas.

A partir de ese momento, las trayectorias de Valentin y Miller siguen trayectorias opuestas. El primero se niega a dar crédito al advenimiento del sonoro, y sigue enrocado en hacer las películas de siempre, aunque ya sin el apoyo de la industria (los estudios han desaparecido para dedicarse sólo a las películas habladas) y después sin el del público, que acude en masa a ver las nuevas talkies. A todo ello se suma el fin de su matrimonio y la ruina económica provocada por el crack bursátil de 1929. Así pues, Valentin entra en una espiral de decadencia en la que sólo tiene la fiel compañía de su perro Jack y su antiguo chofer Clifton (James Cromwell). Por su parte, Peppy va escalando posiciones en los créditos de sus películas, hasta convertirse en la estrella principal del nuevo y flamante cine sonoro. A pesar de todo, no ha olvidado (es la única que no lo ha hecho) al pobre Valentin, de quien siempre vela y se convierte en su ángel de la guarda a pesar del orgullo autodestructivo de éste.

Por tanto, el desarrollo de ambos personajes simboliza los dos mundos opuestos surgidos del nacimiento del sonoro: una nueva generación joven y fresca, cuya voz inundaba la pantalla y los sueños de los espectadores frente a una generación anquilosada en un pasado que nunca volvería y de cuyas cenizas consigue salir Valentin gracias a un giro que anticipa también el auge de un nuevo género cinematográfico: el musical.

Resulta curioso que este preciso acercamiento a una situación y a un mundo tan genuinamente americano haya surgido del esfuerzo de un director francés apenas conocido en su país. Michel Hazanavicius ha saltado a la primera división del mundo del cine con esta pieza, maravillosa y al fin y al cabo optimista, que rinde pleitesía a una manera de entender las películas que dista mucho de los cánones actuales, pero que sin duda representa la esencia de un cine que creía en una máxima fundamental: el espectáculo debe continuar.

FICHA TÉCNICA

Título Original: The Artist País: Francia, Bélgica Año: 2011 Dirección y Guión: Michel Hazanavicius Fotografía: Guillaume Schiffman Montaje: Anne-Sophie Bion, Michel Hazanavicius Diseño de producción: Laurence Bennett Música: Ludovic Bource Duración: 100 minutos Intérpretes: Jean Dujardin (George Valentin), Bérénice Bejo (Peppy Miller), John Goodman (Al Zimmer), James Cromwell (Clifton), Penelope Ann Miller (Doris), Missi Pyle (Constance)

GALARDONES

5 Oscars (2012): Mejor Vestuario, Mejor Director, Mejor Banda Sonora, Mejor Actor Principal (Jean Dujardin), Mejor Película
Festival de Cannes (2011): Mejor Actor (Jean Dujardin), Nominada a la Palma de Oro
3 Globos de Oro (2012): Mejor Película de comedia/musical, Mejor Banda Sonora, Mejor Actor Principal (Jean Dujardin)
1 Goya (2012): Mejor Película Europea

Estrenos de la semana: 27 de enero

2012-01-27T11:40:00.001+01:00

Glenn Close, Leonardo di Caprio, Clint Eastwood y el Alzheimer son los protagonistas destacados de los estrenos de este fin de semana:

Rodrigo García, el hijo del gran Gabriel García Márquez, se pone tras las cámaras en Albert Nobbs (2011), filme que narra la historia de una mujer (una espléndidamente caracterizada Glenn Close) que se ve obligada a hacerse pasar por un hombre para sobrevivir en un lujoso hotel de Dublín a finales del siglo XIX. Estética elegante y algo telefilmesca para una película nominada a tres Oscars (Close, la secundaria Janet McTeer y el maquillaje) y que cuenta también con la presencia de una de las musas de este blog, Mia Wasikowska.

Basada en el magnífico cómic de Paco Roca (y respetando a la perfección su estética original), Arrugas (2011) es una emocionante historia centrada en una residencia de ancianos y con la enfermedad del Alzheimer como telón de fondo. La película, dirigida por Ignacio Ferreras, viene avalada por su éxito en todos los festivales en los que se ha proyectado y por dos nominaciones a los Goya. Animación tradicional que promete risas y lágrimas a partes iguales.

Con un aspecto sospechosamente parecido a la española Secuestrados (que se estrenó hace pocos meses), Bajo amenaza (2011) es un thriller de invasiones domiciliarias y secuestros que pretende angustiar al espectador. Nicolas Cage y Nicole Kidman (cada vez más cerca de instalarse definitivamente en proyectos de segunda o tercera división) son una pareja ideal y millonaria cuyos secretos se desvelarán después de que dos desconocidos les secuestren en su propia casa. Dirige el desnortado Joel Schumacher.

Dominik Moll, director de la extraña Harry, un amigo que os quiere (2000), firma otra película peculiar basada en una novela de finales del siglo XVIII protagonizada por un monje cisterciense (Vincent Cassel) que lucha contra las tentaciones. El monje (2011) cuenta con algunas localizaciones españolas y con la presencia de actores como Sergi López o Jordi Dauder.

Injustamente ninguneada en las nominaciones a los Oscars, J. Edgar (2011) es un retrato profundo del "hombre más poderoso del mundo", el director del FBI Edgar Hoover (Leonardo Di Caprio), pero también de la historia de EE.UU. durante gran parte del siglo XX. Con ese estilo clásico que le caracteriza, Clint Eastwood vuelve a hurgar en asuntos pocos conocidos de la historia de su país con la ayuda de un Di Caprio que se mimetiza a la perfección con su personaje y con secundarios tan solventes como Naomi Watts, Josh Lucas o Judi Dench.

La cuarta entrega de la guerra entre licántropos, vampiros y seres humanos se estrena en formato 3D para hacer más espectaculares sus numerosas escenas de acción y violencia. Kate Beckinsale vuelve a encabezar el proyecto de Underworld: el despertar (2011), después de que su personaje haya estado varios años en estado de coma y ahora tenga que proteger a su hija. Dirigen los suecos Mans Marlind y Björn Stein.

Completan los estrenos de la semana el documental Ibiza Occidente (Günter Schwaiger, 2011), sobre la música electrónica en la isla balear y dos películas polacas. Una es Aquello que amamos (Jacek Borcuch, 2009) y la otra es Popieluszko. La libertad está en nosotros (Rafal Wieczynski, 2009), sobre el sacerdote polaco beatificado por Benedicto XVI en 2010.

Trailer de Red Lights, lo nuevo de Rodrigo Cortés

2012-01-26T21:28:00.000+01:00

Que Rodrigo Cortés tiene ante sí una prometedora carrera en Hollywood ya nadie lo duda. El director gallego ya ha demostrado sobradamente su calidad con sus dos largos anteriores, la nunca suficientemente valorada Concursante (2007) y la original Buried (2010). En esta última ya contó con producción americana y actores de renombre como Ryan Reynolds.

Sin embargo, mucho más ambicioso es el proyecto de Red Lights (2012), que Cortés ha escrito y dirigido contando con un cast casi exclusivamente norteamericano y repleto de actores de campanillas. Nada menos que Robert De Niro, Sigourney Weaver, Cillian Murphy y Elizabeth Olsen encabezan un reparto de lujo que hace que esperemos la película con impaciencia.

El argumento del film se centra en dos investigadores de fraudes en supuestos fenómenos paranormales (Weaver y Murphy) que se centran en el caso de un célebre psíquico (De Niro) del que dudan de la autenticidad de sus poderes. Os dejo con un tráiler que muestra lo justito y sobretodo deja con ganas de ver la película. Y no queda tanto, porque el 2 de marzo la tendremos ya en nuestros cines.

Oscars 2012: preguntas, ausencias y sorpresas

2012-01-24T20:41:00.000+01:00

Ya se conocen los nominados a la 84ª edición de los premios Oscar. Una vez repasada la lista, se puede decir que no ha habido grandes sorpresas en cuanto a películas y nombres, pero sí algunas cosas que merece la pena comentar:

- ¿Es tan buena La invención de Hugo como para estar nominada en 11 categorías? La película de Martin Scorsese no ha llegado todavía a nuestro país (se estrenará el 24 de febrero, dos días antes de la entrega de premios), por lo que es complicado tener una opinión sobre ella. Sea como fuere, once nominaciones son muchas, aunque su reparto (Jude Law, Ben Kingsley) ha sido totalmente ignorado.

- Y es que la tradicional diferencia en la distribución de muchas películas hace que no podamos ver algunas nominadas antes de que se anuncien sus candidaturas. Tendremos dos días antes de la gala de los Oscar para ver La invención de Hugo, y algo más para ver Moneyball (3 de febrero) y Caballo de batalla (10 de febrero). Eso sí, para ver Tan fuerte, tan cerca habrá que esperar hasta el 16 de marzo.

- Ha sorprendido a muchos la presencia de El árbol de la vida y de Terrence Malick como candidatos a mejor película y director. El film ha suscitado opiniones totalmente encontradas (aquí estamos entre los admiradores), por lo que la decisión de la Academia se puede calificar como de arriesgada. Eso sí, ya puestos podrían haber incluido las nominaciones a Brad Pitt, Jessica Chastain, a la música de Alexandre Desplat o a un montaje que constituye gran parte del valor del film.

- El capítulo de ausencias es siempre discutible, pero hay nombres que se echan de menos de forma unánime. Ni Ryan Gosling (Drive, Los idus de marzo) ni Michael Fassbender (Shame, Una terapia peligrosa, Jane Eyre) están entre los candidatos a mejor actor, donde sí se ha colado inesperadamente Demián Bichir. Es curioso también que Gary Oldman se haya llevado su primera nominación por su papel más contenido, el de Smiley en El topo.

- En cuanto a las actrices, llama la atención la ausencia de Tilda Swinton por Necesitamos hablar sobre Kevin, ya que la actriz británica estaba en todas las quinielas junto a las inevitables Glenn Close y Meryl Streep. Algunos también apostaban por Shailene Woodley (la hija mayor de Clooney en Los descendientes) en la pelea por el premio a mejor actriz de reparto.

- Una de cal y otra de arena para Steven Spielberg. El director ha colocado su Caballo de batalla con seis nominaciones (película, dirección artística, fotografía, banda sonora, sonido, montaje de sonido), pero se ha quedado sin candidatura a mejor director y, sobretodo, la Academia ha ninguneado su Tintín. Competirá por la banda sonora pero sorprendentemente se ha quedado fuera de la carrera por ser la mejor película de animación, el objetivo con el que fue concebida.

- ¿Qué tienen en la Academia contra Leonardo Di Caprio? El actor ha vuelto ha quedarse fuera de las nominaciones a pesar de su enorme composición de Edgar Hoover en J. Edgar, la última película de un Clint Eastwood que también ha pasado desapercibido para los académicos. A Di Caprio ya no le vale ni el enchufe de Scorsese.

- En todos los medios españoles, como suele pasar, se cuenta la noticia barriendo para casa. La representación patria en los Oscar no es muy amplia, pero sí significativa. Alberto Iglesias ha recibido su tercera nominación por la banda sonora de El topo, después de haberse quedado a las puertas con El jardinero fiel (2006) y Cometas en el cielo (2008). El gran problema este año para Iglesias es compartir nominación con nada menos que Howard Shore y John Williams, este por partida doble. También lo tendrán complicado Javier Mariscal y Fernando Trueba con su Chico & Rita. Su animación casi artesanal compite con el vistoso 3D de Kung Fu Panda 2, El gato con botas o Rango. A su favor (o en su contra, quien sabe) cuenta con ser la película más madura dentro de una categoría muy orientada al público infantil y juvenil.

- Casi nadie, curiosamente, lo dice, pero además de Mariscal, Trueba e Iglesias la representación española la completa Midnight in Paris, en la que España participa en régimen de coproducción. La cinta de Woody Allen ha sido una de las sorpresas agradables de las nominaciones, recogiendo cuatro candidaturas (película, director, guión original, dirección artística). Eso sí, tampoco será suficiente para que Allen acuda a la gala.

- Ha habido esperanzas hasta última hora, pero finalmente Arrugas se ha quedado fuera de la carrera hacia el Oscar como mejor película de animación. El film de Ignacio Ferreras basado en el cómic de Paco Roca ha contado con una magnífica campaña de promoción en las redes sociales que ha potenciado la propia calidad de una película que se estrenará en España el próximo viernes y de la que se espera un buen resultado en taquilla.

- Terminando con el cine español, Pedro Almodóvar se ha quedado sin nominación (como se esperaba, por otro lado) con La piel que habito. Ni el guión, ni la fotografía ni la música de Alberto Iglesias han pasado el corte. Seguramente Almodóvar se resarcirá en los próximos Goya.

Candidaturas a los Oscar 2012

2012-01-24T19:42:00.001+01:00

Ni Criadas y Señoras, ni Los descendientes, ni siquiera The Artist. La primera gran sorpresa del día es que película con más candidaturas para la 84ª edición de los Oscar será La invención de Hugo. La cinta de Martin Scorsese ha conseguido amasar 11 nominaciones, una más que la gran favorita The Artist, que acumula la nada desdeñable cifra de 10 candidaturas. La invención de Hugo, por tanto, se coloca en una buena posición para ser la gran triunfadora en la noche del 26 de febrero.

Vamos a repasar ahora las nominaciones a las principales categorías:

MEJOR PELÍCULA

Hasta nueve títulos competirán por el premio a la mejor cinta del pasado año. A última hora, y de manera un poco forzada, se ha colado la última película de Stephen Daldry Tan fuerte, tan cerca, con casi ninguna posibilidad. Posiblemente, las grandes favoritas sean las ganadoras de los últimos Globos de Oro en sus respectivas categorías: The Artist (comedia) y Los descendientes (drama), junto con La invención de Hugo de Scorsese. También optan a la estatuilla el filme coral Criadas y señoras, las aún inéditas en España Caballo de batalla y Moneyball, y las sorprendentes El árbol de la vida y Midnight in Paris, que suscitaron opiniones muy encontradas tras su paso por la taquilla.

MEJOR DIRECTOR

Dos grandes de la historia del cine aparecen en la lista de candidatos a mejor realizador. Martin Scorsese recibe su séptima nominación con La invención de Hugo, y sería su segunda estatuilla tras Infiltrados en 2007. Por su parte, Woody Allen ha sido nominado por octava vez como mejor director por Midnight in Paris, aunque no gana el Oscar desde 1978 con Annie Hall. Igual de veterano pero menos premiado es Terrence Malick, que se ha colado entre los candidatos con la controvertida El árbol de la vida, que le supone su segunda nominación tras la que consiguió con La delgada línea roja en 1999. Por su parte, Alexander Payne (Los descendientes) ya sabe lo que es ganar el Oscar (lo consiguió por el guión de Entre copas en 2005), pero sería su primer galardón como realizador. Completa el quinteto el casi desconocido en EE.UU. Michel Hazanavicius, (The Artist) que a falta de background aporta la realización de uno de los films más sugerentes de nuestros tiempos.

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

Las dos grandes damas de la interpretación de las últimas tres décadas competirán cara a cara por el Oscar. La nominación de Meryl Streep (La dama de hierro) y Glenn Close (Albert Nobbs) estaba cantada, y ambas parten como favoritas. Es la sexta nominación para Close (tercera como actriz principal), y nada menos que la decimoséptima para Meryl Streep, aunque no gana el Oscar desde 1983 por La decisión de Sophie. La tercera en discordia puede ser la también globizada Michelle Williams (My Week with Marilyn), que encadena dos nominaciones seguidas tras Blue Valentine el año pasado. También cuenta con alguna opción Viola Davis (Criadas y señoras) y con bastantes menos Rooney Mara por su encarnación de Lisbeth Salander en Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres.

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

George Clooney (Los descendientes) y Jean Dujardin (The Artist), ganadores de los Globos de Oro, se perfilan como favoritos para hacerse con el Oscar. Dujardin es novato en estas lides, no así un Clooney que acumula siete nominaciones (tres como actor principal, uno como secundario con premio (Syriana), dos como guionista y uno como director). Brad Pitt (Moneyball) ha sido nominado por tercera vez, pero parece que de nuevo se va a quedar sin premio, lo mismo que un Gary Oldman (El topo) que increíblemente es la primera vez que recibe una nominación tras una carrera brillante. Completa la lista el sorprendente mexicano Demián Bichir (A better life), en un papel de padre coraje enfrentado a las dificultades relacionadas con la inmigración en Los Angeles.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

El cast coral de Criadas y señoras tiene, por probabilidad, muchas opciones para alzarse con una estatuilla. Además de Viola Davis como principal, Jessica Chastain y Octavia Spencer compiten como secundarias. Junto a ellas aparece la franco-argentina Bérénice Bejo (The Artist), Melissa McCarthy (La boda de mi mejor amiga) y Janet McTeer (Albert Nobbs).

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Mucha veteranía en la categoría de mejor actor secundario. Actores tan experimentados como Max von Sydow (Tan fuerte, tan cerca) o Christopher Plummer (Beginners) han sido nominados por segunda vez, mientras que es la tercera experiencia para Nick Nolte (Warrior) y la quinta para Kenneth Branagh (My Week with Marilyn). La sangre joven de esta lista la representa Jonah Hill, nominado por su primer papel "serio" en Moneyball.

En el resto de categorías, los nominados son:

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

The Artist (Michel Hazanavicius)

La boda de mi mejor amiga (Kristen Wiig, Annie Mumolo)

Margin Call (J.C. Chandor)

Midnight in Paris (Woody Allen)

Nader y Simin, una separación (Asghar Farhadi)

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Los descendientes (Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash)

La invención de Hugo (John Logan)

Los idus de marzo (George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon)

Moneyball (Steven Zaillian, Aaron Sorkin, Stan Chervin)

El topo (Bridget O'Connor, Peter Straughan)

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Un gato en París (Alain Gagnol, Jean-Loup Felicioli)

Chico & Rita (Fernando Trueba, Javier Mariscal)

Kung Fu Panda 2 (Jennifer Yuh)

El gato con botas (Chris Miller)

Rango (Gore Verbinski)

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA

Rundskop (Michael R. Roskam, Bélgica)

Hearat Shulayim (Joseph Cedar, Israel)

In Darkness (Agnieszka Holland, Polonia)

Monsieur Lazhar (Philippe Falardeau, Canadá)

Nader y Simin, una separación (Asghar Farhadi, Irán)

MEJOR FOTOGRAFÍA

The Artist (Guillaume Schiffman)

Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres (Jeff Cronenweth)

La invención de Hugo (Robert Richardson)

El árbol de la vida (Emmanuel Lubezki)

Caballo de batalla (Janusz Kaminski)

MEJOR MONTAJE

The Artist (Anne-Sophie Bion, Michel Hazanavicius)

Los descendientes (Kevin Tent)

Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres (Angus Wall, Kirk Baxter)

La invención de Hugo (Thelma Schoonmaker)

Moneyball (Christopher Tellefsen)

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

The Artist (Laurence Bennett, Robert Gould)

Harry Potter y las reliquias de la muerte - parte 2 (Stuart Craig, Stephenie McMillan)

La invención de Hugo (Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo)

Midnight in Paris (Anne Seibel, Hélène Dubreuil)

Caballo de batalla (Rick Carter, Lee Sandales)

MEJOR VESTUARIO

Anonymous (Lisy Christl)

The Artist (Mark Bridges)

La invención de Hugo (Sandy Powell)

Jane Eyre (Michael O'Connor)

W.E. (Arianne Phillips)

MEJOR MAQUILLAJE

Albert Nobbs (Martial Corneville, Lynn Johnson, Matthew W. Mungle)

Harry Potter y las reliquias de la muerte - parte 2 (Nick Dudman, Amanda Knight, Lisa Tomblin)

La dama de hierro (Mark Coulier, J. Roy Helland)

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL

Las aventuras de Tintín: el secreto del Unicornio (John Williams)

The Artist (Ludovic Bource)

La invención de Hugo (Howard Shore)

El topo (Alberto Iglesias)

Caballo de batalla (John Williams)

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

The Muppets (Bret McKenzie)

Rio (Sergio Mendes, Carlinhos Brown, Siedah Garrett)

MEJOR SONIDO

Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres

La invención de Hugo

Moneyball

Transformers 3: el lado oscuro de la Luna

Caballo de batalla

MEJOR MONTAJE DE SONIDO

Drive

Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres

La invención de Hugo

Transformers 3: el lado oscuro de la Luna

Caballo de batalla

MEJORES EFECTOS VISUALES

Harry Potter y las reliquias de la muerte - parte 2

La invención de Hugo

Acero puro

El origen del planeta de los simios

Transformers 3: el lado oscuro de la Luna

MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL

Hell and Back Again (Danfung Dennis, Mike Lerner)

If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front (Marshall Curry, Sam Cullman)

Paradise Lost 3: Purgatory (Joe Berlinger, Bruce Sinofsky)

Pina (Wim Wenders, Gian-Piero Ringel)

Undefeated (Daniel Lindsay, T.J. Martin, Rich Middlemas)

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement

God is the Bigger Elvis

Incident in New Baghdad

Saving Face

The Tsunami and the Cherry Blossom

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

Dimanche

The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore

La Luna

A Morning Stroll

Wild Life

MEJOR CORTOMETRAJE

Pentecost

Raju

The Shore

Time Freak

Tuba Atlantic

Mientras duermes: el terror cotidiano

2012-01-17T19:20:00.000+01:00

No cabe duda de que las situaciones extrañas y terroríficas lo son más todavía cuando se producen en un contexto de normalidad, en un ambiente que suponíamos inocuo y controlado. Y lo mismo podría decirse de las personas. Ojalá todo fuera tan fácil como cambiarse de acera cuando vemos a alguien con un aspecto sospechoso o intentar evitar a aquél de quien conocemos un pasado inestable y potencialmente peligroso. Pero no siempre es así, y por eso ya no nos puede sorprender que los vecinos de alguien que ha cometido cualquier atrocidad suelan responder incrédulos con un "era una persona muy amable, siempre saludaba".

En muchas ocasiones lo más terrible surge del lugar más inesperado, y el cine nos ha dado buena muestra de ello. Resultan mucho más terroríficas las situaciones de miedo en un entorno conocido, como por ejemplo una casa que pasa de ser el hogar perfecto al infierno materializado. O cuando es una persona cercana la que se convierte en un ser extraño y aterrador, como aquel inolvidable Jack Torrance de El Resplandor (1980).

En Mientras duermes (2011), el terror proviene de uno de esos lugares inesperados. En este caso del conserje de un edificio antiguo de Barcelona, hermano gemelo del que albergaba a los infectados de las dos primeras entregas de la saga REC. César (Luis Tosar) es en apariencia una persona normal, se podría decir que anodina, amable hasta el extremo y dispuesto a solucionar cualquier problema de los vecinos. Lo vemos siempre desviviéndose por abrir la puerta del ascensor o del portal, saludar educadamente y ofrecerse para todo tipo de ayuda. Sin embargo, cuando esta solo podemos observar una faceta muy diferente. Solitario, maniático, compulsivo, obsesivo y sobretodo incapaz de ser feliz, siendo su único alivio en la vida intentar que los demás tampoco lo sean.

Es interesante cómo Jaume Balagueró (con ayuda del guión de Alberto Marini) plantea toda la película desde el punto de vista del psicópata y no desde la víctima, lo que es la tónica habitual (véase cualquier saga sobre serial killers tipo La matanza de Texas, Viernes 13, Scream, etc.). En Mientras duermes, César es el protagonista absoluto, apareciendo prácticamente en cada plano del film. Luis Tosar encarna al conserje con maestría, aportando una contención e inexpresividad que juega a favor del personaje, cuya maldad va in crescendo a lo largo del metraje hasta llegar a extremos enfermizos. César es uno de esos personajes caramelo que pueden encumbrar a cualquier actor, pero hace falta tener unos recursos interpretativos potentes para que resulte creíble y, lo más importante, suscite tanto miedo con esa fórmula del menos es más que Luis Tosar tan bien domina.

En el lado opuesto a César está Clara (Marta Etura), todo luz, optimismo y felicidad. Siempre está tan radiante que César no lo puede soportar, y por eso intenta por todos los medios "borrar esa puta sonrisa de su cara". Ese odio infinito no excluye una especie de amor platónico y enfermizo hacia Clara, expresado en unas prácticas nocturnas deleznables que no hacen sino aumentar en el espectador el desprecio hacia César. No obstante, es curioso que una de las escenas más destacadas del film sea esa en la que, mediante el montaje y los encuadres, acabemos empatizando con ese hombre tan despreciable cuando se queda atrapado dentro de la casa de Clara cuando ésta se encuentra con su novio (Alberto San Juan). De nuevo el cine hace gala de su capacidad de jugar con los sentimientos de los espectadores.

Finalmente, la espiral de odio de César hacia Clara se hace cada vez más asfixiante y peligrosa, y el propio César traspasa límites que le ponen también a él en peligro. Pero todo es válido si finalmente consigue llevar a cabo su plan macabro. Balagueró tiene la habilidad de aumentar muy poco a poco las dosis de crudeza de la conducta del conserje, lo que deja muy bien allanado el camino hacia el clímax final en el que queda patente toda su vileza.

Después de explorar con bastante habilidad el terror psicológico con Los sin nombre (1999), Darkness (2002) o Frágiles (2005), y de reformular visualmente (junto a Paco Plaza) el cine de muertos vivientes con REC (2007) y REC 2 (2009), Jaume Balagueró acierta con esta cinta mucho más hitchcockiana, menos explícita, pero que consigue lo que se propone: que sigamos mirando debajo de la cama antes de acostarnos.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Mientras duermes País: España Año: 2011 Dirección: Jaume Balagueró Guión: Alberto Marini Fotografía: Pablo Rosso Montaje: Guillermo de la Cal Dirección artística: Nina Caussà Música: Lucas Vidal Duración: 102 minutos Intérpretes: Luis Tosar (César), Marta Etura (Clara), Alberto San Juan (Marcos), Petra Martínez (Sra. Verónica), Iris Almeida (Úrsula), Oriol Genís (Administrador)

GALARDONES

1 nominación al Goya (2012): Mejor actor (Luis Tosar)

Globos de Oro 2012

2012-01-16T12:12:00.000+01:00

La gala de la 69ª edición de los Globos de Oro transcurrió de una manera bastante tranquila y sin sobresaltos. Los premios dejaron poco espacio a la sorpresa, y dejan todavía muy en el aire las previsiones para la próxima entrega de los Oscar del mes que viene, y cuyos candidatos se conocerán en pocos días.

Como era de esperar, The Descendants y The Artist se alzaron con los premios mayores a mejor película en sus respectivos apartados (drama y comedia/musical). La película francesa sigue siendo la mejor colocada para los Oscar, pero la cinta de Alexander Payne se ha revelado como una competidora a tener en cuenta. Por si fuera poco, el director de The Artist, Michel Hazanavicius, se quedó compuesto y sin el premio a mejor realizador, que fue a parar a manos del gran Martin Scorsese por Hugo, premiando así el atrevimiento del veterano director al hacer un film muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados.

En el apartado actoral, no había nadie en el auditorio del Nokia Theatre de Los Angeles que no esperara el premio para Meryl Streep como mejor actriz dramática por su interpretación de Margaret Thatcher en The Iron Lady, un film donde lo más destacable es precisamente el trabajo de una Streep que acumula ya ocho Golden Globes y se perfila para recibir el que sería su tercer Oscar, un premio que no gana desde 1983. Su gran rival será sin duda Michelle Williams, que ayer se llevó a casa el premio a mejor actriz de comedia/musical por su papel en My week with Marilyn.

Tampoco hubo sorpresas con los premiados a mejor actor. George Clooney y Jean Dujardin estaban en todas las quinielas y para ellos fue el Globo de Oro. Clooney ya es la tercera vez que se ve en esta tesitura, pero para Dujardin es la primera vez que se sube a un escenario estadounidense para agradecer un premio importante, que dedicó al cine de su país, todavía bastante desconocido en EE.UU.

Los premios a los papeles secundarios fueron para el veterano Christopher Plummer por su papel de viudo que sale del armario en Beginners y para Octavia Spencer, una de las sirvientas negras que sobresalen en Criadas y Señoras, un premio que tiene todavía más significado en vísperas del día de Martin Luther King que ayer se celebraba en todo el país. Por eso también tuvo especial relevancia la presencia de Sidney Poitier entregando el premio Cecil B. De Mille a toda la trayectoria cinematográfica a Morgan Freeman, uno de los actores imprescindibles de las últimas dos décadas.

El resto de premios cinematográficos fueron para el guión de Woody Allen en Midnight in Paris (puede ser la tapada en los Oscar), la música de The Artist y la canción de Madonna para W.E. El mejor largo de animación fue (como cabía esperar) Las aventuras de Tintín: el secreto del Unicornio, mientras que la iraní Nader & Simin, una separación se coronó como la mejor película extranjera dejando a Pedro Almodóvar sin premio.

Finalmente, en lo que se refiere a la televisión, Homeland y Modern Family fueron las grandes triunfadoras de la noche. Homeland además colocó a su actriz protagonista Claire Danes como mejor actriz, galardón que también se llevaron Kelsey Grammer (Boss), Matt LeBlanc (Episodes) y Laura Dern (Enlightened). La miniserie Downtown Abbey y Kate Winslet por su papel en Mildred Pierce también se llevaron su merecido reconocimiento.

Paris, Texas: en busca de un pasado mejor

2012-01-14T21:24:00.001+01:00

En mitad del desierto, un hombre aparece de la nada. Se diría que lleva días, semanas caminando. Está ataviado con un traje y una gorra de béisbol. No sabemos su identidad, quizá él mismo tampoco la sepa, o la haya olvidado. Cuando, producto de la sed y el cansancio, se desploma en una remota estación de servicio, el médico consigue contactar con el hermano del extraño, que se desplaza desde Los Ángeles en su búsqueda.

Con esta sencilla e interesante premisa comienza Paris, Texas (1984), uno de los films más emotivos y valiosos de la década de los 80, unos años caracterizados por la abundancia del cine de acción más violento, las comedias románticas o el cine para adolescentes. Paris, Texas es una película arriesgada, casi anacrónica en el momento en el que fue filmada. Sin embargo, este riesgo se convierte en su mejor virtud, ya que es capaz de tejer una trama altamente sugerente a partir de un argumento sencillo. La premisa de la película es mostrar cómo incluso el amor más profundo puede derivar en celos y en locura, y acabar con el abandono del mundo terrenal para iniciar la búsqueda de los propios orígenes, en este caso representados en la pequeña ciudad de Paris, en el estado de Texas, lugar en el que el protagonista fue concebido.

Como en todo gran film que se precie, la interpretación de los actores es soberbia, destacando ante todo Harry Dean Stanton, que interpreta a Travis, el hombre "desmemoriado" del principio de la película, que durante la primera hora de metraje no emite ni una sola palabra. Stanton consigue transmitir el vacío de su personaje, que abandonó toda pretensión mundana para escapar a un lugar donde nadie le conociera, para regresar a sus orígenes y completar así el ciclo de la vida. De ese ensueño le saca su más terrenal hermano Walt (Dean Stockwell), quien le conduce a su casa para que se reencuentre con su hijo Hunter (Hunter Carson), que desde la marcha del padre y la madre había estado viviendo con sus tíos. A partir de ese momento, Travis es consciente de lo que necesita a su hijo, a quien debe recuperar tras haberlo abandonado cinco años atrás. Para ello, se embarca con él en un viaje iniciático hacia Houston, en busca de la madre del niño. Es entonces cuando entra en escena Jane (Nastassja Kinski guapa como nunca), la madre de Hunter, a quien conocemos en el peep show donde trabaja. La conversación entre Travis y Jane, siempre separados físicamente por un cristal (él la ve a ella, ella no a él) es quizá el momento más emotivo del film, y una de las cumbres estilísticas de la historia del cine. El final de la película, articulado prácticamente en tres planos larguísimos, consigue arrancar las lágrimas del más pintado, cuando los protagonistas recuerdan el pasado y los motivos de su alejamiento, a la vez que asumen que su única posibilidad de redención está en conseguir la felicidad de su hijo.

Paris, Texas es una de las obras clave de Wim Wenders, el director de Düsseldorf que ha gozado de una carrera a la que podemos considerar irregular, pero que contiene algunas obras maestras, como la que nos ocupa (que conquistó al jurado en Cannes) o El Cielo Sobre Berlín (1987), donde vuelve a abordar el tema de la incomunicación. Wenders siempre ha sido un enamorado de la cultura americana, y en Paris, Texas consigue retratar a la perfección los paisajes del medio oeste, tan desérticos como el interior de los personajes. Le ayuda en esta tarea la música de Ry Cooder (músico que sirvió posteriormente de hilo conductor para Wenders en su afán por recuperar la música tradicional cubana en Buenavista Social Club, 1999), que enuncia unos sonidos que refuerzan la idea de soledad y perdición del desierto.

Paris, Texas empieza con un plano del desolado desierto y finaliza con los rascacielos de Houston en el horizonte. Entre tanto, una historia sencilla de pérdida, recuperación y redención. Unas actuaciones contenidas y una puesta en escena mágica. En definitiva, una de las películas más emotivas (sin ser sensiblera, ni mucho menos) que uno se puede encontrar ante una pantalla. Un clásico que nadie debería perderse.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Paris, Texas País: RFA, Francia, Reino Unido, EE.UU. Año: 1984 Dirección: Wim Wenders Guión: Sam Shepard Fotografía: Robby Müller Montaje: Peter Przygodda Dirección artística: Kate Altman Música: Ry Cooder Duración: 147 minutos Intérpretes: Harry Dean Stanton (Travis Henderson), Dean Stockwell (Walt Henderson), Aurore Clément (Anne Henderson), Hunter Carson (Hunter Henderson), Nastassja Kinski (Jane Henderson), Bernhard Wicki (Doctor Ulmer)

GALARDONES

1 BAFTA (1985): Mejor Director
Festival de Cannes (1984): Palma de Oro y premio FIPRESCI

Primer trailer de "The Broken Tower", lo nuevo de James Franco

2012-01-14T12:02:00.000+01:00

Ya podemos contemplar el primer teaser de lo que será el proyecto más ambicioso hasta ahora de James Franco como realizador. El actor californiano ya tiene experiencia tras las cámaras en cortometrajes, documentales y algún que otro largo, pero The Broken Tower (2012), supone su primer intento "serio" por consagrarse como uno de los cineastas con más talento de la actualidad.

En el film, Franco opta por el siempre elegante blanco y negro y se otorga a sí mismo el papel principal, y vuelve a ponerse en la piel de un escritor como ya hiciera con Allen Ginsberg en Howl (2010). Esta vez encarna a Hart Crane, un poeta "maldito" que vivió a principios del siglo XX y que, aunque poco conocido por estos lares, es uno de las figuras más influyentes en la literatura americana. Crane tuvo una vida complicada y turbulenta, al parecer por su condición de homosexual y los traumas que ello le suponía al haber recibido una estricta educación católica. Todos estos problemas le condujeron a una muerte prematura al suicidarse lanzándose desde la cubierta de un barco.

Junto a James Franco, los roles principales se los reparten Michael Shannon y Stacey Miller. Curiosamente, también figuran en el cast Betsy Franco y Dave Franco, a la sazón madre y hermano menor del actor/director, este último interpretando al joven Hart Crane. Todavía no hay fecha de lanzamiento para esta película.

Estrenos de la semana: 13 de enero

2012-01-13T11:28:00.000+01:00

Desde su lanzamiento en 2005 (aunque a España no llegó hasta tres años después), la trilogía Millenium se ha convertido en el fenómeno literario más importante de la última década. Los libros escritos por el desaparecido Stieg Larsson representan la punta de lanza de toda una serie de novela negra y policíaca ambientada en los países nórdicos, tras cuya fachada de aparente civilización ordenada y modélica se esconde una realidad mucho más sórdida de lo que cabría imaginar.

Así pues, por si todavía queda alguien que no haya oído hablar de la obra de Larsson y/o que no haya visto la trilogía de películas suecas firmadas por Niels Arden Oplev y Daniel Alfredson (el hermano del director de El topo), llega a nuestras pantallas la adaptación hollywoodiense de esta historia de venganzas, conspiraciones y asesinatos. David Fincher, con todo su poderío visual, es el encargado de trasladar las novelas y adaptarlas al gran público. En esta primera entrega, Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres (2011), el tema principal es la investigación llevada a cabo por un periodista caído en desgracia (Daniel Craig), con la misión de encontrar al culpable de la desaparición de una mujer, lo que conecta con otras horribles muertes sucedidas tiempo atrás. Para ello cuenta con la ayuda de Lisbeth Salander (Rooney Mara), una hacker superdotada pero inadaptada que esconde también un terrible secreto.

En definitiva, más allá de la resolución de la trama (de sobra conocida para los que ya han leído la novela) está por ver cómo se las arregla Fincher para poner en imágenes los ambientes oscuros del film, una asignatura que el director ya ha resuelto con nota en otras ocasiones como Seven, El club de la lucha o Zodiac. De eso, y de la química que desprendan Daniel Craig y Rooney Mara (el gran descubrimiento) dependerá gran parte del éxito de la película y de sus dos próximas secuelas.

En la línea del mucho cine apocalíptico que nos espera (estamos en el año del fin del mundo según los mayas, no lo olvidemos) llega La hora más oscura (The darkest hour, 2011), film dirigido por Chris Gorak y que sitúa el fin del mundo desde el prisma de un grupo de americanos que sufren en Moscú una invasión alienígena. Emile Hirsch, Olivia Thirlby y Max Minghella protagonizan esta cinta que también será exhibida en cines en formato 3D.

Para terminar de oscurecer el relato, cierra las opciones americanas en taquilla The Collector (2009), una película de terror en la línea de Saw y similares, en la que un ladrón entra a robar en una casa donde el propietario resulta ser un psicópata especializado en las torturas de la Inquisición española (¡!) que tiene secuestrada a toda la familia. Casquería y sufrimiento con una calidad dudosa quedan aseguradas en esta cinta de Marcus Dunstan que ha tardado más de dos años en llegar a nuestros cines.

En cuanto al cine patrio, destaca sin duda La chispa de la vida (2011). Un año después de la irregular Balada triste de trompeta, vuelve Álex de la Iglesia con otra historia extrema de un hombre normal atrapado en una situación extraordinaria que se torna cada vez más absurda, surrealista y agónica. Esta vez le toca el turno a José Mota, que abandona sus tics televisivos para dar vida a un publicista en paro que después de un accidente queda completamente paralizado en mitad de un teatro romano, y cuya truculenta historia se convierte en el fenómeno mediático del siglo. Podemos esperar buenas dosis de humor negro y crítica social en este film coral que ya cuenta con la promoción de tener a sus dos protagonistas (Mota y Salma Hayek) nominados a los Goya.

La otra propuesta española, mucho más modesta, es Las olas (2011), drama dirigido por Alberto Morais y protagonizado por Carlos Álvarez-Novoa y Laia Marull, que narra el viaje de un viudo a una pequeña localidad del sur de Francia donde viven desde hace tiempo miles de refugiados.

Finalmente, completa la taquilla de la semana Juan de los muertos (2011), una disparatada película de zombies cubanos y de un nuevo héroe que ofrece sus servicios para acabar con los familiares infectados. Muy en la línea de Zombies Party, al menos ofrece diversión asegurada. Dirige Alejandro Brugués.

Finalistas Premios Goya 2012

2012-01-10T12:20:00.001+01:00

Esta misma mañana se han dado a conocer los nominados a los 26º Premios Goya, cuya gala se celebrará el próximo 16 de febrero y será presentada por Eva Hache.

Con 16 candidaturas, La piel que habito apunta a que la reconciliación de Pedro Almodóvar con la Academia del Cine Español se volverá a traducir en una buena cantidad de premios. Otra cifra importante se puede llevar No habrá paz para los malvados, el magnífico thriller firmado por Enrique Urbizu y que compite por 14 estatuillas. Los otros títulos más nominados son Eva, Blackthorn y La voz dormida, con 12, 11 y 9 candidaturas al busto de Goya respectivamente.

Así pues, Blackthorn, La piel que habito, La voz dormida y No habrá paz para los malvados se disputarán el premio a la mejor película española de 2011, y sus directores (Mateo Gil, Pedro Almodóvar, Benito Zambrano y Enrique Urbizu) competirán por el galardón a mejor realizador. En lo que respecta al apartado actoral, tampoco ha habido demasiadas sorpresas. Quizá lo más llamativo sea la inclusión de Salma Hayek como candidata a mejor actriz principal por la aún inédita La chispa de la vida, de Álex de la Iglesia, que también ha incluido al cómico José Mota en la carrera por el mejor actor revelación. Junto a Hayek estarán Elena Anaya, Inma Cuesta (las dos favoritas) y Verónica Echegui, mientras que Pilar López de Ayala, Goya Toledo, Maribel Verdú y Ana Wagener son las nominadas por su papel secundario.

En cuanto a los intérpretes masculinos, Antonio Banderas, Daniel Brühl, José Coronado y Luis Tosar son los candidatos a mejor actor principal, quedando la lucha por el Goya al actor de reparto dividida entre Raúl Arévalo, Juanjo Artero, Juan Diego y Lluís Homar. Junto al mencionado Mota, competirán por el premio a la revelación del año Marc Clotet, Jan Cornet y Adrián Lastra, por lo que nos hemos librado de una polémica innecesaria por el asunto Kiko Rivera.

Finalmente, en el apartado de películas de animación y europeas, justo reconocimiento para Arrugas, Melancholia, Un Dios salvaje y The Artist, y también hay hueco para que Woody Allen compita al Goya al mejor guión original por Midnight in Paris. Desgraciadamente, podemos adelantar que no estará en el Palacio de Congresos de Madrid si resulta galardonado.

Así pues, esta es la lista de los nominados a los Goya 2012 en las principales categorías:

MEJOR PELÍCULA

Blackthorn
La piel que habito
La voz dormida
No habrá paz para los malvados

MEJOR DIRECTOR

Pedro Almodóvar (La piel que habito)
Mateo Gil (Blackthorn)
Enrique Urbizu (No habrá paz para los malvados)
Benito Zambrano (La voz dormida)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Woody Allen (Midnight in Paris)
Miguel Barros (Blackthorn)
Sergi Belbel, Cristina Clemente, Martí Roca, Aintza Serra (Eva)
Michel Gaztambide, Enrique Urbizu (No habrá paz para los malvados)

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Pedro Almodóvar (La piel que habito)
Icíar Bollaín (Katmandú, un espejo en el cielo)
Ángel de la Cruz (Arrugas)
Ignacio del Moral, Benito Zambrano (La voz dormida)

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL

Elena Anaya (La piel que habito)
Inma Cuesta (La voz dormida)
Verónica Echegui (Katmandú, un espejo en el cielo)
Salma Hayek (La chispa de la vida)

MEJOR ACTOR PRINCIPAL

Antonio Banderas (La piel que habito)
Daniel Brühl (Eva)
José Coronado (No habrá paz para los malvados)
Luis Tosar (Mientras duermes)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Pilar López de Ayala (Intruders)
Goya Toledo (Maktub)
Maribel Verdú (De tu ventana a la mía)
Ana Wagener (La voz dormida)

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Raúl Arévalo (Primos)
Juanjo Artero (No habrá paz para los malvados)
Juan Diego (23-F)
Lluís Homar (Eva)

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

Alba García (Verbo)
Michelle Jenner (No tengas miedo)
María León (La voz dormida)
Blanca Suárez (La piel que habito)

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

Marc Clotet (La voz dormida)
Jan Cornet (La piel que habito)
Adrián Lastra (Primos)
José Mota (La chispa de la vida)

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL

Paco Arango (Maktub)
Eduardo Chapero-Jackson (Verbo)
Kike Maíllo (Eva)
Paula Ortiz (De tu ventana a la mía)

MEJOR PELÍCULA EUROPEA

Jane Eyre (Cary Fukunaga)
Melancholia (Lars von Trier)
The artist (Michel Hazanavicius)
Un Dios salvaje (Roman Polanski)

"The Dark Knight Rises" y "El Hobbit": los trailers más esperados

2011-12-21T12:43:00.000+01:00

Las navidades son unas fechas propicias para los grandes estrenos, pero también para adelantar los títulos más esperados que nos esperan en el futuro. La taquilla de 2012 ya empieza a calentar motores con las primeras imágenes de dos de las películas más esperadas, a falta de que a finales de esta misma semana podamos ver el trailer de Prometheus, lo último de Ridley Scott.

El próximo verano podremos ver El caballero oscuro: la leyenda renace (The Dark Knight Rises, 2012), el cierre de la trilogía que ha firmado Christopher Nolan sobre el personaje de Batman, y que alcanzó cotas de auténtica excelencia con la anterior entrega en 2008, con ese inolvidable Joker interpretado por el tristemente desaparecido Heath Ledger. De nuevo Christian Bale se enfunda el apretado traje del hombre murciélago, y le vuelven a acompañar su inseparable Alfred (Michael Caine), el comisario Gordon (Gary Oldman) y el viejo Lucius Fox (Morgan Freeman). Se añaden al elenco Tom Hardy como el villano Bane, Joseph Gordon-Levitt y las femmes fatales de la función Marion Cotillard (¿no es el cast de Origen casi clavado?) y Anne Hathaway, la nueva Catwoman. El trailer, juzgadlo vosotros mismos, pone los dientes muy largos.

Algo más tarde (de cara a la Navidad de 2012) llegará a nuestros cines la primera entrega de la precuela de El Señor de los Anillos, que llevará por título El Hobbit: Un viaje inesperado (The Hobbit: An Unexpected Journey, 2012). Una década después de la mítica trilogía basada en la obra magna de J.R.R. Tolkien, Peter Jackson vuelve a emprender el enorme reto de llevar a la pantalla lo que le pasó al Anillo de Poder antes de que Frodo y sus amigos recibieran la misión de destruirlo. Martin Freeman interpreta a Bilbo Bolsón (tío de Frodo), quien acompañado de un grupo de enanos tendrá que recuperar un tesoro robado por el dragón Smaug. Repiten sir Ian McKellen como Gandalf, Orlando Bloom como Legolas, Cate Blanchett como Galadriel o Hugo Weaving como Elrond, entre otros. Y, por supuesto, el gran Andy Serkis en la piel (digital) de Gollum.

La segunda parte de esta nueva saga llegará a nuestros cines en la Navidad de 2013, tanto en 2D como en 3D. De momento, habrá que conformarse con el primer poster y el primer trailer:

La "suecada" de Michel Gondry

2011-12-19T13:30:00.001+01:00

Aunque desconozco si algún diccionario de cine "serio" recoge el término, la "suecada" (sweded) es un concepto que está adquiriendo cada vez más éxito. Consiste en una especie de remake de una película de éxito, pero con la peculiaridad de estar realizado de forma totalmente casera, artesanal, cachonda y divertida. Y sobretodo desde una perspectiva de reverencia y homenaje hacia el film en cuestión.

En esa gran película que es Rebobine, por favor (Be Kind Rewind, 2008), los personajes recrean con sus propios y escasos medios las grandes películas de la historia del cine para intentar disimular que las han borrado accidentalmente en el videoclub. Pues bien, el director de esa cinta, el siempre inquieto Michel Gondry (La ciencia del sueño, Olvídate de mí) ha recuperado ese espíritu de reelaboración barata de los clásicos para firmar su propia "suecada" de Taxi Driver (1978), uno de los films más icónicos de Martin Scorsese y Robert de Niro. Concebida para ser proyectada antes de los pases de Hugo (la nueva película de Scorsese que supone su primera incursión las tres dimensiones), la suecada dirigida y protagonizada por el propio Gondry rezuma originalidad, humor y cariño por el film original. Un auténtico disfrute.

El viaje de Chihiro: la materia de los sueños

2011-12-18T10:42:00.003+01:00

Dice mucha gente que las películas de dibujos animados son para niños. Pues bien, o soy un niño o mucha gente está equivocada. Hay ocasiones en las que la animación es el único medio para expresar una belleza que resultaría imposible encontrar en el mundo real. Porque en el mundo real, en el planeta Tierra, no existen esos lugares ni esas criaturas que el genio Hayao Miyazaki nos muestra en cada una de sus obras.

Creo que he visto El Viaje de Chihiro (Sen To Chihiro no Kamikakushi, 2001) las veces suficientes como para que cada vez me guste más. Y lo curioso es que es una película que puedes verla varias ocasiones y en cada una puedes disfrutar de algo distinto. Me explico:

Para quienes simplemente deseen deleitarse con las imágenes que puede ofrecer una pantalla, perfecto. El Viaje de Chihiro es un ejemplo perfecto de lo que la animación en dos dimensiones puede ofrecer. Se me ocurren pocos films (y la mayoría de los que se me ocurren también son de Miyazaki) en los que la fuerza y la belleza de las imágenes pueden llegar a estremecer. No son sólo los paisajes y los escenarios, sino también los personajes, las criaturas salidas de la mente del genio que nos transportan a otra dimensión, a otro plano del universo en el que lo real y lo imaginario se funden de una manera que hace que tu cerebro y tus sentidos se encuentren absolutamente embotados, y te des cuenta de que han pasado dos horas y no has pestañeado.

Habrá otros, que superado el impacto inicial de la belleza que destila la película por todos sus poros, disfrutarán de la historia que narra. Una niña, Chihiro, que viaja con sus padres camino de su nueva casa, se ve de repente en un extraño mundo de fantasía en el que sus padres se han convertido en cerdos. Su única esperanza, alimentada por un extraño muchacho, es convencer a Yubaba, la malvada bruja que gobierna ese mundo de que libere a sus padres del hechizo y los devuelva junto a ella a su mundo. Durante el desarrollo del film, Chihiro traba amistad con distintos personajes, con el denominador común de que todos ellos son tan extraños como fascinantes.

Pero el verdadero disfrute de El Viaje de Chihiro, además de todo lo mencionado anteriormente, está en ver el transfondo que se esconde detrás de las imágenes. La película, ante todo, es un canto al amor y al respeto a la Naturaleza. Si en La Princesa Mononoke (otra obra maestra de Miyazaki) los protagonistas eran los bosques, en este caso los protagonistas son los ríos, masacrados por la acción del hombre. Es tremenda la escena en la que le extraen a un supuesto "Dios Pestilente" una cantidad ingente de basura que llevaba incrustada en su cuerpo. El asqueroso Dios Pestilente no era más que un río al que se había arrojado todo aquello que sobra, llenándolo de inmundicia e hiriéndolo de muerte. La alusión a la contaminación es también evidente. El mundo inundado que contempla Chihiro desde su balcón no es más que el mundo inundado que nos espera cuando se derritan los casquetes polares debido al calentamiento global provocado por la emisión de gases tóxicos a la atmósfera. En este mundo globalizado, en el que a todos se nos agrupa en grupos definidos, la individualidad se pierde en favor de la colectividad. El propio nombre está en peligro. Robar el nombre de la gente es la manera que tiene Yubaba de controlar a sus súbditos e impedirles que escapen. A Miyazaki no se le escapa este detalle, como tampoco se le escapa una pequeña crítica al consumismo. Los padres de Chihiro comen indiscriminadamente lo que encuentran, que resulta ser la comida ajena. El resultado: se convierten en cerdos. Y esto es de mi cosecha: igual me estoy volviendo loco, pero diría que el monstruo Sin Cara que devora a los empleados de los baños públicos tiene una forma sospechosamente similar al de una botella de Coca-Cola...

En resumidas cuentas, El Viaje de Chihiro puede verse de formas muy distintas. Pero ya sea para pensar, para discernir el significado de aquello que se esconde tras la bobina de celuloide, o bien para simplemente disfrutar con lo que estamos viendo, se trata de una experiencia única que el maestro de la animación japonesa nos brinda. Un viaje que nos llena de esperanza. Tal vez el mundo no sea un lugar tan terrible, al fin y al cabo. Ojalá nunca olvidemos nuestros nombres.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Sen to Chihiro no kamikakushi País: Japón Año: 2001 Dirección: Hayao Miyazaki Guión: Hayao Miyazaki Fotografía: Atsushi Okui Montaje: Takeshi Seyama Dirección artística: Yôji Takeshige Música: Joe Hisaishi Duración: 125 minutos

GALARDONES

1 Oscar (2003): Mejor film de animación
Festival de Berlín (2002): Oso de Oro

Estrenos de la semana: 2 de diciembre

2011-12-02T11:50:00.001+01:00

Si es verdad lo de que segundas partes nunca fueron buenas, mejor no acercarse por las salas de cine este fin de semana, puesto que la cartelera llega repleta de secuelas, más o menos innecesarias. Pero también hay opciones para los que quieran pasar un rato de entretenimiento, e incluso para los que les apetezca pensar un poco o asistir de nuevo al carnaval humano. Empecemos el repaso a la cartelera:

Los fans de la ciencia-ficción y de los films futuristas tienen donde elegir esta semana. Los que tiren más hacia las distopías futuristas (o el público adolescente en general, dado el reparto) seguramente acudan a In time (2011), el esperado regreso a la dirección de Andrew Niccol, un director poco prolífico (cuatro largometrajes en catorce años) pero que despertó mucha admiración cuando debutó con Gattaca (1997). Si en aquella ocasión el futuro se presentaba como un lugar en el que los seres humanos eran seleccionados genéticamente y discriminados en base a su código genético, esta vez nos encontramos ante un porvenir en el que el tiempo se ha convertido en moneda de cambio para conseguir alargar la vida. Así, los ricos pueden vivir eternamente mientras que el pueblo llano se ve obligado a trapichear para seguir con vida. Justin Timberlake (cada vez más dedicado al cine y menos a la música) y Amanda Seyfried son la atractiva pareja protagonista de este film con reminiscencias de La isla o La fuga de Logan.

Los que opten por la típica historia de lucha y superación en el mundo del deporte con un transfondo sentimental tienen su gran oportunidad ante Acero puro (Real Steel, 2011), película que (sorprendentemente) ha tenido una gran acogida en EE.UU. donde ha liderado la taquilla durante varias semanas. En un futuro en el que el boxeo ya no se compite entre seres humanos sino entre robots, un antiguo púgil venido a menos (Hugh Jackman) intenta volver a la cumbre con un robot que ha sacado del desguace para demostrar su valía ante su hijo. Es decir, que si metes en una coctelera Rocky, Transformers y The Champ puede salir algo parecido a este Acero Puro que puede tanto seguir su racha triunfal entre el público (que no entre la crítica) como salir escaldada. Dirige Shawn Levy, hasta ahora especialista en comedias "para toda la familia" (Doce en casa, Noche en el museo).

Ahora bien, estas dos propuestas estadounidenses tendrán una dura pugna contra Fuga de cerebros 2, (2011), la ¿esperada? secuela del film de 2009 que tuvo una buena acogida popular pese a sus escasas aspiraciones. En esta ocasión hay nuevo director (el debutante Carlos Therón), nuevo protagonista (Adrián Lastra) y nueva universidad, pasando de Oxford a Harvard. Los que vayan a verla ya saben lo que se puede esperar: humor grueso, chistes visuales, algo de carne y un cameo de David Hasselhoff. Es decir, elementos de sobra para los que consideran un botellón como la forma máxima de entretenimiento y cultura.

Además de la Fuga de cerebros, otras dos secuelas desembarcan en los cines este fin de semana, aunque destinadas a un público más infantil. De Australia llega Happy Feet 2 (2011), segunda parte de las aventuras de los pingüinos que se llevaron el Oscar al mejor largo de animación en 2006. Y de Alemania aterriza (o más bien atraca) Vicky el Vikingo y el Martillo de Thor (Wickie auf grosser Fahrt, 2011), regreso del televisivo pequeño vikingo, esta vez con la misión de rescatar a su padre, secuestrado por Sven "el Terrible".

Los que busquen una sala sin niños y adolescentes hormonados también tienen donde elegir. Por ejemplo, la nueva película de Robert Redford, incomprensiblemente titulada en España La conspiración (The conspirator, 2011). Redford recrea el juicio posterior al asesinato de Abraham Lincoln (tema de moda en EE.UU., Steven Spielberg ya está rodando su biografía del famoso presidente encarnado por Daniel Day-Lewis), en el que se detiene a ocho personas acusadas de conspirar para el magnicidio. James McAvoy es el abogado contratado para defender a una de las acusadas (Robin Wright) y destapar los trapos sucios que se esconden tras el proceso. Veremos si un tema tan estadounidense como la muerte de Lincoln es capaz de atraer al público español.

Los fans de Mia Wasikowska están (estamos) de enhorabuena. La protagonista de la Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton se ha hecho un poco más mayor y se permite hacer doblete en nuestras pantallas. Su presencia etérea se hace protagonista de Restless (2011), la última película del irregular Gus Van Sant (Mi Idaho privado, Elephant) en la que un joven cuya principal afición es acudir a entierros de desconocidos (¡!), interpretado por Henry Hopper (hijo de Dennis Hopper), conoce en uno de ellos a una chica con una enfermedad terminal (Wasikowska) con la que inicia una peculiar relación. La mayoría de críticos señalan que entre los altibajos de la producción de Van Sant a esta película le corresponde la parte de los "bajos". Habrá que verla para comprobarlo.

La actriz australiana de origen polaco protagoniza también Jane Eyre (2011), nueva adaptación del clásico de Charlotte Brönte que aguanta como pocos el paso de los años. Wasikowska da vida a Jane Eyre, una joven de origen humilde que entra a trabajar al servicio del señor Rochester (Michael Fassbender, otro actor con el don de la ubicuidad), iniciándose entre ellos una relación tan apasionada como complicada. Completan un gran reparto Judi Dench, Jamie Bell y Sally Hawkins, y dirige el casi desconocido Cary Fukunaga.

Finalmente, los estrenos de la semana se completan con la propuesta cubano-española Afinidades (2010). Vladimir Cruz y Jorge Perugorría dirigen y protagonizan este drama donde los protagonistas buscan en el sexo la evasión de sus problemas existenciales. También tenemos El verano de Martino (L'estate di Martino, 2010), film italiano dirigido por Massimo Natale y protagonizado por un adolescente que en el verano de 1980 vive el paso de la niñez a la madurez descubriendo el primer amor y la pasión por el surf, inculcada por un veterano soldado estadounidense (Treat Williams).

Kubrick y la Gran Manzana

2011-12-01T11:57:00.001+01:00

Antes de convertirse en uno de los mejores (si no el mejor) directores de la historia del cine, Stanley Kubrick (Nueva York, 1928) se ganaba la vida como fotógrafo. En 1945 empezó a trabajar para la revista Look, hasta que en 1950 dejó el oficio para dedicarse a la dirección.

El resto de la historia es de sobras conocido. Después de las semidesconocidas joyas Fear and Desire (1953) o El beso del asesino (1955), Kubrick empezó a parir una obra maestra tras otra, desde Senderos de gloria (1957) hasta Eyes wide shut (1999), pasando por Espartaco (1960), Lolita (1962), ¿Teléfono rojo?: volamos hacia Moscú (1964), 2001: una odisea del espacio (1968), La naranja mecánica (1971), Barry Lyndon (1975), El resplandor (1980) o La chaqueta metálica (1987). Películas cuyas imágenes están en el imaginario colectivo de varias generaciones y que han influido inevitablemente a todo aquel que ha soñado con hacer cine.

Ahora, la tienda VandM (gracias a @Horasperdidas por el enlace) ha puesto a la venta un buen puñado de fotografías realizadas por el propio Kubrick a finales de la década de 1940, retratando la vida cotidiana (con sus luces y sombras) de su Nueva York natal. Una pequeña rareza para el disfrute de todos los que somos incondicionales del más grande.

La galería completa de fotos la podéis ver en este enlace

Cinco metros cuadrados: el amor en los tiempos de la especulación

2011-11-28T12:38:00.001+01:00

Una de las cualidades más reconocibles y valiosas del cine es su capacidad de reflejar la realidad de su tiempo, a través de una aproximación que si bien puede producirse con una variada gama de géneros, ha encontrado en el llamado "drama social" su vehículo de expresión más directo y contundente. En España tenemos muy buenos ejemplos de esta tendencia (Fernando León de Aranoa, por ejemplo), por mucho que todavía haya quien se empeñe en menospreciar esta concepción del cine y pretender convertirla en el único modelo existente cuando la realidad dice que el cine español vive un momento de innegable expansión hacia otros géneros menos transitados pero en los que se han alcanzado cotas de calidad muy respetables.

Dicho esto, la extremadamente compleja situación económica que vive nuestro país (y todo el mundo occidental) venía demandando un acercamiento por parte del cine, muchas veces la mejor vía de reconocimiento e identificación con la realidad. En EE.UU. ya se han encargado de intentar explicar los orígenes de la crisis financiera con documentales como Inside Job (Charles Ferguson, 2010) o ficciones "basadas en hechos reales" como Margin Call (J.C. Chandor, 2011), pero faltaba trasladar la angustia de la situación a un plano individual, cotidiano y palpable.

Es en esta línea donde se enmarca Cinco metros cuadrados (2011), la gran triunfadora del último Festival de Málaga y la segunda película importante del director Max Lemcke tras Casual Day (2007). En ambas, el director coloca a sus personajes a ras de suelo, debatiéndose entre sus problemas cotidianos y tratando de resolverlos en un entorno surrealista y hostil. En el caso de Cinco metros cuadrados, la película narra el descenso a los infiernos de una pareja (Fernando Tejero y Malena Alterio) después de que una serie de circunstancias les impidan acceder a la vivienda en la que habían depositado sus sueños de futuro. Ese es precisamente el gran drama del film, comprobar cómo la vida se puede ir desmoronando poco a poco como un castillo de naipes por una situación que no entiendes y que además carece de sentido. Una situación que, desgraciadamente, han sufrido cientos de personas en sus propias carnes en los últimos años.

Escrita a cuatro manos por los hermanos Daniel y Pablo Remón, la película se sostiene gracias un guión muy acertado que introduce las dosis exactas de comedia dentro del tono dramático general, pero especialmente gracias a las interpretaciones de los protagonistas (seguramente reconocidas en los próximos Goya). Fernando Tejero lleva todo el peso de la función, bordando un papel muy alejado de lo que nos tiene acostumbrados y transmitiendo a la perfección el deterioro tanto físico como psicológico de un personaje que llega al límite. Malena Alterio, aún con menos protagonismo, vuelve a trazar esa imagen de chica corriente, perdedora, mientras que Emilio Gutiérrez-Caba y Manuel Morón clavan toda la inquina propia de unos personajes (constructor y concejal) que no tienen escrúpulos en disfrutar de una vida llena de lujos mientras aquellos a los que han engañado pelean hasta la última gota de su sangre por encontrar algo de dignidad a sus vidas.

La dignidad es precisamente un motivo principal en el film, la última tabla de salvación de unos personajes que lo han perdido todo (dinero, familia, amor, trabajo). La última victoria de Álex (Tejero), tan pírrica como inútil, es el único rayo de luz en una historia que avanza hacia la oscuridad. Si bien el principio de la película puede hacer creer que estamos en una especie de revisión de los clásicos de Berlanga o Ferreri (El verdugo, El pisito), con toques de humor surrealista y situaciones kafkianas, lo cierto es que conforme avanza el metraje desaparecen las sonrisas y todo se torna oscuro, desesperanzador, conduciendo hacia un final tan cruel como inevitable.

Si aquellas magistrales películas de Berlanga y Azcona eran reflejo de los esfuerzos de la gente normal por abrirse camino en la España del principio del aperturismo en época franquista, Cinco metros cuadrados puede convertirse con el tiempo en la avanzadilla de un cine que trate de los estragos causados por la avaricia, la indignidad y la usura que han provocado la situación en la que hoy nos movemos, y en la que el cine (como siempre) siempre tendrá mucho que decir.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Cinco metros cuadrados País: España Año: 2011 Dirección: Max Lemcke Guión: Daniel Remón, Pablo Remón Fotografía (Color): José David Montero Montaje: Laurent Dufreche, Ascen Marchena Dirección artística: Javier Fernández Música: Fernando Velázquez Duración: 91 minutos Intérpretes: Fernando Tejero (Álex), Malena Alterio (Virginia), Emilio Gutiérrez-Caba (Montañés), Manuel Morón (Arganda), Jorge Bosch (Carlos), Secun de la Rosa (Nacho)

GALARDONES

Festival de Málaga (2011): Mejor Película, Mejor Actor (Fernando Tejero), Mejor Actor Secundario, Mejor Guión, Premio de la crítica

Amanecer: Murnau engrandece el melodrama

2011-11-18T23:41:00.001+01:00

Un intertítulo al comienzo del metraje ya nos pone sobre aviso. Dice algo así como "igual que el Sol, que sale y se pone todos los días, ya sea en la ajetreada ciudad o en el amplio cielo del campo, la vida es siempre lo mismo. A veces amarga, a veces dulce". Y tiene razón, para qué nos vamos a engañar.

Esta es la premisa que Amanecer (Sunrise: A Song of Two Humans, 1927) lleva hasta la exageración en hora y media de película. Melodrama y comedia a partes casi iguales, pasando de una situación a otra sin solución de continuidad, y mostrando las dos caras de la vida de una manera extrema, sin medias tintas. Así, el primer tercio del film es un drama puro, sin concesiones. Una pareja de granjeros ve amenazada su felicidad cuando aparece una sofisticada mujer de la ciudad que seduce al marido y le insta a matar a su esposa y largarse con ella a la ciudad. El marido (George O'Brien), cegado por el deseo, se lleva a su esposa (Janet Gaynor) a pasear en barca por el lago y allí intenta matarla. Pero en el último momento se arrepiente, aunque llegados a tierra y como es lógico su esposa huye de él en vista del percal. Él la persigue arrepentido y, en una secuencia plena de azúcar en una boda ajena, se da cuenta de cuanto la ama y de la locura que ha estado a punto de hacer.

A partir de ahí empieza a verse un tono completamente distinto. Los granjeros están en la ciudad, ya reconciliados, y van a disfrutar de su nueva situación con todo lo que la ciudad pueda ofrecerles. Estamos en la América previa al crack del 29, es decir, en los últimos coletazos de los felices Años 20. Así, los protagonistas deambulan en un solo día por todos los sitios a los que al resto de humanos nos cuesta meses visitar. Pasan por el salón de belleza, por la feria, la floristería, la sala de baile, etc. Con esta excusa, la película viaja por terrenos muy cercanos al slapstick más puro, y por situaciones divertidísimas como la escena del cerdito que se escapa de la feria y acaba emborrachándose.

Pero claro, no todo puede ser tan maravilloso. La película necesita cerrar el círculo y acabar como empezó, o sea, con dramazo. Los amantes regresan a su granja en la misma barca que estuvo a punto de convertirse en escena de un crimen, totalmente reconciliados y enamorados, pero en ese momento se desata una tormenta que les hace naufragar y que, ironías de la vida, parece provocar la muerte de la esposa. Sin embargo, no podemos olvidar donde estamos, y la magia de Hollywood se encarga de salvarla in extremis y poner finalmente al marido a sus pies, previa humillación de la mujer de la ciudad que tiene que regresar por donde vino porque el hombre la rechaza violentamente. Así se cierra el ciclo de alegrías y tristeza que pretende mostrar Amanecer.

Esta película podría haber sido un melodrama más de no ser porque detrás de las cámaras está F.W. Murnau, quizá uno de los mejores directores de la historia del cine mudo, autor entre otras muchas joyas de Nosferatu (1922), El Último (1924) o Fausto (1926). Estos son títulos imprescindibles del cine mudo alemán y europeo, adscritos aunque sea de soslayo al expresionismo, en los que prima el juego de luces y sombras y la oscuridad del argumento y la puesta en escena. Como ocurre con casi todos los grandes directores europeos, Murnau recibió una oferta de Hollywood para trabajar en la soleada California, en este caso de la Fox. El director alemán aceptó dirigir Amanecer, y con su toque convirtió un melodrama sencillo en una gran película. En su carrera europea, Murnau ya había demostrado que dominaba a la perfección los mecanismos del cine, y que aspectos como el montaje paralelo, los efectos de sonido, los movimientos de cámara (la llamada "cámara desencadenada") o las sobreimpresiones (que en Amanecer abundan con gran acierto) eran ya moneda corriente en su cine. De este modo, la película adquiere un aspecto "moderno" para la época en la que está filmada (recuerdo que estamos en 1927), y de algún modo continua con el gusto de Murnau de relatar historias mediante la imagen y no por el abuso de intertítulos, que son realmente escasos. A pesar de la calidad del film, no fue ni mucho menos un éxito de taquilla, y Murnau apenas rodaría tres películas más hasta su prematura muerte en 1931. Un claro ejemplo de director europeo genial que pierde su chispa cuando se marcha a la fábrica de sueños. Afortunadamente, Amanecer es una isla dentro de esta mediocridad.

Lo que me queda por saber, y no sabré nunca, es qué hubiera pasado si Murnau hubiera rodado el final que le hubiera gustado. Conociendo un poco su cine, dudo que el film acabara con un beso redentor de los protagonistas tras haber superado todas las dificultades. Quizá hubiera cerrado la película con la muerte de la esposa, y con el tormento del marido. ¿Así tiene más gracia no?. Pero estamos en Hollywood, y dentro de Hollywood estamos en el MRI, por lo que existe ese gran enemigo del cine que es el "final compensatorio", el que pone a todos los personajes en su sitio. Así, era obvio que la púa mujer de la ciudad iba a salir por piernas y que la parejita protagonista (más después de haberse reconciliado en una iglesia) acabaría reconciliada y disfrutando de un nuevo amanecer. En fin, así es la vida, a veces dulce y a veces amarga, pero siempre sin sentido. Excepto en la soleada California.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Sunrise: A Song of Two Humans País: EE.UU. Año: 1927 Dirección: F.W. Murnau Guión: Hermann Sudermann Fotografía (B/N): Charles Rosher, Karl Struss Montaje: Harold D. Schuster Dirección artística: Rochus Gliese Duración: 94 minutos Intérpretes: George O'Brien, Janet Gaynor, Margaret Livingston, Bodil Rosing, J. Farrell MacDonald, Ralph Sipperly

GALARDONES

3 Oscar (1929): Mejor Actriz Principal (Janet Gaynor), Mejor Fotografía, Mejor Película
1 Nominación al Oscar (1929): Mejor Dirección Artística

Oldboy: la apoteosis de la venganza

2011-11-17T12:38:00.001+01:00

Un hombre es secuestrado y encerrado sin motivo aparente durante 15 años. Durante su cautiverio sus raptores le drogan, le hipnotizan y someten su mente a todo tipo de torturas (ejemplificadas en la televisión, curiosamente). Posteriormente, el preso es liberado con un único objetivo: intentar que averigüe por todos los medios quién fue quien lo encarceló y con qué razón.

Con esta premisa se presenta Oldboy (2003), película del director del díptico sobre Mr. Vengance, el coreano Park Chan-wook, basada en el manga del mismo nombre escrito por Garon Tsuchiya y dibujado por Nobuaki Minegishi. Un viaje sin retorno por la psique del ser humano contada con una rotundidad visual y estilística muy difícil de superar. Conforme avanza la película nos damos cuenta de que lo que va a pasar no va a ser fácil de digerir, y en eso precisamente reside su grandeza. A modo de tragedia griega nos sumergimos en el mundo de la venganza en mayúsculas.

Porque Oldboy es una historia de venganza, pero es también un canto al amor sin ataduras, sin tabúes. Dos historias de amor al límite de lo prohibido y lo antinatural, que en el film desatan los acontecimientos y provocan las situaciones más extremas que el ser humano es capaz de hacer. Es un ejercicio de exploración de lo más recóndito de la mente humana en situaciones límite. ¿Cómo reaccionar después de 15 años privado de libertad?. Para el director no hay duda, el deseo de venganza es más fuerte que ningún otro sentimiento. Pero en este caso no es una venganza natural, sino que está inducida por el propio secuestrador, convencido que la peor tortura que el protagonista puede sufrir es conocer el motivo de su cautiverio. Porque el protagonista, Oh Dae-Su, no es sino la creación que su raptor ha realizado. Es él quién ha convertido a un hombre borracho, pendenciero y rechoncho en una auténtica máquina de matar, con el objetivo de que llegue hasta el final de su venganza, con las consecuencias que ello supone. El final de la película (una catarsis realmente memorable) nos deja con un regusto amargo, sin saber si merece realmente la pena vengarse de quien nos ha hecho daño, o si por el contrario el deseo de venganza nos consume hasta hacer de nosotros simples bestias.

Visualmente, Oldboy sigue la estela del cine oriental que marca la pauta de las películas de género de principios del siglo XXI : directo, impactante, excesivo, sin complejos. Nada está prohibido en este tipo de cine, desde la automutilación hasta la tortura más salvaje. Pero la verdadera violencia no es tanto la que se ve, sino la que podemos intuir. No llega a ser explícita pero en ocasiones puede hacer que te tapes la cara sólo imaginando lo que puede llegar a ocurrir. Pero hay también en Oldboy momentos para la sonrisa e incluso la carcajada, característica también propia del cine llegado desde el Extremo Oriente (Takashi Miike que estás en los cielos).

En definitiva, en Oldboy se nos ofrece un paseo por todas las miserias y los miedos del ser humano, aderezado por una grandeza visual y un estilo de rodar (la escena del travelling en el túnel es sencillamente maravillosa) que justifican plenamente los premios que la cinta recibió en Cannes. Ver Oldboy es algo que todo ser humano y no humano debería hacer al menos una vez en la vida. Es como ir a La Meca, pero despeinado, con un martillo en la mano y con pulpo vivo en el menú. Oh Dae-Su, te queremos.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Oldeuboi País: Corea del Sur Año: 2003 Dirección: Park Chan-wook Guión: Hwang Jo-yun, Lim Chung-hyeong, Park Chan-wook, a partir del cómic de Nobuaki Minegishi y Garon Tsuchiya Fotografía (Color): Chung Chung-hoon Montaje: Kim Sang-beom Diseño de producción: Ryu Seong-hye Duración: 120 minutos Intérpretes: Choi Min-sik (Oh Dae-su), Yu Ji-tae (Lee Woo-jin), Kang Hye-jeong (Mi-do), Ji Dae-han (No Joo-hwan), Oh Dal-su (Park Cheol-woong), Kim Byeong-ok (Mr. Han)

GALARDONES

Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes (2004). Nominada a la Palma de Oro
Mejor película en el Festival de Sitges (2004)

Se busca presentador (y productor) para los Oscars

2011-11-09T23:28:00.002+01:00

En estos tiempos en los que toda declaración pública se mira con lupa y en donde lo políticamente incorrecto sigue estando bajo sospecha, un desafortunado comentario ha provocado la dimisión del productor de la gala de los Oscars 2012 Brett Ratner, y de paso la del que iba a ser presentador de la misma, un Eddie Murphy que estaba ante una buena oportunidad de relanzar su carrera.

Todo comenzó hace unos días, cuando el lenguaraz Ratner (del que se esperaba que diera un toque más "juvenil" a la gala) declaró que "los ensayos son para maricones". Como era de esperar, las reacciones ante la frase no tardaron en aparecer, tanto desde representantes del colectivo gay como algunos actores que vieron herido su amor propio y puesto en entredicho su celo laboral. Ante tantas presiones, el propio Ratner se vio obligado a emitir un comunicado pidiendo disculpas por sus palabras y presentando su dimisión como máximo responsable de los Oscars.

Este desliz del director de la saga Hora Punta o Un golpe de altura ha traído esta tarde otro daño colateral: la dimisión de Eddie Murphy, quien iba a ser el conductor de la gala. Murphy ha renunciado en virtud de su amistad con Ratner, por lo que ahora mismo la entrega de premios más importante del mundo del cine se encuentra sin timón y sin presentador a pocos meses de su celebración. Ya ha empezado el baile de posibles candidatos para sustituir a Murphy, con nombres como Ricky Gervais o Neil Patrick Harris. Veremos quien se acaba enfundando el esmoquin.

Sin perdón: el ocaso de los héroes

2011-11-07T17:30:00.000+01:00

Cuando uno ha sido uno de los principales impulsores de un género cinematográfico (cuando no el único continuador, en algun momento), tiene todo el derecho del mundo a subvertir sus normas y sus lugares comunes. Así que, con toda la razón, Clint Eastwood dio la vuelta al género más genuinamente americano del cine, el western, en Sin Perdón (Unforgiven, 1992).

El western es el único género cinematográfico que tiene sus raíces en los Estados Unidos, y se ha convertido por derecho propio en parte de la idiosincrasia de aquel país, en un auténtico creador de mitos de conquista y de superación. Las películas del Oeste tuvieron su apogeo ya en los primeros años del cinematógrafo, y alcanzaron su punto álgido en la década de los 30 y los 40, con nombres míticos como John Ford, Howard Hawks, John Wayne o Gary Cooper, entre muchos otros. A partir de la segunda mitad del siglo, el cine tomó otros derroteros, y el western fue el género más sacrificado. Con inevitables excepciones, no sería hasta finales de los 60 y principios de los 70 cuando directores como Sam Peckinpah o Sergio Leone intentaron revitalizar el western (cada uno a su peculiar manera), un género que se ha mantenido hasta nuestros días de forma irregular, y muy frecuentemente mezclado con otros géneros.

En estos principios de los 70 es cuando aparece el Clint Eastwood director. El Clint Eastwood actor ya había aparecido en la "Trilogía del dólar" (Por un Puñado de Dólares (1964), La Muerte tenía un Precio (1965), El Bueno, el Feo y el Malo (1966)), precisamente a las órdenes de Leone. Los primeros westerns de Eastwood son importantes en tanto en cuanto crean un universo particular, de pistoleros solitarios y venganzas casi mitológicas. De ahí la importancia de una película como Sin Perdón, rodada en un año casi anacrónico para el western como 1992. El principal valor de este film reside en que subvierte la imagen y la esencia de un género que el propio Eastwood había contribuido a formar.

En los western "típicos", ya sea en la Trilogía del Dólar, o en Infiero de Cobardes (1973), o El Jinete Pálido (1985), la muerte se convierte en un acto casi heroico. Es matar o morir, apretar el gatillo antes de que lo haga tu oponente. Esto otorga una pátina de heroicidad al propio acto de matar, más allá de los motivos que lo provocan (generalmente una venganza o, al menos, una recompensa). Sin embargo, la principal conclusión de Sin Perdón es que no hay nada heroico en el hecho de quitar la vida. Matar a gente que lo merecía ya no es honroso, sino más bien patético. Lo demuestra el asesinato de los dos forajidos que habían ultrajado a las prostitutas al principio de la película, lo que desencadena la trama. Will Munny (Eastwood) y sus compañeros acaban con ellos de la manera más cobarde, disparándoles desde un escondite en la montaña o (en el colmo de la deshonra) incluso cuando están cagando. Esa es la moraleja más impactante de la película, materializada en su personaje principal, Will Munny. Munny es un antiguo forajido (¿el Josey Wales de El Fuera de la Ley (1976)?), cuya esposa le ha apartado de la senda de la violencia, y que al principio de la película cuida de su pequeña granja y de sus dos hijos. En estas primeras escenas vemos al antiguo pistolero, ya viejo y achacoso, ser arrastrado por sus cerdos, caer de bruces en el lodo y ser incapaz de acertar a una lata con su revólver. Es el ocaso del antihéroe que fue en su juventud, que conocemos a través de los relatos de los secundarios (en especial de Morgan Freeman), y que dibujan a un Munny sanguinario e implacable, nada que ver con el vejestorio en el que se ha convertido.

Cuando le llega la oportunidad de conseguir algo de dinero con la recompensa que ofrece un grupo de prostitutas a quien acabe con los dos hombres que rajaron la cara de una de ellas, Munny se ve obligado a renegar de su vida actual y volver a las andanzas del pasado. Toda la película es la lucha de Munny por recuperar su antiguo yo por última vez, para poder dejar de matar para siempre. Claro, que las cosas se complican cuando su compañero Ned Logan (Freeman) es asesinado por el sanguinario sheriff del pueblo, Little Bill Daggett (Gene Hackman). Entonces Munny vuelve a convertirse en el Josey Wales que era capaz de matar a cinco hombres de una tacada, y en una escena totalmente oscura y anticlimática acaba con el sheriff y sus secuaces, antes de pronunciar la mítica frase de "Ahora voy a salir. Como a alguien se le ocurra dispararme lo mataré, y también a su esposa, a sus hijos y a sus amigos, e incendiaré su maldita casa". Ahí vemos como el Munny de su juventud ha regresado por última vez, antes de perderse en el horizonte como en todos los finales de western que se precien.

El esfuerzo de Eastwood por dar la vuelta a toda una mitología del género fue recompensado con cuatro Oscar, entre ellos el de Mejor Película, Director y Actor Secundario (Hackman). Más allá de los reconocimientos, el principal valor de Sin Perdón es su reconocida falta de autocomplacencia, su manera de asumir las miserias humanas en un mundo que fue de héroes y pioneros pero que ahora sólo está poblado por déspotas, cazarrecompensas y demás calaña. Y cuando uno ha pasado de lo primero a lo segundo, lo mejor que puede hacer es calarse el sombrero hasta los ojos, tomar el dinero y alejarse sin decir nada hacia el horizonte.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Unforgiven País: EE.UU. Año: 1992 Dirección: Clint Eastwood Guión: David Webb Peoples Fotografía (Color): Jack N. Green Montaje: Joel Cox Diseño de producción: Henry Bumstead Duración: 131 minutos Intérpretes: Clint Eastwood (Will Munny), Gene Hackman (Little Bill Daggett), Morgan Freeman (Ned Logan), Richard Harris (English Bob), Jaimz Woolvett (The Schofield Kid), Saul Rubinek (W.W. Beauchamp)

GALARDONES

4 Oscar (1993): Mejor película, Mejor Director, Mejor Montaje, Mejor Actor de Reparto (Gene Hackman
5 nominaciones al Oscar (1993): Mejor Actor Principal (Clint Eastwood), Mejor Dirección Artística, Mejor Fotografía, Mejor Sonido, Mejor Guión Original
2 Globos de Oro (1993): Mejor Director, Mejor Actor de Reparto (Gene Hackman)

Estrenos de la semana: 4 de noviembre

2011-11-04T13:51:00.000+01:00

Una semana después de que el fenómeno Tintín arrasara en taquilla convirtiéndose en el estreno de más éxito de lo que llevamos de año, los lanzamientos de esta semana puede que no resulten tan llamativos, aunque sin duda econtramos propuestas más que interesantes.

La película de la que más se ha hablado estos últimos días es Melancolía (Melancholia, 2011), último trabajo del siempre controvertido Lars von Trier. Lo más comentado ha sido la polémica del último festival de Cannes (polémica que, por otro lado, viene de perlas a la promoción de la peli), en la que el director danés acabó dejando caer (más por torpeza que por convencimiento real) cierta simpatía hacia Hitler y el nazismo. Como ya sabemos, esto le supuso la expulsión del festival y ha traído como consecuencia que Von Trier haya decidido no celebrar más ruedas de prensa, por lo que pueda pasar.

Sin embargo, no todo fueron malas noticias en Cannes. La película recibió buenas críticas (en general) y se llevó el premio a la mejor actriz, una Kirsten Dunst en estado de gracia en la que es sin duda la mejor interpretación de su carrera. Melancolía tiene en su contra todos los tics inherentes a su director (grandilocuencia, megalomanía, suficiencia), pero al mismo tiempo presenta una impresionante fuerza visual y propone una interesante y poderosa reflexión sobre la soledad. Bajo el engañoso aspecto de un film de ciencia-ficción (con un planeta a punto de colisionar con la Tierra), Melancolía es un relato lleno de meditación filosófica que hará las delicias de los fans del cine de Von Trier, después del relativo fiasco de Anticristo (2009), polémico film previo del cineasta danés.

De nuestro país llega Verbo (2011), debut en el largometraje de Eduardo Chapero-Jackson, cineasta de prestigio en el mundo del corto. Verbo es una película adscrita al género del fantástico, basada en las vivencias de una joven (la debutante Alba García) en un universo paralelo que sirve de vía de escape a una realidad sin mucho sentido. Más allá de la calidad del film (cuyo principal fuerte es su aspecto visual), cuenta a su favor con el tirón entre el público teen de bellezas como Verónica Echegui y sobretodo del Duque Miguel Ángel Silvestre.

En cuanto al cine made in Hollywood, encontramos propuestas de todos los pelajes. Empezando por la comedia de acción cabe destacar Un golpe de altura (Tower Heist, 2011), film dirigido por Brett Ratner (responsable de la saga Hora Punta) y protagonizado por un sugerente elenco de actores encabezado por Ben Stiller y Eddie Murphy, que planean un atraco a un edificio para vengarse del magnate (un Alan Alda que creíamos desaparecido) que les ha dejado sin trabajo.

Para los fans del género musical y los nostálgicos de los 80 llega Footloose (2011), remake del film homónimo de 1983 (protagonizado por Kevin Bacon) que narra las aventuras de un joven enamorado del rock and roll que llega a un pueblo donde su predicador ha prohibido el baile. Música, bailes y cuerpos sudorosos para quienes echan de menos Flashdance o Dirty Dancing.

Y aquellos que quieran pasar un poco de miedo pueden elegir entre sumergirse en un lago lleno de tiburones (Tiburón 3D: la presa, 2011) o adentrarse en una casa encantada (Detrás de las paredes, 2011). La primera es la mil veces repetida historia de un grupo de jóvenes (con cuerpos perfectos, cómo no) que sueñan con pasar unos días de plácidas vacaciones y ligoteo en un lago, hasta que descubren que está infestado de escualos asesinos, por lo que el principal interés radica en cómo va a morir cada uno de ellos (no en vano el director David R. Ellis es el mismo de la saga Destino final), aderezado además con el 3D para que resulte más impactante. En cuanto a la segunda, viene precedida por un aluvión de críticas negativas respecto a la desganada labor del por otro lado solvente Jim Sheridan (En el nombre del padre, En América) y de su reparto protagonista, encabezado por Daniel Craig, Rachel Weisz y Naomi Watts. Sin ver la película, sorprende la unanimidad de aquellas reseñas que señalan lo aburrido y poco interesante del film.

Finalmente, cabe destacar otra propuesta que también estuvo en el último festival de Cannes, Habemus Papam (2011). La última película de Nanni Moretti (otro autor capaz de dividir a su público entre amantes y detractores sin apenas término medio) tiene la originalidad de presentar a un papa (un soberbio Michel Piccoli) en plena crisis existencial y lleno de dudas que ponen en peligro la integridad de la Iglesia Católica. Del equilibrio entre la seriedad del film y las bromas de Moretti depende en gran parte el éxito que puedan tener esta cinta entre el público.

James Bond #23 ya tiene título

2011-11-03T14:09:00.002+01:00

Por fin sabemos cómo se llamará la 23ª aparición del agente secreto más famoso de todos los tiempos. El nuevo film de James Bond se llamará Skyfall, tal y como se ha confirmado hoy en la rueda de prensa oficial que presentaba la nueva aventura del personaje creado por Ian Fleming.

Por tercera vez, Daniel Craig se enfundará el smoking de Bond tras hacerlo en Casino Royale (2006) y Quantum of Solace (2008). Además, Skyfall volverá a contar con la gran Judi Dench en el papel de M y con la incorporación de nombres como Albert Finney, Ralph Fiennes y Javier Bardem en el esperadísimo papel de villano. También conocimos hace poco a Bérénice Marlohe, la nueva chica Bond.

Tras las cámaras, el oscarizado Sam Mendes ante un reto inédito en su carrera, bastante alejado del estilo de sus mejores películas, American Beauty o Camino a la perdición. Esta vez rodará un guión firmado por John Logan, Neal Purvis y Robert Wade.

Si todo va según lo previsto, Skyfall llegará a los cines el 26 de octubre de 2012.

Estrenos de la semana: 28 de octubre

2011-10-28T10:45:00.000+02:00

Ha llegado el día. La película más esperada de los últimos tiempos ya ha llegado a nuestras pantallas, para probablemente convertirse en el taquillazo más importante de este 2011. Las aventuras de Tintín: el secreto del Unicornio (The adventures of Tintin: secret of the Unicorn, 2011) aterriza en los cines españoles con la aureola del enorme éxito de crítica y público cosechado al otro lado del charco. La primera incursión de Steven Spielberg en la animación (con la inestimable colaboración de Peter Jackson) ha fascinado a todos aquellos que la han visto ya, que no han dudado en señalar que Tintín recupera el aroma del mejor cine de aventuras de los años 80, el mismo que Spielberg se encargó de encumbrar con su saga del arqueólogo Indiana Jones.

Además, la película destaca por su apartado técnico, donde la técnica de motion capture está más conseguida que nunca y respeta además la esencia del cómic creado por Hergé hace más de 80 años. Por tanto, no hay motivo para que los aficionados al personaje, y todos los aficionados al cine en general, no disfruten de esta aventura del pequeño periodista belga, su inseparable perro Milú, el gruñón capitán Haddock y los patosos Hernández y Fernández en la búsqueda de los secretos de un antiguo galeón hundido en el mar. Probablemente pueda ser la experiencia más satisfactoria de la que podamos gozar ahora mismo en una sala de cine.

Pero no sólo de Tintín va a vivir la taquilla esta semana. Rodeada también de mucha expectación llega Eva (2011), el debut en el largo de Kike Maíllo, director surgido de la inagotable cantera del ESCAC que propone un film de ciencia-ficción "de autor", donde los personajes y la historia están por encima de los (por otro lado muy conseguidos y premiados en el Festival de Sitges) efectos especiales. El personaje protagonista (Daniel Brühl) recibe el encargo de construir un niño-robot, y al mismo tiempo entablará una bonita relación con su sobrina Eva (Claudia Vega). En el reparto aparecen también Alberto Ammann, Lluís Homar y Marta Etura.

Muy diferente a las propuestas anteriores, aunque por otro lado favorita a varias nominaciones a los próximos premios Oscar, resulta Criadas y señoras (The Help, 2011). El director Tate Taylor adapta la novela de Kathryn Stockett que narra la historia de una joven universitaria (Emma Stone) que regresa a su ciudad natal en el sur de EE.UU. y se empeña en escribir un libro que cuente las experiencias de las criadas negras, hasta ese momento testimonios mudos de un estilo de vida segregante e injusto. La película se sustenta en las actuaciones de sus protagonistas femeninas, y aporta las dosis justas de comedia y drama con ese toque social que tanto gusta en la academia americana.

La tercera película estadounidense que llega a nuestros es la inevitable (y prescindible) comedia romántica de todas las semanas. Esta vez le toca a Dime con cuántos (What's Your Number?, 2011), protagonizada por una insufrible Anna Faris, quien no encuentra pareja para asistir a la boda de su hermana hasta que se cruza en su camino un atractivo joven (Chris Evans), con quien entabla una extraña relación. Dirige Mark Mylod, curiosamente el realizador de Ali G anda suelto (Ali G Indahouse, 2002).

Del otro lado del Atlántico nos llega también Boleto al paraíso (2011), coproducción entre Cuba, Venezuela y España que nos sitúa en la Cuba de principios de la década de 1990. Allí, se cruzan los caminos de dos personajes (una chica que sufre abusos de su padre y un joven con problemas con la justicia), que juntos emprenderán su particular huída.

En cuanto al cine europeo, destaca El niño de la bicicleta (Le gamin au vélo, 2011), film de los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne que se está presentando ahora mismo a concurso en la sección oficial de la Seminci de Valladolid, y que también se llevó el Gran Premio del Jurado en Cannes. Los hermanos belgas vuelven a trazar una historia íntima y contenida sobre la relación entre el mundo de los niños y los adultos, esta vez en forma de fábula en la que un niño escapa de un hogar de acogida para buscar a su padre.

Finalmente, completan la taquilla otros dos títulos del Viejo Continente. De Francia llega Tímidos Anónimos (Les émotifs anonymes, 2010), dirigida por Jean-Pierre Améris (C'est la vie, 2001). Es una comedia romántica bienintencionada sobre dos personas extremadamente tímidas que se enamoran pero cuyo carácter les impide atreverse a mostrar sus sentimientos. Muy distinta es Semilla de maldad (Szelid Teremtes, 2010), película húngara dirigida por Kornél Mundruczo y que es un desconcertante ejercicio de estilo sobre la redención y la culpa.

Recordad que podéis consultar las fichas de todos los estrenos de la semana en la sección Cartelera

Scorsese se pasa al 3D con "Hugo"

2011-10-25T12:41:00.000+02:00

Lo que el cine en 3D era una moda pasajera ya nadie se lo cree. Muchos de los grandes directores han acogido con naturalidad o incluso con entusiasmo esta nueva manera de concebir el espectáculo cinematográfico. Cada uno en su estilo y con diferentes pretensiones, nombres como James Cameron, Steven Spielberg o Wim Wenders están dando prestigio a un modelo que en principio sólo se concebía como artificio visual vacío de contenido, pero que lleva de camino de dominar los grandes títulos de cine de los próximos tiempos.

El (pen)último a sumarse a la lista de directores de prestigio que se apuntan al 3D es Martin Scorsese. El director de Toro salvaje o Uno de los nuestros está cerca de estrenar en EE.UU. (el 23 de noviembre, aunque a España llegará en enero de 2012) la película La invención de Hugo (Hugo, 2011), adaptación del libro de Brian Selznick que narra las aventuras de un niño que vive en el París de los años 30 y que tiene que resolver un misterio relacionado con el pasado, su padre y un extraño robot.

Es decir, aventuras "para toda la familia" pero aderezadas con un toque de suspense y misterio que pueda hacer al film más digerible para un público adulto. El joven protagonista es Asa Butterfield (El niño del pijama de rayas, 2008), y le acompañan en el reparto nombres como Jude Law, Ben Kingsley, Christopher Lee o Ray Winstone. Parece que los robots vuelven a estar de moda.

El rey león: la monarquía absoluta de Disney

2011-10-20T14:03:00.000+02:00

Si echamos la vista atrás, hay que rendirse a la evidencia de que pocas personas han influido tanto en la manera de entender nuestro mundo como Walter Elias Disney. Otros visionarios como Thomas Alva Edison o los hermanos Lumière fueron capaces de perfeccionar el sistema de proyección de imágenes en movimiento para crear lo que hoy conocemos como el cine. Georges Méliès descubrió su capacidad como espectáculo, D.W. Griffith sentó las bases de la narración fílmica tomando como modelo la novela del siglo XIX, y muchos otros desde entonces han contribuido a perfeccionar esta auténtica máquina de los sueños.

Pero Walt Disney tendrá para siempre reservado un hueco en la historia del cine, al haber sido capaz de llevarlo a unas dimensiones universales, creando una serie de personajes reconocibles en todos los continentes, aunando los anhelos de grandes y pequeños, y contribuyendo decisivamente al establecimiento del cine como producto de consumo de masas, capaz de generar ingresos multimillonarios sin por ello perder un ápice de su capacidad fascinadora.

A finales de la década de 1930, la factoría Disney vivió su primera época dorada. En Hollywood ya estaban establecidos los cánones de lo que hoy conocemos como cine clásico. Había drama, comedia y aventura, películas muy diferentes pero con un rasgo común: estaban dirigidas a un público adulto. Por ello, todos tacharon de loco a Walt Disney cuando anunció que quería ampliar sus horizontes (hasta ahora centrados en los cortometrajes de animación) y hacer un largometraje de dibujos animados destinado a los más pequeños de la casa.

Lo que pasó después es de sobras conocido. Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the Seven Dwarfs, 1937) fue un auténtico bombazo (Oscar incluido), como también lo fueron los siguientes títulos Disney, Pinocho (1940), Fantasía (1940), Bambi (1942) o La Cenicienta (1950). Films que muchas décadas después los niños de todo el mundo (y sus sacrificados padres) siguen viendo una vez tras otra.

Los años posteriores a la II Guerra Mundial no fueron buenos en la factoría. El propio Disney testificó contra algunos compañeros de profesion acusándolos de comunistas durante la triste "caza de brujas" de los años 50. Walt Disney falleció en diciembre de 1966, dejando tras de sí un legado de un valor inmaterial incalculable.

A pesar de que sus sucesores al frente de The Walt Disney Company no cesaron de trabajar durante muchos años, la estrella de la casa de Mickey Mouse parecía haberse apagado. El cine caminaba por unos derroteros muy distintos. El New Cinema americano, con toda su dosis de pesimismo, distaba mucho de la despreocupación y la fantasía de las películas de dibujos animados. Pero todo cambió a principios de la década de 1990, cuando una trilogía de películas inolvidables volvió a poner el cine de Disney en lo más alto de la cadena alimentaria.

La bella y la bestia (Beauty and the Beast, 1991) recoge la inercia positiva que había alcanzado la factoría con La Sirenita (The Little Mermaid, 1989), y en general, todo el auge que había experimentado el cine familiar en la década de 1980 gracias a, entre otros, Steven Spielberg, John Hughes, Joe Dante o Robert Zemeckis. Lejos queda el existencialismo intelectual de la adaptación de Jean Cocteau (1946), siendo la película de Disney un sencillo relato de una historia de amor que supera todas las barreras. En ella, todos los elementos característicos de la marca funcionan a la perfección: los personajes carismáticos y divertidos, las canciones inolvidables (a cargo de Alan Menken) y una calidad en la animación que empezaba a despuntar.

Con su siguiente film, Aladdin (1992), Disney volvió a dar en el clavo. Otros dos Oscar cayeron del lado de la música (otra vez responsabilidad de Menken), y la película tuvo una acogida espectacular en todo el mundo. Pero faltaba todavía el proyecto definitivo, la joya de la corona que debía poner a Disney al frente de la primera división del cine de su época.

Y esa joya es, cómo no, El rey león (The Lion King, 1994). Con este film, dirigido por la dupla Roger Allers-Rob Minkoff, Disney batió todos los récords imaginables, siendo todavía la película más vendida a nivel doméstico. Más de 55 millones de personas de todo el mundo tienen en sus casas un ejemplar (en VHS preferentemente) de El rey león, incluso de alguna de sus (prescindibles) secuelas lanzadas directamente en vídeo. En su momento, la película supuso un auténtico fenómeno cinematográfico y social, consiguiendo que las salas de cine se llenaran hasta la bandera para ver un film de dibujos animados que después era comentado hasta la saciedad con familiares y amigos.

Visto ahora, 17 años después de su estreno y sin ser ya esos niños impresionables de entonces, puede que el film haya perdido algo de su aura mágica. A nivel técnico hemos visto ya muchas cosas que empequeñecen la artesanal animación de El rey león, por mucho que en su momento representara la cúspide de la capacidad de los animadores Disney (no en vano, la escena de la estampida costó casi tres años de realizar). Sin embargo, lo que no ha perdido ni una pizca es su frescura, su capacidad para divertir y para sacar el niño que todos llevamos dentro.

Partiendo de un referente tan profundo como el Hamlet de William Shakespeare (un príncipe que regresa del destierro para derrotar a su tío, que ha matado al rey/hermano y ha usurpado el trono), El rey león sublima los aspectos positivos del cine de Disney: un villano carismático (el cetrino y maquiavélico Scar, magistralmente doblado por Jeremy Irons en el original), unos secundarios robaescenas (entrañables Timón y Pumbaa, esa pareja que ha dado lugar a tantas especulaciones de carácter sexual), una música casi insuperable (esta vez a cargo de Hans Zimmer) y una historia que mezcla con sabiduría la acción, la aventura, el crecimiento personal, el drama (la muerte de Mufasa hizo llorar en los cines a los más curtidos) y la historia de amor, inevitable en un film de estas características y aderezado como nunca con las multigalardonadas canciones de Elton John y Tim Rice.

Con todos estos ingredientes, El rey león se convirtió en todo un éxito de crítica y público, encumbrando a Disney como la compañía más importante del cine de dibujos animados. Sin embargo, esta cumbre se convirtió al mismo tiempo (aunque pocos los sospechaban) en el canto de cisne no sólo de la factoría Disney, sino también de una manera de entender y realizar el cine de animación que iba a ser pronto superada. No por casualidad, El rey león fue la última película de la compañía supervisada por Jeffrey Katzemberg, que poco después fundaría Dreamworks, el gran rival de Disney desde entonces. Pero sobretodo, el último clavo en el ataúd lo puso un ex animador de Disney que había salido de la factoría por la puerta de atrás y que responde al nombre (y a la camisa hawaiana) de John Lasseter. Sólo un año después de El rey león, el propio Lasseter al frente de la factoría Pixar dio a luz a Toy Story (1995), película que marcaría un antes y un después en la historia del cine, certificando la defunción de la animación tradicional en 2D (a pesar de que Disney siguiera lanzando proyectos de relativo éxito como Pocahontas (1995), Hércules (1997) o Tarzán (1999)) y dando la bienvenida a la animación por ordenador en tres dimensiones, que la propia Pixar (más tarde absorbida por Disney en una de esas carambolas del destino) ha sabido llevar a sus más altas cotas de calidad y belleza.

A pesar de todo, del paso del tiempo y de la asunción del 3D como la única manera de entender la animación, El rey león sigue manteniendo ese halo de grandeza que nunca ha perdido. El reciente reestreno en salas de cine de la película (adaptada al formato 3D) le ha vuelto a colocar al frente de la taquilla, y el musical que llega ahora a nuestro país después de más de una década en Broadway y otras ciudades del mundo son dos indicadores de la buena salud de la que goza esta película inmortal. ¡Larga vida al rey!.

FICHA TÉCNICA

Título Original: The Lion King País:EE.UU. Año: 1994 Dirección: Roger Allers & Rob Minkoff Guión: Irene Mecchi, Jonathan Roberts, Linda Woolverton Montaje: Ivan Bilancio Dirección artística: Andy Gaskill Música: Hans Zimmer Duración: 89 minutos Intérpretes (voces): Matthew Broderick (Simba adulto), James Earl Jones (Mufasa), Nathan Lane (Timón), Ernie Sabella (Pumbaa), Jeremy Irons (Scar), Rowan Atkinson (Zazu)

GALARDONES

2 Oscar (1995): Mejor banda sonora, Mejor canción original (Can You Feel the Love Tonight, música de Elton John y letra de Tim Rice)
2 nominaciones al Oscar (1995): Mejor canción original (Circle of Life y Hakuna Matata, música de Elton John y letra de Tim Rice)
3 Globos de Oro (1995): Mejor película de comedia/musical, Mejor Banda Sonora, Mejor Canción Original (Can You Feel the Love Tonight)

Desmontando a Harry: el mejor Allen

2011-10-17T20:20:00.002+02:00

Suele decirse que cuando alguien escribe, cada personaje tiene algo, aunque sea una pizca, de la personalidad del escritor. Creo que es realmente complicado crear un personaje de la nada, a partir de la abstracción más absoluta. Quizá sea más fácil hacer esto en personajes más estereotipados, como el héroe, la femme fatale, el villano, etc., con la facilidad que permite el ir tirando de tópicos como el que recurre a la estampita de San Cristóbal.

Lo verdaderamente difícil es evitar caer en cierto atisbo de autorretrato cuando uno habla de personajes normales, cotidianos. Cuando uno quiere dibujar a un tipo corriente, el típico vecino que nos cruzamos en la calle paseando al perro o saliendo del bar. No tienen superpoderes, ni en su vida pasan cosas extraordinarias ni viajes alucinantes. Entonces es cuando hay que mirar hacia adentro, buscar en nuestro interior la manera de dar forma a esa vida ficticia que estamos creando.

Esta es la idea principal de Desmontando a Harry (Deconstructing Harry, 1997), film en el que Woody Allen se desnuda por completo (metafóricamente, no busquéis la palangana más próxima) y deja que conozcamos a su personaje, Harry Block, a través de los personajes que crea en sus relatos y novelas. En este complicado pero brillante ejercicio metalingüístico, Allen nos presenta a su personaje típico, el neurótico neoyorquino por antonomasia, ateo, divorciado múltiple y putero, pero esta vez contemplado desde numerosos prismas, todos los que conforman los diferentes personajes salidos de su imaginación. Y es que, la conclusión final del relato remite a la esencia de Harry Block: una persona incapaz de funcionar en la realidad, y que sólo encuentra su esencia en la ficción. Hay que reconocer la valentía y la sinceridad de Allen, que no es sino el reflejo de su propio personaje. Como Harry, Woody funciona mejor en la ficción que en la realidad. Todos conocemos a su personaje fílmico (él se encarga de repetirlo película tras película), pero poco sabemos del verdadero Allen. Y lo que podemos intuir de su verdadera personalidad lo acerca, para más inri, al Allen cinematográfico. ¿Estamos ante un ejemplo de persona real fagocitada por un personaje?. No he comido sopas con Woody como para saberlo a ciencia cierta, pero en el caso de la peli de la que hablo, parece que la respuesta es sí. Harry Block se manifiesta a través de diferentes personajes que representan distintos momentos de su vida (e interpretados por actores tan variopintos como Tobey Maguire o Richard Benjamin), acompañado de las mujeres que marcaron su existencia, también disfrazadas con otros rostros. Lo que supuestamente es ficción no deja de ser realidad, porque Harry no puede evitar construir relato tras relato el mismo personaje: él mismo.

La película nos sitúa precisamente en el primer momento de sequía creativa de Harry, cuando no es capaz de tener una idea que valga la pena. Entre las causas de esta sequía está la noticia de que su última novia (Elisabeth Shue) se va a casar con su mejor amigo (Billy Crystal), las desavenencias con su segunda esposa (Kirstie Alley) a causa de su hijo en común, o el inminente homenaje que su universidad le va a realizar. Es especialmente curioso el viaje que emprende Harry hacia su alma mater, a la que llega con una prostituta negra (Hazelle Goodman), un amigo muerto (Bob Balaban) y su propio hijo secuestrado. Por el camino, muchos retazos de la vida de Harry y una visita a su hermana Doris (Caroline Aaron), en la que se produce una interesante discusión sobre religión y judaísmo, otro tema recurrente en Allen.

En definitiva, no sólo estamos ante una sucesión de brillantes toques de humor sin demasiada enjundia argumental, como sucedía en los éxitos de Allen a finales de los '70, como Annie Hall (1977) o Manhattan (1979), sino que también nos encontramos ante una interesante reflexión sobre la existencia, sobre lo que somos y ante todo sobre lo que mostramos a los demás. Desmontando a Harry es, en mi opinión, la mejor película de Allen en los '90, y el mejor título de su director hasta que llegó la sublime Match Point (2005). Para finalizar, os dejo con una frase de la película que comparto totalmente:

"Yo siempre he preferido la ciencia a la religión. Si tengo que elegir entre el aire acondicionado y el papa, por supuesto que me quedo con el aire acondicionado"

FICHA TÉCNICA

Título Original: Deconstructing Harry País:EE.UU. Año: 1997 Dirección y guión: Woody Allen Fotografía (Color): Carlo Di Palma Montaje: Susan E. Morse Dirección artística: Tom Warren Duración: 96 minutos Intérpretes: Woody Allen (Harry Block), Richard Benjamin (Ken), Kirstie Alley (Joan), Billy Crystal (Larry), Judy Davis (Lucy), Elisabeth Shue (Fay)

GALARDONES

1 nominación al Oscar (1998): Mejor guión original

Estrenos de la semana: 14 de octubre

2011-10-14T12:35:00.001+02:00

Las bacterias de Steven Soderbergh y el portero psicópata interpretado por Luis Tosar son las principales atracciones de los estrenos de cine de esta semana. Contagio (Contagion, 2011) y Mientras duermes (2011) mantendrán un pulso por llevarse el gato al agua en forma de venta de entradas, en un duelo que se antoja igualado.

La película de Jaume Balagueró ha tenido un amplio recorrido por festivales, con una acogida bastante positiva. Cuenta además con la probada solvencia del director en el género del thriller y el terror psicológico (Los sin nombre, Darkness, Frágiles, REC) y sobretodo con la presencia de un Luis Tosar que borda un personaje complicado, pasando de la contención a la explosión y generando una enorme inquietud en el espectador. Por su parte, Contagio se centra en la expansión de un virus mortal a nivel mundial, un virus que se transmite por el aire y que mata a los pocos días. Soderbergh, virtuoso del montaje y la puesta en escena, muestra cómo el pánico se apodera de la población mundial ante la impotencia de afrontar lo que sucede (¿una metáfora de la crisis financiera actual?). Por si fuera poco, en su reparto aparecen nombres de tanto tirón como Matt Damon, Jude Law, Gwyneth Paltrow o Kate Winslet, y además ha contado con una campaña de promoción de lo más original.

En las antípodas de estas dos propuestas está Another Year (2010), la última película de Mike Leigh (Secretos y mentiras), que ha tardado más de un año en llegar a nuestras pantallas. Leigh vuelve a presentar un film de personajes y situaciones cotidianas, un drama con las dosis justas de comedia y que contentará al público fiel al director británico. También desde las islas llega One Day (Siempre el mismo día), comedia romántica para lucimiento de Anne Hathaway que dirige Lone Scherfig, la directora danesa responsable de la muy valorada An education (2009).

Dos son los films nacionales que llegan este fin de semana. El sueño de Iván (2011) es una comedia ambientada en el mundo del fútbol y de los amores juveniles, destinada a toda la familia. Dirige Roberto Santiago, realizador de El penalti más largo del mundo (2005) y la más reciente ¿Estás ahí? (2011). Por otro lado, el guipuzcoano Asier Altuna presenta Bertsolari (2011), documental centrado en la poesía oral tradicional vasca.

Y acabamos el repaso a los estrenos con la película que tiene todas las papeletas para ser el saco de boxeo de la crítica (con permiso del El Capitán Trueno y el Santo Grial). Nos referimos a Sin Salida, film de acción protagonizado por Taylor Lautner (el hombre lobo de la saga Crepúsculo) y dirigido por John Singleton, cuya carrera ha ido en declive desde su primer film (Los chicos del barrio, 1991). Ya desde la traducción del título original Abduction (¿cuántas películas tituladas "Sin salida" existen?) recae la sospecha de que estamos ante una película que ni siquiera la presencia de secundarios de renombre (Alfred Molina, Sigourney Weaver, Maria Bello) será capaz de salvar del bochorno.

The Avengers: Trailer. All-Star de superhéroes

2011-10-11T20:15:00.000+02:00

Los fans de los cómics de la Marvel y los aficionados al cine de superhéroes (por no decir los que disfrutan de ambas cualidades) están ya salivando ante la idea de poder ver en la pantalla The Avengers (2012), un proyecto que después de varios retrasos tiene prevista su llegada a los cines en mayo del próximo año.

La idea es bien simple. Como ya sucediera en el papel coloreado, los superhéroes de la factoría Marvel unen sus fuerzas y sus habilidades para evitar la aniquilación de la Tierra. Así, tendremos compartiendo planos y peleas a Iron Man (Robert Downey Jr.), La Viuda Negra (Scarlett Johansson), Thor (Chris Hemsworth), Capitán América (Chris Evans), Hawkeye (Jeremy Renner), Nick Fury (Samuel L. Jackson) o Hulk (Mark Ruffalo).

Prácticamente todos ellos han tenido sus propias películas (incluso sagas) anteriormente, con unos resultados desiguales. Habrá que ver por tanto cómo resulta esta apuesta en la que hay muchos gallos en el mismo corral, y donde la necesidad de dar cancha a todos los héroes puede ir en detrimento de la calidad y la profundidad de la película. Puntos a favor son la presencia tras la cámara y en el guión de Joss Whedon, creador de la serie de culto Buffy, la cazavampiros (1996-2003) y, por supuesto, el innegable carisma de sus protagonistas, a pesar de algunas ausencias destacadas (es imposible meter a todos los héroes de la factoría).

Así pues, habrá que esperar a la próxima primavera para ver si The Avengers cumple las enormes expectativas generadas. Con un precedente similar como La liga de los hombres extraordinarios (The League of Extraordinary Gentlemen, 2003), de la que Alan Moore no quiso saber nada; o compartiendo título con The Avengers (1998, la insulsa adaptación de la serie de los 60 por parte de Jeremiah S. Chechik con unos abúlicos Ralph Fiennes y Uma Thurman), el listón no está demasiado alto.

Las aventuras de Tintín: nuevo tráiler

2011-10-10T14:45:00.000+02:00

Ya queda menos (hasta el próximo 28 de octubre) para que se estrene en cines Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (The adventures of Tintin, 2011), la primera incursión de Steven Spielberg en el cine de animación. El director de Cincinnati lleva muchos años acariciando este proyecto que está a punto de ver la luz, y que viene avalado por un equipo de auténtico lujo. Peter Jackson ejerce esta vez como productor con su compañía WingNut Films, en el guión aparece el nombre de Edgar Wright (director de títulos como Zombies Party o Arma Fatal) y en el reparto personajes tan populares como Jamie Bell (Tintín), Andy Serkis (Capitán Haddock), Daniel Craig (Ivanovich Sakharine) o la pareja Simon Pegg-Nick Frost interpretando a los inefables Hernández y Fernández.

Eso sí, lo que veremos en la pantalla no es a estos actores "de carne y hueso", sino su recreación digital a través de la técnica de motion capture, que ha dado tanto resultados irregulares (Polar Express, Beowulf) como espectaculares (Avatar). Por lo visto, Peter Jackson aconsejó a Spielberg que la animación era la mejor manera de respetar la dinámica del cómic creado por Hergé, y a tenor de lo que podemos ver en los trailers, el director de Tiburón ha puesto toda la carne en el asador para que el resultado final sea espectacular. Y sabemos que Spielberg raras veces pincha en hueso.

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Los cronocrímenes: triple genialidad

2011-10-03T20:27:00.000+02:00

Debo reconocer que soy de esas personas (no sé si habrá muchas o no) que no se cansan de recomendar a todo el mundo Los Cronocrímenes (2007), la ópera prima del cineasta cántabro Nacho Vigalondo. Por unas cosas o por otras pasó bastante inadvertida por la taquilla española, seguramente aplastada por la presencia de blockbusters de mucho más renombre o, más probablemente, por la reticencia de muchos ante un producto de ciencia-ficción made in Spain, dos conceptos que hacen que más de uno acabe frunciendo el entrecejo y soltando algún comentario sarcástico para después afirmar que nunca gastaría su dinero en ese tipo de productos.

Sin embargo, si superamos los absurdos prejuicios iniciales, el film no decepciona en absoluto. Todo lo contrario, Los Cronocrímenes es la perfecta demostración de que es posible realizar una gran película con muy pocos medios. Sólo es necesaria una gran idea, y la de Vigalondo lo es, y la lleva a cabo además de una manera a mi gusto muy acertada. El hecho de que sea una película de género podría haberle tentado a buscar demasiadas vueltas de tuerca y centrarse en el aspecto de los efectos visuales, lo que (dado el presupuesto de la cinta) habría derivado en un subproducto de serie B, de los que proliferan (este vez sí, para mal) en nuestro cine patrio. Sin embargo, Vigalondo huye de los trucos y de la pirotecnia, y para contar su historia sólo necesita cuatro actores (en realidad tres, porque el cuarto es él mismo) y como mucho una buena dosis de maquillaje en el final de la película, muy bien conseguido por cierto.

La puesta en escena, casi minimalista y sin clichés del género, contrasta con la complejidad del guión, una complicada historia de viajes en el tiempo y paradojas de la predestinación, que resulta a veces complicada de seguir y termina de una forma muy abierta, sin resolver la mayoría de aspectos de la trama. Es de destacar la interpretación de Karra Elejalde (uno de los actores fetiche de Julio Médem, y que mejor se dedique a actuar que a dirigir, así nos evitaría títulos como Año Mariano (2001) o Torapia (2004), que podrían haber sido realizados perfectamente por Juanma Bajo Ulloa y no pasaría nada). Elejalde se multiplica en un triple papel (aunque en realidad es siempre la misma persona) y soporta el peso de la historia, cuya emoción se mantiene aunque el espectador conozca a partir de la primera media hora lo que va a suceder. A Karra le secundan Candela Fernández, como su despistada mujer, Bárbara Goenaga como la chica del bosque, vital en la trama, y el propio Vigalondo, en el papel de "mad doctor" cañí.

Los Cronocrímenes tiene su principal virtud en su sencillez, en su falta de pretensiones. Hacer una película sobre viajes en el tiempo puede derivar en discusiones científico-filosóficas sobre el universo (¿eh, H.G. Wells?) que sólo contribuyen a confundir (y a aburrir) al espectador. Pero en esta ocasión, el hecho de viajar en el tiempo queda en un segundo plano, y el verdadero leitmotiv de la cinta es el intento del protagonista de eliminar a sus "duplicados".

Resulta además significativo que este film tardara tanto en encontrar distribución en España, después de haber ganado premios all around the world, en festivales como Amsterdam, Philadelphia o Austin (Texas), e incluso después de haber sido aclamada en el Festival de Cine Independiente de Sundance (donde, por cierto, triunfó pocos años antes otra película semiamateur sobre viajes en el tiempo, Primer (2004)). Parece que los distribuidores en España son reticentes a invertir en cualquier producto que no lleve el nombre de Javier Bardem, Penélope Cruz o Pedro Almodóvar, y por ello estuvo a punto de no llegar a nuestras pantallas esta estupenda película. Y eso que Nacho Vigalondo ha estado nominado al Oscar por su corto 7:35 de la mañana, hace no tanto tiempo.

Con todo, en su periplo en las carteleras pasó sin pena ni gloria. Es la típica película que basa su éxito en el boca-oreja (y no boca-boca como se dice siempre, que eso ya es casi pornográfico), y que llegó casi únicamente a los cinéfilos interesados en el género. Por cierto, que dentro de poco veremos el estreno de lo nuevo de Vigalondo, Extraterrestre (2011), también muy bien recibida allá por donde ha pasado. Para mí, Nacho Vigalondo es uno de los personajes más válidos e interesantes de nuestro cine, y ya es hora de que reciba el reconocimiento que se merece.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Los cronocrímenes País: España Año: 2007 Dirección y guión: Nacho Vigalondo Fotografía (Color): Flavio Martínez Laviano Montaje: Jose Luis Romeu Dirección artística: José Luis Arrizabalaga, Biaffra Música: Chucky Namanera Duración: 92 minutos Intérpretes: Karra Elejalde (Héctor), Candela Fernández (Clara), Bárbara Goenaga (La chica del bosque), Nacho Vigalondo (El joven)

GALARDONES

1 nominación al Goya (2009): Mejor dirección novel

Estrenos de la semana: 30 de septiembre

2011-09-30T13:29:00.001+02:00

Termina septiembre, el otoño ya está aquí y este viernes la cartelera llega repleta de estrenos. Muchas aventuras, mucha comedia romántica, mucho humor negro y también alguna propuesta de las que dan ganas de huir. Pero como pasa siempre, sobre gustos no hay nada escrito.

El estreno más sonado de la semana es Johnny English Returns (2011), que supone el (innecesario) regreso del espía más patoso al servicio de Su Majestad. Rowan Atkinson se vuelve a poner el traje de agente secreto en esta comedia de acción que pretende parodiar los clásicos del género y corre el riesgo de parodiarse a sí misma. Eso sí, con un enorme esfuerzo de promoción mediante (incluida la ineludible visita al programa de Pablo Motos), el film de Oliver Parker apunta como gran candidato a liderar la taquilla del fin de semana.

Esto será, eso sí, con permiso de Los Tres Mosqueteros en 3D (The Three Musketeers in 3D, 2011), otra vuelta de tuerca a la trilladísima novela de Alejandro Dumas que se adapta a los nuevos tiempos para ser proyectada en tres dimensiones. Ray Stevenson, Matthew McFayden y Luke Evans serán los mosqueteros, el bisoño Logan Lerman hace de D'Artagnan, Milla Jovovich será la chica de la peli y Orlando Bloom con tupé y Christoph Waltz serán los malos de la función. Dirige Paul W.S. Anderson, responsable de la saga Resident Evil.

En cuanto al cine algo más indie y con menos pretensiones, hay que destacar Larry Crowne, nunca es tarde (Larry Crowne, 2011), la segunda película como director de Tom Hanks (la primera fue The Wonders, allá por 1996), que también se reserva el papel protagonista. Hanks interpreta a un hombre de mediana edad que decide volver a empezar su vida apuntándose a clases en la universidad y rodeándose de gente más joven, conociendo además a una profesora (Julia Roberts) de la que se acaba enamorando. Es decir, otra de esas historas "pequeñas" y bienintencionadas que tanto tirón tienen en EE.UU. y un poco menos en España.

Seguro que menos edulcorada resulta Somewhere (2010), el regreso a la dirección de Sofia Coppola. El film retrata la vida de una estrella de cine (Stephen Dorff) sumida en una espiral de sexo, alcohol y excesos hasta que aparece su hija de 11 años (Elle Fanning) y le hace replantearse su existencia. Veremos si la peli de Coppola llega a las cotas de excelencia que alcanzó con Lost in Translation (2003).

Mucha más mala leche destila Four Lions (2010), un film arriesgado que toca un tema tan delicado como el terrorismo islamista, presentando a unos integristas incompetentes que viven en Gran Bretaña y que se entrenan para convertirse en terroristas suicidas. A pesar de lo peliagudo de la propuesta, el film ha sido aplaudido en los festivales por los que ha pasado y su justa mezcla entre drama y comedia le hace ser un producto más que interesante.

El estreno patrio de la semana es Catalunya über alles! (2011), un drama que cuenta tres historias (un ex presidiario, un inmigrante en paro y un ejecutivo) situadas en la Catalunya interior. Está por ver como recibirá la taquilla un producto tan localista como éste. Seguramente con la misma frialdad que otros films muy distintos como las comedias románticas estadounidenses Prom (2011) y El arte de pasar de todo (The Art of Getting By, 2011), en la que veremos que Freddie Highmore (el niño de Charlie y la Fábrica de Chocolate, 2005) se ha hecho mayor. Como si nos importara.

Villaronga inicia la carrera hacia el Oscar

2011-09-28T18:50:00.003+02:00

Por fin sabemos cuál será la película que representará a España en la preselección de candidatas al Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa el próximo año. La Academia de Cine ha decidido que la elegida sea Pa negre (2010), el excepcional film de Agustí Villaronga que arrasó con nueve premios en la última edición de los Goya.

Pa negre se ha impuesto a La piel que habito (2011), en lo que habría sido la enésima aventura de Pedro Almodóvar en la ceremonia de los Oscar, y también a La voz dormida (2011), adaptación de Benito Zambrano de la novela de Dulce Chacón que revisita de nuevo la Guerra Civil española. Precisamente esto ha ido en contra del film de Zambrano, considerado por algunos como otra visita innecesaria a un pasado demasiado trillado y maniqueísta. Sin embargo, aunque con Pa negre también se sitúa en los años posteriores a la Guerra Civil, Villaronga ha sido capaz de parir una historia dura, sin concesiones ni personajes unidimensionales. El drama y las heridas de la Catalunya profunda quedan perfectamente retratadas en un film que podría optar a la estatuilla dorada con total merecimiento.

Ahora sólo queda esperar a que se anuncien las cinco películas que serán candidatas oficiales a los premios del próximo mes de febrero. De momento, Pa negre ya ha hecho historia al ser la primera película rodada en catalán que opta a ganar un Oscar. Veremos hasta donde llega el sueño de Villaronga.